Ash Cities

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DE VACACIONES

Sé que no he actualizado este blog como debería y por desgracia tengo demasiadas ideas en la cabeza y reseñas en el tintero, pero la escuela (+ asuntos personales) no me dejarán prestarle la atención debida a este, mi querido blog. Así que anuncio oficialmente las vacaciones de estas Ciudades de Ceniza, y justo cuando comiencen las vacaciones de verano, regresaré a reseñar y todo eso.

No se desconecten, el lapsus será corto.

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Russian Circles - Enter

Russian Circles - Enter

Álbum debut del trio instrumental originario de Chicago que sólo contiene 2 temas nuevos más los 4 temas que originalmente estaban contenidos en su EP homónimo. La agrupación se desliza pesadamente por terrenos del post-rock, doom y progresivo.

El primer corte, "Carpe" contiene una penetrante y poderosa línea de bajo que es el meollo de todo el asunto, las guitarras, a lá Pelican, son graves y sombrías, comienza en lentitud para más adelante cobrar forma y un ritmo machacante, headbanger, en donde el virtuosimo en la guitarra brilla.

Para continuar, "Micah", uno de los 2 temas nuevos es más tranquila y pausada, sus punteos de guitarra remiten a Mono, con quienes comparten mucho de su sonido, la pared construída aquí es gruesa y de cimientos firmes, al rededor de una batería machacante pero sobria.

"Death Rides A Horse" lo dice todo desde el título; obscura, soberbia, tiene tintes incluso Thrash, un riff rápido y musculoso acompañado de una base rítimica que sirve de base pero que nunca queda opacada, el primer puente es más post-rocker aunque contiene una secuencia de guitarra aplastante para que el cambio nos lo de un redoble de bateria asombroso a doble bombo sólo para continuar esa tendencia Thrash que incluso llega a ser Black clásico (80s).

Otro de los temas nuevos es el que da nombre al trabajo, "Enter" que es una pieza menos ruidosa, envuelta en misterio, se construye poco a poco y los cambios son acertados, aunque podría tratarse del tema más débil.

"You Already Did" comienza ambiental, la batería sirve de instrumento principal acompañada por un bajo discreto y una guitarra con un matiz suave hasta que todos los instrumentos intervienen con la mima intensidad y forman la canción finalmente, aunque comparada con el resto del álbum, es la pieza más tranquila, que hacía el final se torna la más post-rocker, plagada de la belleza de una figura en la guitarra que se repite incansable.

Para terminar, terminan con broche de oro, "New Macabre" comienza sin dar oportunidad de reaccionar, con un redoble breve pero genial de batería, después, una secuencia repetitiva de guitarra un poco más limpia va dando forma a la canción.

Un trabajo lleno de obscuridad, teatralidad y potencia, de paisajes soberbios y lluviosos, de virtuosismo que no llega a ese grado churrigueresco aburrido y sin sabor. Uno de los mejores dicos del año dentro de su estilo.


mp3:
Carpe
Death Rides a Horse

Página oficial: RUSSIAN CIRCLES
My Space: Russian Circles @ My Space
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Beirut - Gulag Orkestar

Beirut - Gulag Orkestar

Beirut es la capital y el puerto más importante de Líbano, pero también es el nombre que cobija un interesante y fresco proyecto musical, Zach Condon es un chico de 19 años originario de Albuquerque y grabó este álbum casi en su totalidad en su casa, con colaboraiones de gente como Jeremy Barnes (Neutral Milk Hotel, A Hawk and a Hacksaw) y Heather Trost (A Hawk and a Hacksaw).

Pero a qué suena Beirut? bien lo dice la descripción de su página, a orquesta balcánica tocando canciones modernas. Mezcla la modernidad con folk europeo haciendo un trabajo dramático, inteligente y obscuro.

El corte homónimo que abre el disco se limita a presentarnos la obra, la voz de Condon es fantasmal y lejana, pero con "Prenzlaurberg" ya sabemos porque camino nos conduce esto, como observar una banda de gitanos por las calles de una Europa oriental decadente pero colorida; su ritmo es persistente, repetitivo en donde la voz es igualmente fantasmal pero no tan lejana mientras los cornos y percusiones juegan y se fusionan.

"Brandenburg" comienza con una mandolina rasgada hasta que las percusiones de tintes tribales irrumpen, es como un pequeño himno borracho y sucio. El ukulele es el instrumento principal en "Postcards from Italy", aunque su arreglo de corno la enriquece, sin olvidar tan ricas y cadenciosas percusiones. De pronto "Mount Wroclai (Idle Days)" nos remite a Yann Tiersen, un acordeón (o será bandoneón?) da un tinte francés acompañado de clarinetes y campanas.

Otra reminicencia llega en "Rhineland (Heartland)", que bien podría ser una de las canciones no tan sintetizadas y más calmadas de Patrick Wolf, aunque la voz de Condon es bastante más profunda. "Scenic World" comienza con un órgano jugueton y tropical (o algo así) que bien puede pasar como un sonido procesado por sintetizador, una pieza corta, juguetona y libre.

