Ash Cities

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Silver Mount Zion Memorial Orchestra/Tra-La-La Band - Horses in the Sky

Silver Mount Zion Memorial Orchestra/Tra-La-La Band - Horses in the Sky

Fans de A Silver Mt. Zion (y sus cambiantes nombres), éste trabajo no es el epíco post-rock al que nos tienen acostumbrados.

Incursión en meter vocales, con una voz molesta pero interesante, en lugar de los largos paisajes ahora muestra una experimentacion extrañísima (no sé como definirla), el violín ahora suena... celta? pero country? pero sigue siendo post-rock?

Efrim, líder también de Godspeed You! Black Emperor, parece no cansarse en sacar cada vez cosas más extrañas, más experimentales, más díficiles de escuchar. Mantiene esa tristeza, melancolía, devastación que GY!BE y ASMZ tienen, pero ahora, esa voz desgarbada y falta de encanto, aumenta cierta teatralidad muy bizarra a las composicíones.

Coros casi religiosos son el marco perfecto para una música incrasificable, que se mueve por sonidos tan distantes como una vieja canción, gastada y triste, del norte de América, así como por los característicos paisajes sonoros de la agrupación, que incluso con esta serie de cambios suena más honesta.

Es asombroso, lo escuchas y piensas que es asombroso, pero no sabes por qué es tan asombroso.


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CocoRosie - Noah's Ark

CocoRosie - Noah's Ark

Hay una expresión muy mexicana que me provoca decir éste álbum cada vez que le pongo play: "No pinche mames!"

Cuando salió, no estaba segura de él, Pitchfork (si bien no es la verdad absoluta pero sí una guía valiosa) le dió una calificación por debajo del 3 (del 0 al 10). Al carajo Pitchfork! el álbum es asombroso.

"La Maison de Mon Reve" era un album más luminoso, y mucho más intrumental, cualquier cosa que eso signifique. "Noah's Ark" es más del estílo del "Vespertine" de Björk, es decir, sonidos justo donde van, sin más ni menos.

La música de las hermanas Casady es un folk con tintes de trip-hop y dream pop precioso, pero en esta nueva producción, en lugar de explotar a la belleza como sinónimo de luminosidad, hacen lo contrario, es una belleza sombría y mucho más nebulosa.

Es un trabajo perfecto para fans de las extrañas hadas musicales: Joanna Newsom y Björk. La música carece de una estructura canónica, es más una experimentación, una búsqueda. "Beautiful Boyz", con Antony (de Antony and the Johnsons) es uno de los mejores tracks del álbum, pues mezcla el extraño sonido de CocoRosie con la música depresiva de la agrupación de Antony.

Cada canción cointenida es una hermosa muestra de una altura musical inigualable, pero a ésta que escribe, le agrada por encima de todas las 12 composiciones esa que se titula "Brazilian Sun", pero destacan igualmente "Bear Hides and Buffalo" con sus sonidos sampleados de animales y la que le da título al trabajo.

Si te gusta aquella belleza extraña como la que emana la extraña voz de Joanna Newsom y su arpa, o la delicada voz de Björk y sus experimentos... CocoRosie es para ti.


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U2 - Achtung Baby!

Ahora, cada Lunes pondré mis opiniones de discos que no son nuevos, sino de aquellos que por una u otra razón son de esos discos considerados "favoritos de todos los tiempos", qué mejor que comenzar con la mejor obra de mi banda favorita... "Cuidado Nena!"

U2 - Achtung Baby!

Era 31 de Diciembre de 1989, U2 ofrecía el último concierto de la gira Love Town en su natal Dublin, y al final del mítico concierto, Bono se dirigió al público y dijo que tenían que soñarlo todo de nuevo.

Muchos auguraban el rompimiento de U2, que si bien ha tenido pocos problemas internos, esos cuantos que han tenido han sido suficientes, pues han sido graves y todos los han llevado a puntos extremos.

Ciertamente, durante el 90 y parte del 91, U2 sufrió fracturas que parecían irreconciliables, fracturas que se acentuaron en el estudio al tener opiniones encontradas. Uno pasaba por un divorcio, el otro se rehabilitaba y los otros 2 siempre han sido polos opuestos dentro de la agrupación y aquí sus diferencias parecian potenciadas.