"Bratislava" es una marcha militar que se basa en percuiones y metales. "The Bunker" puede sonar al Sufjan Stevens de "Seven Swans", sin embargo, la voz de Condon es mucho meno clara que la de Stevens. "The Canals of Our City" es una pieza tranquila que comienza con un ukulele solitario para después ser conducida hasta el final por corno, clarinetes y otros instrumentos de viento. Para finalizar, "After the Curtain" comienza con algo que parece un loop y un piano insistente, más sampleos de un público jubiloso, una mini pieza de menos de 3 minutos que cierra tan asombroo trabajo.

Tan sólo es el debut de un chico de 19 años, realmente quiero escuchar lo que haga en 4, 8, 12, 20 años. Logró crear un trabajo, si bien no brillante para muchos, sí fresco, y todo... sin usar una sola guitarra.


mp3:
Postcards from Italy
Mount Worclai (Idle Days)

Página oficial: Beirut official band site
My Space: Beruit (with typo!) @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Gulag Orkestar

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The Appleseed Cast - Peregrine

The Appleseed Cast - Peregrine

Para una desconocedora de esta banda de Kansas como lo soy yo, este trabajo ha representado una verdadera y agradable sorpresa, y después, indagando, también ha resultado serlo para los fans.

La música que The Appleseed Cast presenta en Peregrine es maciza, bien construida, luminosa, espacial, atormentada, emotiva y, a veces, hasta llena de gozo .

Llena de texturas, con un punteo simple pero efectivo, "Ceremony" se encanrga de abrir, con su arreglo de loop, su implosión sónica y su construcción a base de una batería poderosa y un sintetizador mágico esta pieza instrumental es perfecta introducción para este peregrinaje.

"Woodland Hunter Pt. 1" es más una canción, de tintes emo sin caer en esa cursilería que hoy en día el emo representa, la voz es distante y la guitarra penetrante, repetitiva e incisiva hasta llegar a un clímax rockero reinado por la distorción. "Here We Are (Family in the Hallway)" gira al rededor de una guitarra acústica y la voz rasposa de Chris Crisci, así como la batería enorme de Josh Baruth. Mientras que "Silas' Knife" posee rasgueos que rayan en lo country pero connserva ese feeling emo, siendo una melodía mucho más pausada.

"Mountain Halo" es más misteriosa, más expetimental, coronada por un sintetizador robótico y una percusión en primer plano. La luz llega en "Sunlit Ascending", una pieza que se erige en base a 2 guitarras, de Aaron Pillar y Crisci, la voz de éste último suena lo mismo luminosa que deprecada.

El riff repetitivo de "February" es la base de esta canción, otra gran pieza en donde la base rítmica de Baruth y el bajista Marc Young son todo. "An Orange and A Blue" regresa a la tranquilidad, otra pieza instrumental atmosférica que puede ser facilmente descrita como post-rock.

"Song 3" es simplemente hermosa, de nuevo Baruth da una lección de como un baterista debe de sonar, es más, de como un baterista puede ser protagonista, la voz distorcionada y la lenta evolución de la canción la convierten en una pieza fuera de lo común, bella pero al mismo tiempo trágica. "Woodland Hunter Pt. 2" regresa un poco a lo que su casi siamesa compañera presentó, un track medio emo pero muy rocker.

El corte homónimo de nueva cuenta regresa a una de las constantes de este trabajo, un incicivo trabajo por parte de las guitarras, pero el punteo de bajo por parte de Young es imponente, su poder radica en su simplicidad, es una pieza mid-tempo que al momento de llegar a su clímax puede alcanzar grados épicos. "A Fate Delivered", mi favorita personal, es una pieza tradicional de rock, pero que The Appleseed Cast logra muy bien, rápida y guitarrera, algo punk, algo emo, algo indie. Y "The Clock and The Storm" da fin a este trabajo, otro corte instrumental que basa su poder en un feedback de guitarra, el rasgueo de otra y por supuesto, una base rítimca audaz y hábil.

Es así como descubrí a esta banda que se mueva a través de varios estilos, logra fusionarlos y logra hacerlos funcionar.


Página oficial: The Appleseed Cast. Electronic transmissions from Lawrence Kansas
My Space: The Appleseed Cast @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Peregrine

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Final Fantasy - He Poos Clouds

Final Fantasy - He Poos Clouds

Final Fantasy es el título de una de las sagas más famosas y concistentes de videojuego, siendo Final Fantasy VII mi favorito; pero es también el pseudónimo que cobija a un individuo originario de Toronto, sí, otro canadiense, de nombre Owen Pallett, famoso por ser arreglista y compañero de gira de pesos pesados como The Arcade Fire y Hidden Cameras, además de ser integrante de la banda Picastro.

Square Enix (antes Squaresoft) interpuso de hecho una demanda por el uso del nombre, pero pronto la retiró y ya sin esa carga extra e inecesaria, Pallett presenta su segundo LP. "Has A Good Home" era un trabajo de elegancia innegable, en donde el violín puro, y el violín procesado en loops eran los instrumentos principales, en "He Poos Clouds" el violín sigue ahí como engrane principal, pero como parte de una maquinaria mayor, ahora hay más variedad de instrumentos.

Pallett hace honor a su sobrenombre artístico, es capaz de construir música sólo descrita como mágica, iniciando con "Arctic Circle" que es una buena apertura.

"This Lamb Sells Condos" con su arreglo de piano y su ritmo casi festivo, coro infantil incluido, es una de las mejores piezas del trabajo. Mientras un cello se encarga de convertir a la siguiente pieza, "If I Were a Carp" en algo más obscuro.

La suicida, en todos los sentidos, "I'm Afraid of Japan" es pausada, acompañada por el constante violín, crece como si un sentimiento de despojo creciera y después regresa a la calma; otra belleza.

"Song Song Song" comienza de forma tribal, percusiones dan inicio a la canción hasta que Pallett interviene con su voz discreta, y las percusiones se van entrelazando y aumentado. "Many Lives -> 49 MP" comienza con el violin casi en solitario, sólo un cello punteado lo acompaña, y el ritmo se convierte en una especie de desesperacón mientras voces desde atrás se desgarran la gargante gritando.

"Do You Love" es juguetona y el arreglo de acordeón es exquisito. Para terminar, "The Pooka Sings" es tranquila y repetitiva, nostálgica.

Es así como un proyecto discreto pero elegante, sofisticado (pese al nombre del álbum) y con un gusto enorme por instrumentaciones sobrias pero originales, va cobrando forma; sí, mi sueño guajiro es que un día Pallett en realidad quiera hacer música que hable sobre el videojuego que le da nombre.


mp3: Song Song Song [tomado de You Aint No Picasso]

Página oficial: Final Fantasy Eternal
My Space (Tomlab): Tomlab @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: He Poos Clouds

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The Fiery Furnaces - Bitter Tea

The Fiery Furnaces - Bitter Tea

¿Qué decir de esta agrupación? Es muy difícil hablar sobre la música de los hermanos Friedberger porque es difícil de escuchar y se nota que está intrincadamente construida. A mi me resulta particularmente placentera la música de los Furnaces cuando estoy de malas, me hace sonreír, pero cuando estoy tranquila simplemente no me nace poner un disco de esta peculiar agrupación.

Este nuevo material da inicio con una canción, que desde ya, es de mis favoritas de su catálogo; "In A Little Tatched Hut" es rebuscadamente divertida, los cambios que el sintetizador alocado logra son deliciosos y deslumbrantes, la segunda canción es otra de mis predilectas, "I'm In No Mood", con su piano frenético y repetitivo, todo pinta para bien...

Y todo sigue así hasta que "Teach Me Sweetheart" aparece, pese a tener una distorción de sintetizador constante es extrañamente accesible, es una melodía tierna y que si no fuera por ese apatrente desorden en la instrumentación y algunos cambios que tiene crería que no es una canción de los Fiery Furnaces.

La siguiente pieza es mucho más divertida, "Waiting to Know You" tiene ritmo de canción pop de los 50's pero distorcionada y mucho más interesante, mientras que "The Vietnamese Telephone Ministry" es más al estilo característico de esta alocada agrupación, es decir, extraña, sin estructura convencional y acidamente divertida. "Oh Sweet Woods" incluso tiene un ritmo dance.

Otra sorpresa es "Whistle Rhapsody", en donde escuchamos de nuevo la capacidad de estos hermano de hacer música accesible sin dejar de sonar a lo que sólo ellos saben sonar.

En general, es un disco divertido e irónico, con el sello de los Fiery Furnaces, pero en donde también demuestran su capacidad melódica, puede ser una virtud o un defecto, eso ya depende del escucha.


Página oficial: The Fiery Furnaces official site
My Space: The Fiery Furnaces @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Bitter Tea

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The Black Heart Procession - The Spell

The Black Heart Procession - The Spell

Si este fuera un blog como cualquier otro, muy probablemente estarías leyendo algo referente a Tool o Secret Machines, pero como no lo es, he aquí algo sobre The Black Heart Procession.

Conocí a esta agrupación de San Diego gracias a que se encuentran de gira con A Silver Mt. Zion... o como quiera que se llamen ahora. Al comenzar a investigar descubrí que en menos de una semana su nuevo disco, "The Spell" será lanzado; pero yo ya lo escuché...

El trabajo se mueve a través de diversos estilos, puede crear texturas dignas del post-rock, la voz por momentos suena gótica y tiene destellos de emo, folk, indie rock, cabaret y algunos otros. "Tangled", el primer corte es hipnótica, hermética, parece un vals enfermo, de guitarra limpia y arreglos de piano. El corte homónimo es una gema obscura y nebulosa, encierra perfectamente tan acertado título para una canción y un trabajo así, la melodía parece una marcha fúnebre y la voz canta bajo pero directo, como un quejido profundo y quedo.