Brian Eno y su inseparable Daniel Lanois fueron los encargados, los magos, de lograr que todas esas situaciones difíciles pudieran salir y ser benéficas para el álbum que estaban preparando.

Se mudaron a los estudios Hansa, en la parte oriental de Berlin, que pocos meses antes había sido unificada. Las tensiones que se vivían eran obvias, Bono recibió unos anteojos gigantescos usados y se los ponía para hacer bromas y tratar de suavizar la situación, se hacía llamar "The Fly". Pero ni eso parecía sanar las relaciones.

Nada salía bien, compusieron un montón de canciones que no les satisfacían, más: Larry, Adam y Lanois formaban un "equipo", el que se inclinaba por seguir la línea que U2 había seguido a lo largo de 10 años, del otro lado, Bono, Edge y Eno tenían la opinión contraría; experimentar, arriesgarse, más dance, más industrial. No iban a ningun lado.

Cuenta la leyenda que una noche, tras estar tratando con ritmos y secuencias, Edge compuso 2 melodías en el piano, Eno consideró a ambas igualmente buenas, lo que Edge decidió hacer fue meter una dentro de la otra y Bono comenzó a improvisar una letras: así nació "One", la canción que salvó a U2.

"Achtung Baby!" (título, que por cierto, es una especie de broma alemana muy de moda en ese entonces) es importante porque reinventó a U2, creó a un U2 irónico, oscuro, introspectivo, al U2 de los personajes, dejó atrás al de los muchachos que eran como eran en el escenario o fuera de él.

Existen muchos secretos tras este álbum, quén fue el verdadero autor de "So Cruel" o "Who's Gonna Ride Your Wild Horses?", Bono o Edge? ambas canciones directas referencias al extraño divorcio del guitarrista.

Son 12 canciones, todas pequeñas gemas que conforma un hermoso todo, que en lugar de acusar y gritar, prefieren ser irónicas y contradictorias. Que si la moda era el grunge, U2 decide hacer lo contrario, que si abandonaron su grito de "No More" y su bandera blanca, prefieren crear personajes que representan lo malo que ellos tratan de combatir.

"Zoo Station" abre como obvia invitación a probar el nuevo U2 y "Love is Blindness" cierra siendo una de las canciones más estremecedoramente bellas que U2 jamás ha escrito. "One" es posiblemente la canción más conocida, no sólo del álbum, sino de la carrera entera de los irlandeses, pero ante esas otras 11 composiciones, "One" queda como una pieza más que forma el rompecabezas. "Acrobat", una de las consentidas por los fans y nunca tocada en vivo es una plegaria dolorosa y brillante.

"Achtung Baby!" es su mejor obra, siempre lo será. Tiene belleza que deslumbra por su oscuridad.

"Don't let the bastards grind you down"

Y ni que hablar de la gira subsecuente... esa es otra larga historia...


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Interference
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@U2
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U2 East Link

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Swoon baby, starry nights

Interpol en vivo, 22 de septiembre, Palacio de los Deportes

No la debían.

Tras el montón de corajes que la mayoría pasamos desde que el concierto de Interpol, programado para el 6 de septiembre, fue cancelado, y después vino la odisea de cambiar los boletos... más corajes aun. Y así.

Pero la noche por fin llegó, la verdad no supe ni quien abrió, y no me importó, pues era una banda bastante equis (en sonido y todo). Pero luego vino la calma justo antes de la explosión.

Si mal no recuerdo, Daniel fue el primero en pararse en el escenario, y las gargantas de miles de fans lo ovacionaron, así, dio paso al resto de la banda y todo comenzó.

El concierto abrió tal cual abre Antics, la ausencia de cortes de Turn On The Bright Lights fue obvia, pero es comprensible, aun así, tras "Next Exit" vino la maravillosa "Say Hello To The Angels" (una de mis favoritas personales). "A Time To Be So Small" brilló dentro de su propia oscuridad nata, y ese outro, que es el mejor outro de una canción jamás hecho, sonó espectacular en vivo.

Sam Fogarino dió muestra de un virtuosismo que en sus grabaciones no se aprecia tan bien, si bien la base rítmica de Interpol es la parte más interesante, aquí Fogarino se lució, incluso opacando a Carlos D., que no se quedó atrás.

Dicen, y tal vez es porque la gente que lo dice fueron asistentes a este concierto, que esta última fecha ha sido la mejor, que incluso fue grabado el concierto (próximo DVD?).

Lo cierto es que cuando "Stella Was A Diver and She Was Always Down" comenzó, mi piel se enchinó, pues es otra de mis canciones favoritas, sino es que mi gran favorita.

"Stella... I love you!"

"Obstacle 1", "Slow Hands" y "Evil" fueron las más coreadas, y ésta primera la que pateó más traseros. El segundo mejor concierto de mi vida... creo que no hace falta decir cual es el primero.

Así fue la noche que Interpol pagó lo que debía.

Setlist (el orden es vago)

Next exit
Say hello to the angels
Narc
A time to be so small
Slow hands
Public pervert
Not even jail
Leif erikson
Evil
Obstacle 1
Take you on a cruise
PDA
[Encore]
NYC
Stella was a diver and she was always down
Roland

les debo las fotos...


Interpol official site: Interpol official site

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Iron & Wine, Calexico - In The Reins EP

Iron & Wine, Calexico - In The Reins EP

Cuando me enteré, hace meses, que este disco sería lanzado, la idea me pareció fantástica; adoro todo lo que huela a Samuel Beam y Calexico es, para mi, una de las bandas más originales, única en su clase.

Cuando "In The Reins" abre espléndidamente con "He Lays In the Reins", me doy cuenta que así deberían sonar todos los proyectos cuando 2 bandas se unen, es decir, amalgamar los estílos y que sigan sonando increíble. Es el caso de este EP, la voz de Beam siempre es cálida, pero ahora es acompañado por más que una guitarra acústica, Calexico provee ritmo, sabor, cadencia y originalidad para hacer de este disco un trabajo asombroso y, sobre todo, sólido.

Después de seguir recorriendo el trabajo, sólo te logras preguntar: Por qué no habían hecho antes y sólo te queda esperar que haya colaboraciones futuras.

Para los despistados que no sepan quien es Iron & Wine (Samuel Beam) y Calexico, ahi les va:

Iron & Wine es un cantautor de Florida, totalmente folk y que comenzó de forma amateur, sus letras son simplemente hermosas y sus álbumes cada vez mejores, sólo se acompaña de guitarra acústica y unos cuantos arreglitos discretos.

Calexico es, como lo defino, la única banda de indie mariachi desert jazz, su sonido es peculiar, en una base de rock meten sonidos latinos y vivencias en la frontera norte de éste país.

Ahora, imaginen la voz de Beam con Calexico como su banda.


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Iron & Wine official site:
Iron & Wine, official site
Calexico official site:
Casa de Calexico

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Sigur Rós - Takk

Sigur Rós - Takk


Después del extraño, atmosférico y ciertamente dramático "( )", la agrupación islandesa regresa dando las Gracias.

"Takk" representa regresar al Sigur Rós más melódico, al de "Ágætis Byrjun", su obra cumbre. No es por menospreciar "( )" que es un trabajo complejo y bello, pero "Takk" es lo mejor que han hecho desde "Ágætis Byrjun".

La música de Sigur Rós sigue siendo el post-rock es su más delicada y dulce expresión, incluso el más accesible comparado con otras bandas del género. Donde las texturas son suaves y similares a la nieve de su natal Islandia. "Takk" es más una historia, un recorrido que un creador de atmósferas.

El sentimiento primario que ha movido a la agrupación sigue presente, es decir, la tristeza y melancolía impregnadas en las melodías, pero este trabajo es, digamos, más "alegre", el más de su carrera, nunca dejando de sonar a Sigur Rós. Tratar de hablar de un track aquí contenido involucra hablar de todos ellos, que son por igual, componentes preciosos de un todo.

La música de Sigur Rós es marco perfecto para escenas trágicas, pero al mismo tiempo inmensamente y perturbadoramente bellas. Así defino la música de esta agrupación y su sonido único.

Sigur Rós es la agrupación que puede poner, realmente, en el mapa ese estilo musical que tanto me gusta: el post-rock (con todo y su nombre pretencioso), sin ser necesariamente el mejor exponente de dicho estilo.

"Takk" vale la pena por su belleza, por sus texturas, por su madurez y porque todos necesitamos esa banda "corta-venas" en nuestras vidas.