"The Letter" es una pieza desoladora en escala de grises, otro pequeño vals triste y que se rompe en pedazos, con tintes de folk europeo mientras la voz parece contarnos una historia de final trágico, una historia que facilmente podemos a doptar como propia.

Posiblemente la canción que más remite a sus influencias obscuras es "Return to Burn", que es también, si quitamos por completo la voz, la pieza más post-rocker del trabajo. "GPS" es la que mayormente presenta una estructura de rock convencional, y para contrastar, "The Waiter #5" es fantasmal y tenebrosa.

El corte final, "To Bring You Back" posee un sentimiento folk marcado, pero la agrupación no olvida la obscuridad que a lo largo de 11 canciones ha reinado sin dejar entrar, en ningún momento, un tenue rayo de luz.

Es un trabajo obscuro, sombrío, hermético y al mismo tiempo encantador.


mp3: Not Just Words

Página oficial: The Black Heart Procession official site
My Space: The Black Heart Procession @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: The Spell

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The Evpatoria Report - Golevka

The Evpatoria Report - Golevka

Disco del año pasado, aun así, no puedo dejar de escucharlo y de hablar de él.

Agrupación instrumental de 5 miembros originaria de Suiza, este, su álbum debut, fue recibido con nada más que alabanzas por parte de la crítica especializada en este tipo de música; es que sólo se pueden decir alabanzas sobre este trabajo.

De modo tranquilo, reinado por un bello y calmado violin, "Prognoz" abre con sus 14 minutos exactos de duración, una bella melodía de post-rock convencional, llena de texturas que 2 guitarras van tejiendo, con un clímax arrebatador que se construye a base de distonción.

Posteriormente "Taijin Kyofusho" comienza con sampleos de voces desencantadas y sombrías mientras el bajo se desliza en sus cuerdas y la guitarra acompaña con ármonicos, el violin entra justo cuando esas voces se han ido y la canción comienza mesiendose hasta que la batería pausada y triste aparece junto con destellos de aquellas voces que son el difuso murmullo urbano.

"Cosmic Call" es precisamente eso, un llamado cósmico, un viaje a las estrellas sin retorno, de intermitencia constante, de violin que viene y va y que termina como naufragio estelar varado en la estrella más fría y solitaria.

Uno de los tracks más breves es "C. C. S. Logbook" con 8:34 minutos de duración, una melodía más apegada al género canción, sus arreglos de órgano suenan casi a catedral gótica, una reinada por obscuridad y silencio sepulcral.

Una frecuencia ondulante presenta "Optimal Region Selector", después nos damos cuenta que ese sonido que parece vibrar se va transformando en una melodía acompañada por un incesante teclado, y cuando por fin todos los instrumentos intervienen, la melodía ha cobrado forma por fin... sin embargo aquella frecuencia sigue constante.

Y todo termina con "Dipole Experiment", que comienza discreta, con arreglos de sintetizador que anuncian que algo está por venir... crecen y crecen junto con el violin, el sintetizador asemeja voces provenientes de un siniestro coro de encapuchados hasta que deciden esfumarse y dar paso a susurros como latigazos y una distorción de guitarra en frecuncias bajas mientras el teclado asemeja el latir de un corazón, después, más de la mitad después, la canción cobra forma como una pieza soberbia y épica que dan fin a tan asombroso trabajo.

Tratar de elegir una canción favorita en éste álbum es como tratar inutilmente de coser con hilo y aguja las estrellas que caen. Me fascina cuando escucho trabajos como éste, saber que aun, dentro de todo y todos, hay este tipo de belleza que quita el aliento y oprime el pecho, que conmueve hasta las lágrimas, que mata por su deslumbrante peculiaridad.


mp3: Prognoz

Página oficial: The Evpatoria Report (site officiel)
My Space: The Evpatoria Report @ My Space
Cómpralo en su Sitio Oficial: Golevka (*no surten a Latinoamérica, pero siempre se puede mandar un e-mail)

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Calexico - Garden Ruin

Calexico - Gargen Ruin

Tras el breve break que este blog tuvo *coff*NintendoDS*coff*, regresamos a lo que nos tiene aquí escribiendo tonterías.

Calexico es, para mi, una de las bandas más originales e invetivas tal vez no sólo de los 90 y 00, sino también de la historia. Son 2 músicos de jazz que se juntan y deciden crear música con ritmos latinos predominando el mariachi, no todos los días nos encontramos con algo así.

Tras el magnífico "Feast of Wire" las espectativas eran altas, y tal vez no sean cubiertas satisfactoriamente con este "Garden Ruin", sigue siendo un trabajo lleno de melancolía campirana, punteos country, cadencia latina, pero es más normal, suena más a folk tranquilo y relajante que a la mezcolanza que los oriundos de Arizona nos habían acostumbrado.

Los han acusado de sonar demasiado pop, demasiado accesible, lo cual no es, de ningun modo, algo malo, pero tratandose de una banda tan original algo que suena a los demás es casi imperdonable. No hace mucho, canciones como "Bisbee Blue" eran impensables para la agrupación, pero al mismo tiempo demuestran que son capaces de crear bellas y juguetonas melodías que coquetean con el pop.

Es un disco excelente desde donde se le vea, pero no tan arriesgado, algunos de mis momentos favoritos: "Cruel", "Panic Open String", "Letter to Bowie Knife" (de lo más rocker del grupo), "Roka" (la que más no remite al antiguo Calexico), "Nom de Plume" y "All Systems Red" (con una inclución poco común en la banda de distorción de guitarra).


Página oficial: Casa de Calexico
My Space: Calexico @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Garden Ruin

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Islands - Return to the Sea

Islands - Return to the Sea

Recuerdo que cuando recién comenzaba a utilizar el SoulSeek un tipo en el chat me recomendó a The Unicorns, y bajé unas rolas, no demasiadas, pero me agradaron bastante, después, con el tiempo, olvidé conseguir más canciones o material del grupo. Después los Unicorns deciden separarse pero Nick Diamond (vocalista) y J'aime Tambeur (baterista) forman esta nueva agrupación, y es con este Regreso al Mar que se dan a conocer.

Montreal, y Canadá en general, sigue sorprendiendo dando al mundo un puñado de bandas que si bien no hacen nada nuevo o no marcarán la música a futuro, son un respiro ante el sofocante y aburrido panorama de la música actual; no en vano, éste trabajo cuenta con colaboraciones de miembros de The Arcade Fire, Wolf Parade y Beck (bueno, él es angelino).

"Return to the Sea" abre con la juguetona y divertida, "Swans (life after death)", una pieza de más de 9 minutos que arriesga todo y atrapa al escucha de inmediato con sus arreglos originales casi infantiles, una melodía inciciva y coros pegajosos. "Humans" tiene una instrumentación digna de Tom Waits, una canción cargada del sonido circence irónico y divertido.

"Don't Call Me Whitney, Bobby" tiene una vena country brillante y movida, pero no es hasta "Rough Gem" que podemos entender la magnitud del álbum, la sifisticación que posee, una melodía que podría sacarle una sonrisa incluso al más amargado de los hombres, contagiosa y feliz... es que en realidad no hay otra palabra para describirla.

La instrumental "Tsuxiit" remite a los Super Furry Animals más psicodélicos mientras "Where There's A Will There's A Whalebone" con sus sintetizadores es hipnótica y construye ambientes surrealistas. "Jogging Gorgeous Summer" es de tintes tropicales, "Volcanoes" comienza como el más bizarro country para transformarse en una melodía dulce y amigable y terminar en una explosión de color y sonido. "If", su arreglo de trompeta y su ritmo calmo se encarga de conducirnos hasta "Ones", el corte final que, después de tan agitado, pero para nada aburrido, viaje, no puede decepcionar, y no lo hace, la canción menos convencional en medio del no convencionalismo, después encontramos "Bucky Little Wing" un track escondido, de pianito y coros conjuntos).

Es un trabajo redondo reinado por pop inteligente, divertido, adictivo, de arreglos precisos y originales, letras extrañas, irónicas y sardónicas. Una joya.


mp3: Rough Gem

Página oficial: Islands are forever
My Space: Islands @ My Space
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Mono - You Are There

Mono - You Are There

Según la crítica, la banda japonesa Mono (no confundir con los ingleses del mismo nombre) no ha logrado sacar un disco realmente bueno, sus trabajos obtienen siempre 3 estrellitas (de 5), un 6 (del 0 al 10), o menos, pero para los fans del género al que Mono pertenece, es una banda fundamental.

Como fan de dicho género que soy, Mono, de hecho, sí me fascina, "Walking Clouds And Deep Red Sky, Flag Fluttered and The Sun Shined" (2003, así o más post-rocker el título?) es mi trabajo favorito del cuarteto, fue producido por el famoso Steve Albini, y en esta nueva producción regresan con él para presentar mounstroso post-rock de paredes soberbias e impenetrables de sonido y distorción.

Podría ser tachado de redundante, pero es más bien insicivo, de extremos, algo bastante clásico en la agrupación, sus canciones tienden a durar más de 10 minutos o menos de 4 y de sutileza y poder entrelazados.

La abridora "The Flames Beyond the Cold Mountain" es un viaje que se transporta sobre una poderosa y distocionada guitarra que a la mitad construlle una muralla con texturas palpables, "A Heart Has Asked for the Pleasure" es de esas composiciones cortas que sirven más bien de puente, para dar paso a "Yearning" que es más bien tierna y delicada, cálida y luminosa, pero crece hasta llegar al clímax teatral.

"Are You There?" es más melancólica, de túneles sónicos, otra composición con todas las características que la banda ha presentado a lo largo de su carrera, "The Remains of the Day" es otra melodía corta, de piano, ambientes y texturas. Para cerrar, "Moonlight" comienza con punteos discretos para ir creciendo y construirse en sí misma, tomando como cimiento una batería monumental.