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Devendra Banhart - Cripple Crow (+ algo)

Antes de comenzar, yo me había auto-prometido no meter mis cosas personales aquí tipo "querido diario", pero vamos a hacer una excepción, no es muy personal, pero sí es una opinión que nada que ver con reviews de discos.

Hoy, crappy day, iba a la escuela pero ya ni pude llegar, anyways, pasé a un puesto de periódicos a ver que había y me encontré con un especial de "Indie" de la nefasta publicación Rock Stage.

Odio esa publicación, y el staff de esa publicación me odia (digo, que el director me responda un e-mail con groserías, jojo, fue tan gracioso). Bueno, el punto es que más erronea la descripción, la selección de bandas y discos no pudo estar. Mira que recomendar "Hot Fuss" de los Killers (asco) así como "Hopes & Fears" de los insufribles y acaramelados Keane como discos indie...

Ah, eso de que la palabra "indie" esté de moda no quiere decir que todos puedan (podamos) usarla a la ligera. Es lo malo pues... la ignorancia.

Ahora sí...

Devendra Banhart - Cripple Crow

En estos últimos días ha habido muchos lanzamientos interesantes de bandas y solistas igualmente interesantes. Pero ando en un Devendra mood y vamos a reseñar a este freak del folk (nota: en esta vida hay dos géneros/estílos musicales que pase lo que pase me van a gustar; folk y post-rock).

"Cripple Crow" es la continuación a sus dos álbums del año pasado ("Rejoicing in the Hands" y "Niño Rojo") y como buena continuación representa un paso adelante, en este caso, un concepto más grande y más chabacano, como decía mi profesor de Estética.

Qué quiero decir con esto, pues que este trabajo es Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club (la referencia la podemos tomar desde la portada, oh, y la canción títulada simplemente "The Beatles") hecho por un artista folk incansable, pero sí, muy psicodélico. No cae en lo barroco, se mantiene sobrio al estilo de Devendra y son más de 70 minutos de música agradable, folk, bien escrita y bien producida.

Cuenta con colaboraciones al por mayor, sigue con esa manía de cantar en español (su pronunciación a mejorado) e incluso "Pensando Enti" y "Quetate Luna" son de las mejores canciones del disco, ésta última con una cadencia más latina.

Lo que se me hace increíble es como un trabajo tan largo no te aburre y te provoca ponerlo más de una vez al hilo.

Es un disco variado, divertido, cálido (como todo buen folk) y amable. Todo mundo debería escuchar a Devendra Banhart, para quitarse malos humores y pasar un ratito con uno mismo.


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Minus The Bear - Menos el Oso

Minus The Bear - Menos el Oso

Tengo que mencionarlo, el título del álbum me encanta.

Cómo definir el sonido de Minus The Bear?... emo progresivo? math emo rock? o algo así, ya se van haciendo una idea? es música compleja con un toque "emocional", pero eso sí, es indie, en sonido y en todo.

El disco abre con el beat funky de "The Game Needed Me", la cual augura grandes cosas para el resto del trabajo. Tal vez augura demasiado, pero calma, no es un mal álbum. Esas melodías complicadas y rebuscadas hacen que el trabajo no sea aburrido.

El sonido es bombástico, siempre, pero de cierto modo el escucha sabe que lejos de ser pretencioso es más bien divertido y hasta fresco. Pues tenemos el intro tipo jam del álbum en sí y por el otro lado, "El Torrente" se presenta como una canción más íntima, con ese mismo sentimiento, "Hooray" es la pieza más emo del trabajo.

Las guitarras suenan limpias, cuando el álbum se acerca a su lado más pop, incluso suenan cristalinas. La línea de bajo de "This Ain't A Surfin' Movie" es impresionamente -y simple- especialmente al inicio. Y así... se ve que los cinco integrantes de la agrupación de Seattle son músicos, músicos de verdad (algunos vienen de otras agrupaciones y otros con experiencia en la producción)

La crítica ha sido bastante reservada con este trabajo, pese a eso, es un disco que disfruto de principio a fin, con pocas fallas, el defecto está en que estas fallas son notables. Es un trabajo sólido que vale la pena, pues simplemente es un rock entretenido. Con eso basta.