Y através de seis composiciones el trabajo se mueve de extremo a extreno con un danzar suave pero trepidante. No es una evolución, no es el disco del año, sólo es Mono haciendo lo que mejor saben hacer.


mp3: The Flames Beyond The Cold Mountain

Página oficial: :: mono-44 :: MONO official website
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Yeah Yeah Yeah's - Show Your Bones

Yeah Yeah Yeah's - Show Your Bones

Este disco ya tiene sus semanitas de que salió, y muchas más de haber sido liberado en estos menesteres cibernéticos, pero nunca es tarde.

No es como si los Yeah Yeah Yeah's fueran la mejor banda del mundo, pero debo de admitir que "Fever to Tell" es un disco que hasta la fecha me sigue gustando y mucho, tal vez porque es como música naive o algo así, lo directo y crudo que es me parecen cualidades adecuadas para lo que los neoyorquinos tratan de decir.

Así que mis expectativas eran medianamente altas para este trabajo, y pues con todo el dolor de mi corazón el trabajo no las cubrió.

Insisto, YYYs no es la banda que vino a cambiar el panorama musical, pero me gustan (aun) y son muy buenos en vivo, tomando en cuenta eso de antemano, se sabe a lo que nos enfrentamos.

"Show Your Bones" sacrifica toda la ferocidad por rendirse a los encantos de la melodía, no digo que esto sea malo; tengo entendido que Zinner estuvo trabajando con Bright Eyes, puede que ahí radique parte de este fenómeno. Disfruto a Karen cantando con docilidad, pero me quedo con aquella que gritaba desenfrenada.

"Gold Lion" es buena presentación, "Way Out" es mi favorita, "Phenomena" incluye elementos bastante nuevos considerando la banda de la cual estamos hablando, "Warrior" es la más delicada de todas las composiciones, e incluyen temas que sí nos recuerda que, después de todo, son una banda que suena a garage rudo y directo.

El síndrome del "segundo álbum" se repite. Podría ser, para mi, la decepción del año, pero no es del todo malo, sólo... no es tan bueno como debiera ser.


Página oficial: Yeah Yeah Yeah's official site
My Space: Yeah Yeah Yeah's @ My Space
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Band of Horses - Everything All The Time

Band of Horses - Everything All The Time

Me atrevería a decir que uno de los 3 mejores discos de la primera mitad del año, aunque claro, faltan 2 meses para que el primer semestre acabe.

Esta banda de caballos surge de las cenizas de Carissa's Wierd, banda que nunca conocí, pero los miembros de la extinta banda son amigos de Iron & Wine, del cual se nota una influencia en este nuevo proyecto, y además, comparten casa disquera (la Sub Pop, porsupuesto)

Es como los My Morning Jacket del "Z" sin los sintetizadores, es como Wilco sin Jim O'Rourke, es como Okkervil River sin tanto ambient, en pocas palabras, es una banda de alt-country, uno de los géneros que mejores bandas ha dado últimamente y que tan olvidado está por muchos.

El álbum da comienzo con la, muy originalmente, titulada "The First Song", bella canción de punteos country y voces casi fantasmales, que comienza sin dar tiempo de reaccionar, "Wicked Gil", el track que le continua es una mis favoritas, movida, de arreglos bellos y luminosa. "The Funeral", contrastando, es más obscura, más melancólica, comienza pausada para dar paso al quejido doloroso con guitarras rockeras sin perder la escencia country.

"Part One" es casi folky, de batería pausada y voces al unísono, una en primer plano y la otra de acompañamiento. "The Great Salt Lake" es otra de mis predilectas, es de esas piezas épicas y llenas de luminosidad. "St. Augustine", melodía de guitarra acustica y voces en conjunto, se encarga de cerrar este maravilloso (y breve) álbum en donde las 10 canciones son joyas por si solas y hacen un todo perfecto.

Un trabajo hermoso lleno de sensibilidad, melodía, melancolía y una genialidad deslumbrante, altamente recomendable para quienes gozan de las letras y el pesimismo de Jeff Tweedy o Ryan Adams.


mp3: The Funeral

Página oficial: Horses Official Band Site
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V/A - Ride Your Poni

Antes de comenzar, un breve anuncio: si no puedes esperar cada mes para leerme (uy si) en cierta publicación menstrual... sí, menstrual, ahora lo puedes hacer cada domingo en el Sol del Toluca en la sección "Somos Artistas Nice" (con mi nombre real y no mi nombre cuasi real Gabriela Clayton, si adivinas quién soy te regalo un cd mix hecho por mi (aplica sólo a Toluca)), ahí mis desvaries de todo tipo... ahora sí, a lo que nos trunje chencha.

V/A - Ride Your Poni

Uds. conocen a los chicos de Sonidos en el Aire, gracias a ellos llegué a la página de Poni Republic una disquera que pone a dispocición su extenso y variado (e internacional!) catálogo para bajarlo gratuitamente de internet, así que decidí bajar este compendio.

La cosa empieza con sus propuestas electrónicas, de las cuales no soy fan, ni de estos proyectos ni de muchos otros, sin embargo suenan bien y divertidos o sutiles: About, Nuuro.