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Feist - Let It Die

Feist - Let It Die

El otro día escuchaba el último trabajo de los Kings of Convenience, y más que estar asombrada por la capacidad armónica de los noruegos (que la tienen), me exaltó de sobremanera la preciosa voz de Leslie Feist. Todos la conocemos por sus aportes con Broken Social Scene.

Cuando me enteré que la dama en cuestión lanzaría un álbum, la idea me pareció perfecta y emocionante (aunque este es su segundo trabajo, el primero es mucho más desconocido).

Qué se espera cuando una ex-roommie de Peaches e integrante del colectivo Broken Social Scene lanzará un álbum? pues uno espera escuchar a la hija de Patti Smith. Qué sorpresa tan agradable Feist regaló en "Let It Die"

El hilo conductor del trabajo es la bella voz de la cantante, así como un jazz suave y cálido. El álbum es cadencioso, sensual. Tan hermoso y bien logrado trabajo hace que la original de los Bee Gees "Inside and Out" se convierta en canción totalmente de Feist.

Qué se puede agregar? es un disco redondo, en donde indie, bossa nova, jazz y un variado etcétera se combinan con una de las voces más elegantes y bellas de hoy.


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Página oficial:
Arts & Crafts records - Feist home page

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Death Cab for Cutie - Plans

Originalmente hoy iba a reseñar el concierto de Interpol del día 6 de septiembre, pero todos sabemos que pasó y prefiero no recordarlo, como se frustro eso, iba a reseñar el nuevo de CocoRosie, pero no lo he escuchado lo suficiente, entonces he aquí el más reciente disco de DCfC.

Death Cab for Cutie - Plans

El lanzamiento de Death Cab for Cutie con disquera transnacional tras participar en The OC, cuando alguien escucha eso lo primero que se nos viene a la mente es: "ya sacrificaron el valor artístico".

Death Cab for Cutie no sacrificó nada de su sonido en "Plans", pero tampoco experimentó, cambió o evolucionó, suena a DCfC y nada más. Sigue teniendo ese toque emo sin ser emo, pero sí, está mejor de lo que muchos esperaban ahora que abandonaron Barsuk Records.

Ben Gibbard es un gran escritor de canciones y tiene una voz suave y dulce bastante agradable, y aquí nada de eso cambia, es más, su proyecto alterno más conocido (Postal Service) no interfirió para nada aquí como en otros casos (ver caso de Gorillaz y Blur).

"Soul Meets Body" es uno de los mejores tracks del álbum, pero el trabajo está repleto de composiciones que funcionan por su simpleza y por lo directo que la agrupación siempre ha sido al momento de transmitir mensajes y sentimientos.

Es sencillo, si ya te gustaba DCfC, éste disco te va a encantar, si los odiabas... los vas a seguir odiando y si los desconocías, es buen álbum introductorio, pero yo sugeriría "Photo Album"

Es un disco... errr... bonito.


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A mis pocos lectores, cambiaré la política de una review diaria por una review todos los Lunes, Mirércoles y Viernes, considerando que mis actividades escolares ya no me permiten invertir tanto tiempo aquí.
gracias :)

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Xiu Xiu - La Forêt

Xiu Xiu - La Forêt


ADVERTENCIA: Considerando que Xiu Xiu es una de las bandas favoritas de la autora, esta reseña será completamente imparcial. Gracias

[Iniciaré mi reseña con una frase sacada de la reseña del disco EP de los Fiery Furnaces del sitio Pitchfork, sólo cambiando el nombre de las bandas]

Si no te gusta Xiu Xiu... te odio.

Jamie Stewart y sus musicos regresan como regresan cada año y sorprendiendo como cada año. En esta ocación, La Forêt representa su trabajo más melódico y por lo tanto, el más accesible hasta ahora, pero no hay que asustarse, no arriesgan nada de su sonido, sólo le dieron más orden a éste.

Sin embargo, sigue sonando a Xiu Xiu, sigue teniendo cacofonías llenas de angustia y tristeza, sentimientos que han movido a la peculiar agrupación desde el principio.

"Muppet Face" es definitivamente una de las canciones que suenan más al Xiu Xiu de A Promise y Fabulous Muscles, "Saturn" es la canción más ruidosa y desordenada, pero cuando logran meter armonías más rock, incluso pop a las canciones, surgen melodías como "Bog People" y "Mousey Toy".

Podemos percibir, en definitiva, un artista (en este caso Jamie Stewart) maduro, que con cada disco se supera y regala desgarradas canciones con sistentizadores y voces lúgubres.

De lo mejor del año.


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Página oficial:
Xiu Xiu official site

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Black Rebel Motorcycle Club - Howl

yay! ya tengo más visitas, anyways...


Black Rebel Motorcycle Club - Howl

Parece que en este mundo soy la única que prefiere "Take Them On, On Your Own" a "B. R. M. C.", pero creo que la segunda producción de esta agrupación es más madura.

"Howl" es un cambio radical a lo que habían estado haciendo, dejan las sombras de The Jesus and Mary Chain para abrigarse en los acogedores brazos de la música gospel. Mezclar gospel y rock no es nuevo (U2: "Rattle and Hum", etc.), pero la agrupación logra hacer que los géneros empaten bien y suenen naturales, como si desde el principio ambas corrientes musicales hubiesen sido pensadas para hermanarse.

Esta mezcla es obvia desde la abridora "Shuffle your feet", que contiene un sentimiento sureño primario. A lo largo de esta nueva producción nos encontramos más y más como una banda que sabe evolucionar puede sonar, Black Rebel Motorcycle Club no deja la oscuridad que los ha caracterizado, pero el toque de gospel da una luminosidad extraordinaria a composiciones sombrías por naturaleza.

Blues y country ayudan a que la influencia gospel marcada no se torne aburrida, eso se puede notar en composiciones como "Devil's Waitin'", "Weight of the World", "Complicated Situation", entre otras.

Para BRMC este es su trabajo mejor logrado, incluso el más arriesgado, es incleiblemente disfrutable cuando uno logra entrar en él. A mi, personalmente se me dificultó comprenderlo, no por falta de ganas, pero es de esos discos que no me impresionan a la primera.

Pese a que las críticas han sido benevolentes con él, es un grower para mi que, sí, es una excelente producción, pero yo esperaba más de ellos. Me encanta la evolución, la experimentación, y pese a todo, lo considero un buen álbum, no excelente.


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Porter - Donde los Ponys Pastan

Porter - Donde los Ponys Pastan

Es fácil quedar convencido con un álbum (un EP en este caso) cuando tus espectativas eran bajas y el trabajo cumple. Eso me pasó con este trabajo debut de la banda mexicana Porter.

Yo al grupo lo conocí de nombre hace mucho, pero pude ver los rostros de sus integrantes gracias al último festival Vive Latino, tuve oportunidad de ver una entrevista en Telehit tras su presentación en dicho festival. La impresión que tuve de la agrupación no fue para nada buena, pues sus respuestas eran estúpidas y vagas, aunque el entrevistador no era de lo más brillante tampoco (Vj Claudio), y a la música no le puse la atención debida.

Luego, en un viaje de ociocidad a la enorme Ciudad de Mexico, pisé un Mix Up y me encontré que el trabajo de esta banda estaba a un precio muy accesible, así que decidí adqurirlo y quitarme prejuicios.

Corrí el cd rumbo a mi Toluca natal y me provocó, al finalizar, volverle a poner play, esa es buena señal, no?

En si el trabajo no es malo, está bien grabado (para ser un trabajo independiente mexicano, eso es un gran logro) y tiene su encanto.

El mayor problema de "Donde los Ponys Pastan" radica en que suena a mil cosas pero no encuentro un sonido "Porter marca registrada", otro gran problema que le encuentro, y esto no es culpa de la banda, es la voz, no es que esté mal, sino que suena demasiado a Saul Hernandez (cuando tenía voz), claro que la voz de Juan Carlos es más juvenil y gritona. Pero ante todo eso, el mayor defecto son las partes en inglés, las letras en español no son de lo más inteligente pero pueden mejorar, pero cuando se trata de cantar en inglés, las canciones se notar forzadas, al menos en español, con sus letras torpes y todo, hay cierta ingenuidad y se nota auténtico lo que está cantando, por ejemplo, la canción "Daphne" está en ambos idiomas y ciertamente disfruto más las partes cantadas en español. También hay 2 "interludes" medio jazz/lounge intrascendentes, que están bien para demostrar que son buenos músicos si fueran más cortos (sobre todo "Interlude Complicado").