Azult Siete apuesta por algo más orgánico y folky, "The Sky..." es una relajante melodía de punteos de guitarra acústica, .tape., la banda que sigue es más ambiental, no menos interesante, mintras que mi gran descubrimiento es la banda llamada Musika 77 (si mal no recuerdo, banda de algun país nórdico), "Llanvair Llew" es una de las canciones más hermosas que he escuchado ultimamente, de voz quebrada, arreglos soberbios y discretos y una melodía tierna, bella, luminosa y melancólica.

Todosantos regresa un poco a la vena electrónica de loops, junto con Piscis y Yamamoto, que van por el mismo rumbo, es un trío de canciones juguetonas electrónicas. Hace mucho que quería escuchar a Sappho, por fin se me hizo, es medio post-rocky sin serlo propiamentes, algo de ambient, bastante dreamy.

Hi! Lucy es otra de las bandas que me fascinaron, igualmente poseen secuencias post-rockers, bastante en la vena de Explosions in the Sky pero al mismo tiempo de 1 Mile North. Pepito posiblemente tiene el nombre más divertido jamás visto, su música es de tintes electrónicos, un pop de loops y sintetizadores, otra de mis favoritas.

Y luego boom! Maniqui Lazer raya en el punk glam más ácido y divertido, alucinante, psicodélico (pero no, no con marihuana, sino en ácidos) y relajiento, otra joya.

Reflectionstack, American Chamber Music, Executioner of the Heart y Boy Omega son el último combo, cerrando de forma tranquila, dream pop de ese que te hace sonreír.

Es una gran forma de descubrir nuevos sonidos, interesantes y variados, disfruté mucho escuchando este álbum, aunque no todas las propuestas me hayan incitado a seguirles la pista, pero se disfruta por su eclecticidad y variedad.


Sitio Oficial: Poni Republic
My Space: Poni Republic @ My Space
Descarga el álbum (.zip): Ride Your Poni

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Neko Case - Fox Confessor Brings the Flood

Neko Case - Fox Confessor Brings the Flood

Realmente creo que nadie me lee últimamente, así que podría escribir cualquier estupidez y nadie se daría cuenta, como... había una vez un barco chiquito, o algo así y no pasaría absolutamente nada, sin embargo, lo que más me gusta en el mundo es hablar y/o escribir sobre música, así que seguiré con mis monólogos.

La hermosa voz de Neko Case canta canciones de corazones rotos, amistades perdidas, espiritualidad y todo, con un toque irónico. Considerado ya, uno de los mejores discos del año (algo prematuro para decir eso), este trabajo a sido recibido con aplausos y excelente críticas.

Pero lo que menos importan a veces son las críticas, el disco es bueno por si sólo, son doce composiciones escritas (o co-escritas) y producidas por la propia Case, de sutileza y elegancia únicas, letras tiernas y divertidas y arreglos precisos.

Existen aquí bellezas tales como "Maybe Sparrow", "Margaret vs. Pauline" o la obscura y encantadora "The Needle Has Landed", sin embargo, y para mi, "Hold On, Hold On" ya está en mi lista como una de las mejores canciones del año, se trata de Case cantando con un timbre de voz entre Madonna y un Bono joven (el Bono de War, no sé por qué esta canción me remite a "Surrender").

Es folk relajado y delicado, de toques del más fino pop y el más inteligente rock. Una verdadera joya de la primera mitad de este 2006.


Página oficial: Official site of Neko Case
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Catedral Azul

"Blue Cathedral" es un álbum de 2004 de los Comets on Fire, pero ahora es también mi Live Journal. Hace mucho que quería intentar entrarle al LJ porque se ve interesante, y bueno, WilliamSaints (del foro HL) me decía que por qué no hablaba de cosas más personales aquí? uds. saben que tengo la extraña política de no convertir esto en un "querido diario" así que abrí el LJ para cosas más personales, aunque sin llegar al grado de "querido diario", ahí subiré dibujos y otras cosas que no vayan con Ash Cities, pero aquí seguiremos con las reviews musicales y todo eso.

Así que visiten Blue Cathedral de vez en cuando:

My LiveJournal <-- Click!

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Tal como usted (nunca) lo vio en La Mosca

A continuación una serie de reviews que envié para la revista mexicana La Mosca pero que no fueron publicadas por equis o ye razón, cuentan con la limitante de espacio, aunque suelo ser más concreta, al mismo tiempo más severa cuando escribo para dicha revista, me pueden seguir leyendo ahí como Gabriela Clayton y Clementine Kruczynski, y próximamente en otro medio impreso que me ha invitado a participar... aun no les doy el nombre pero es 99% seguro.

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Broken Social Scene

“Broken Social Scene”

Es cierto que “You Forgot It In People” es unos de los mejores discos de ésta década y también es cierto que Broken Social Scene es un colectivo totalmente poblado de talento. En su nuevo LP, el tercero en su carrera (sin contar “Bee Hives” que es de remixes) regresan con el mismo sonido: irónico, experimental y de arreglos originalísimos, pero ante todo rockero. No en vano son todo un fenómeno en su natal Canadá y sus canciones pueden ser catalogadas como épicas, tal como lo es “It’s All Gonna Break”, la canción que cierra el álbum. Queda claro que Broken Social Scene está conformado por quince hombres y mujeres extremadamente talentosos.