El EP a ratos suena a Death Cab For Cutie, tiene atmosferas tipo Múm, secuencias parecidas a Radiohead y The Mars Volta, y si no prestas atención a las letras, facilmente pasan por una banda indie de EUA, no una de las mejores, pero así es... no lo estoy diciendo como cumplido, qué pasa ahí? qué los mexicanos no podemos hacer nada original? lo sé, EUA y UK son los que mueven los hilos en la música mundial... pero... no sé...

Vale la pena, sí lo vale, más que nada porque pueden madurar y hacer grandes cosas.

(no encontré foto de la portada, por eso pongo foto de la banda, je)

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Patrick Wolf - Wind in the Wires

Patrick Wolf - Wind in the Wires

Este disco lo conseguí hace tiempo, lo escuché nada más una vez y se quedó empolvandose un ratote. Luego, buscando música para que sirviera de soundtrack de mis locas ideas de fantasía (el género literario) volví a poner este album recordando que el joven músico gusta de meter sonidos celtas a sus alocadas composiciónes de pop (en el buen sentido).

Este joven irlandés de a penas 22 años ya ha lanzado 2 LPs, y en retrospectiva, ambos son bastante buenos. Pero en "Wind In The Wires" hay más misterio, más magia.

Imaginen a Nick Cave + Bright Eyes, pero totalmente eléctronico y con una oscuridad bastante peculiar (como la oscuridad que un castillo medieval emana).

Hay un par de pequeñas composiciones de no más de 2 minutos como "Aparittion" que son intrascendentes, pero que no estorban. La abridora "The Libertine", la pagana "The Gypsy King", la genial "This Wheather" pero sobre toda la arrojada "Tristan", entre muchas otras, hacen de este un refrescante respiro a la música pop.

Prometo que el próximo disco será un disco malo, ya sé que está mal hablar sólo bien (o mal) sobre algo.

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Patrick Wolf dot com

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The New Pornographers - Twin Cinema


The New Pornographers - Twin Cinema

Se trata de otro de mis discos favoritos del año.

The New Pornographers es un colectivo/super-band canadiense de rock así, a secas. Las canciones carecen de la clásica estructura de una canción (estrofa-puente-coro o variantes), las guitarras son rasposas, el juego vocal variado y todo eso que en sus trabajos anteriores ya habían demostrado que hacían muy bien, pero, en "Twin Cinema" se nota una evolución enorme, un acoplamiento total. Claro que se trata de una continuación a "Mass Romantic" y más directamente a "Electric Version", pero "Twin Cinema" tiene una fuerza única, no dudaría que en un futuro sea considerado uno de sus mejores trabajos.

El disco nunca deja de sorprender por su frescura y las armonias que consiguen. Canciones bizarrísimas, tanto en música como en letra y belleza que se ve desparramada por todos lados como si cada canción sangrara felicidad.

"Sing Me Spanish Techno", "The Bleeding Heart Show" (mi favorita personal), "Use It", "Jackie, Dressed in Cobras"... bueno, las 14 canciones contenidas aquí son originales, hermosas y rockeras, todo a la vez.

Es un disco que no se puede pasar por alto...

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Red Sparowes - At the Soundless Dawn

como no puedo dormir, decidí escribir algo nuevo... y qué mejor que sobre uno de mis discos favoritos del año.

Red Sparowes - At The Soundless Dawn

Album debut de esta banda de post-rock y doom metal, asombrosos paisajes construidos a base de guitarras graves y repeticiones hipnotizantes. Para mi es como el punto intermedio entre Pelican y Explosions in the Sky. De pronto tiene un dejo del Pink Floyd más atmosférico y a ratos es doom metal en su más brutal expresión.

El título del álbum es perfecto, no por la falta de sonido de este, bastante, ruidoso trabajo, sino porque es como la descripción o el relato de eso que podría cruzar tu mente en una mañana falta de sonido.

Sólo siete composiciones componen el trabajo, pero son suficientes, son paisajes perfectos y devastadores. Es un disco lleno de atmosferas muy poderosas.

Se perfila como uno de mis cinco discos favoritos del año.

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Sitio oficial: Red Sparowes official site

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primera entrada, algo para comenzar

Yo tenía un blog en otro lado, pero no me gustaba, visiten también mi flog!: http://www.fotolog.net/twin_cinema


re-publico esta entrada que estaba allá (en el antiguo blog):

U2 en directo desde el estadio Vicente Calderón, Madrid

11 de Agosto de 2005

Qué culpa tenemos nosotros.

U2 ha vuelto a dar la espalda a sus fans latinoamericanos que se cuentan por millones, así que la otra alternativa es viajar al viejo continente o a EUA a ver el show de los irlandeses.

La casa del Atlético de Madrid sirvió como marco para el impresionante espectáculo que los de Dublín ofrecen, como siempre, la tecnología al servicio de la música. El bombardeo multimedia como transporte de mensajes de una cultura pop, globalifóbica y globalizada.

Tal parece que en España no conocen el significado de la palabra “formarse” así que tras largas horas de espera para que se abrieran las puertas, cada quien entró como pudo y los numeritos que apuntaron en el antebrazo de algunos fans madrugadores sirvieron para dos cosas, eso sí, si tenías sellito, entrabas al óvalo que forma parte del escenario.

Kaiser Chiefs es una excelente banda en vivo, he de mencionarlo, su disco no me gusto mucho, pero el sonido y la interpretación fue bastante pulcra, aunque de nada sirvió, el publico ni los conocía y no se prendió mucho.

Cuando salió Franz Ferdinand traté de acercarme más al escenario, ya que cuando los escoceses pisaron suelo mexicano me los perdí por causas de fuerza mayor. El público parecía más familiarizado con los creadores de Take Me Out. Para cuando Kapranos y compañía se apoderaban del escenario, Ricky Wilson, vocalista de los Kaiser Chiefs estaba a mis espaldas observando el show... y sí, nadie lo reconoció, sólo yo, nos sonreímos mutuamente.

Wake Up, canción de la, ahora, bastante conocida banda canadiense: The Arcade Fire, sonó en las hileras de bocinas con franjas rojas y negras, y salió U2, The Edge fue el primero en pararse en el escenario y mirar, observar un mar de gente gritando por ellos.

La banda parece rejuvenecida cuando en sus amplificadores el acorde repetitivo y simple de I Will Follow se hace presente, son de nuevo los jovencitos de la clase mediera del Dublín de los 70.

Su presentación fue siempre enérgica, la voz de Bono se nota mermada por el cigarro, y aun así consigue las notas de tenor que originalmente Pavarotti canta en Miss Sarajevo, canción recientemente desempolvada, ya que ha vuelto a tener sentido gracias a la situación actual del mundo. La dedicatoria a familiares y amigos de los desaparecidos en los atentados en Londres, Turquía, Egipto y especialmente en Madrid no se hizo esperar y el grito de “No More” en Sunday Bloody Sunday fue poderoso, poderoso como una plegaria.

Así mismo, cuando los derechos humanos aparecieron en la pantalla gigante la gente aplaudió de principio a fin.

Luego, a la usanza de viejos conciertos, Bono pide que iluminemos el recinto como un árbol de navidad gigante, pero no con encendedores, sino con nuestros celulares, y el estadio se ilumina como una ciudad encendida por luciérnagas, como una constelación sobre la tierra, para posteriormente, mandar un mensaje de texto para apoyar la incansable cruzada de Bono por el continente negro.

La belleza de composiciones como One, Sometimes You Can’t Make It On Your Own y la épica Where The Streets Have No Name se ve acentuada cuando 55,000 fans corean y se emocionan con ellas bajo luces multicolor de un escenario encendido con fuego irlandés.

Que culpa tenemos nosotros de los errores del pasado, que U2 venga a México... fácil llena un Azteca.

Ah! Sí, una playerita 30 euros...

Setlist: Vertigo // I Will Follow // The Electric Co. // Elevation // New Year's Day // Beautiful Day // I Still Haven't Found What I'm Looking For // City Of Blinding Lights // Miracle Drug // Sometimes You Can't Make It On Your Own // Love And Peace Or Else // Sunday Bloody Sunday // Bullet The Blue Sky // Miss Sarajevo // Pride (In The Name Of Love) // Where The Streets Have No Name // One // [Encore] //Zoo Station // The Fly // With Or Without You // [Encore] // All Because Of You // Yahweh // Vertigo

*una pena, no hubo Spanish Eyes