Página oficial: Arts&Crafts: Broken Social Scene
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Hot Hot Heat

"Elevator"

Los canadienses de Hot Hot Heat están de regreso, tenían una gran tarea, superar Make Up The Breakdown, el cual fue bien recibido y les abrió muchas puertas. En Elevator no escuchamos nada que en Make Up The Breakdown no hayamos escuchado, se siente un estancamiento creativo, tal vez este sea un trabajo más rockero y menos bailable, pero aún así, no nos ofrece algo nuevo, algo que se esperaba de esta banda. Ciertamente es un buen intento, es agradable, tiene algunas composiciones divertidas, pero sigue siendo un trabajo que sólo cumple, sin sorprendernos.

Página oficial: Hot Hot Heat official site
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The Bravery

"The Bravery"

Por si no estabas harto del rock que recicla una y otra vez el pasado con resultados nefastos, The Bravery llega para que estés seguro, el rock pasa por una crisis. Se trata de un regreso a los 80, que pretende ser divertido y bailable pero sólo logra ser aburrido y predecible. Hay que avisarle a los muchachos de The Bravery que la ola retro fue el año pasado, que este año queremos rock que nos sorprenda, no un puñado de canciones seguras y planas. Está bien tener influencias.... pero The Bravery se pasa.

Página oficial: The Bravery official site
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Athlete

“Tourist”

Debería existir una ley que prohibiera que discos como estos se produjeran, es decir, cuántas veces hemos escuchado a esta misma banda? Con diferentes nombres, con diferentes alineaciones, con letras, ligeramente, diferentes, pero con las mismas canciones, los mismos arreglos, la misma temática... el mismo pianito. Sí, Athlete es una de esas bandas en busca del trono que alguna vez le perteneció a Coldplay y que ahora pertenece a Keane, una de esas bandas que entre sus integrantes tiene al carismático vocalista, una de esas bandas aptas para niñas que lloran porque su novio las dejó o para niños que se lamentan porque la chica de sus sueños no les hace caso. En serio, traté de escuchar este disco sin prejuicios, pero a la tercera canción te cansas y no puedes evitar las comparaciones, pese a tener sus momentos en los que parece que todo irá mejor se queda tan sólo como un álbum tibio y plano.

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Show mágico, tétrico, musical

Antes de dar comienzo, respecto a mi entry (sobre todo a algunas respuestas) de "indie blah blah blah" y lo vivido en este concierto, confirmo muchas teorías antropológicas personales
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Show mágico, tétrico, musical

Mogwai en vivo, 17 de marzo, 2006

La noche era perfecta, fresca y las estrellas se atrevían a asomarse por entre el smog, el centro histórico de la Ciudad de México se vio invadido, al menos en la intersección de Carranza y Bolívar, por los niños indie que iban a presenciar lo que muchos sólo habían soñado y creyeron imposible, la agrupación Mogwai, originaria de Escocia, se presentaría por primera –y tal vez única- ocasión en nuestro país para promocionar “Mr. Beast”, su más reciente álbum y el primero editado en México. Los encargados de abrir el show fueron lo que, según un conocido, son una copia de los propios Mogwai: Austin Tv, recibieron más abucheos de lo que yo hubiera imaginado, pero salieron airosos con el apoyo de algunos miembros de la concurrencia que parecían muy entusiasmados por el set de los disfrazados de conejito. Los empujones dieron comienzo casi al instante que la banda abridora dejó el escenario y los técnicos comenzaron a cambiar el equipo. Soportando empujones y el calor, todos esperamos pacientemente hasta que unos minutos pasados de las 10 de la noche John Cummings (guitarra), Dominic Aitchison (bajo), Stuart Braithwaite (guitarra), Barry Burns (teclados, guitarra) y Martin Bulloch (batería) pisaron el escenario, con colitas de conejo en solidaridad con la banda telonera, ante una reducida concurrencia pero que atiborraba el recinto, conocido como ex-Nafinsa. El ataque sonoro comenzó, los paisajes de Mogwai se dibujaban ante nuestros ojos y oídos, las paredes de distorsión se erigían ante nosotros, no había carismático vocalista frente a la banda, sólo cinco músicos de técnica impecable aplastándonos con su poderosa, pero bella música. Ahí estaban los contados fans de la banda así como los pseudo intelectuales, periodistas y otros seres que se negaron a asistir a los conciertos de U2 o Rolling Stones porque eran eventos demasiado “fresas”, y yo desde mi lugar me preguntaba si sabían siquiera quiénes eran los músicos frente a ellos. El recorrido fue variado, haciendo paradas en la mayor parte de su discografía, haciendo falta cortes de “Come On Die Young” (un grito insistente que tocaran “Cody” no fue tomado en cuenta por la banda), y accidentado, un par de problemas técnicos fueron baches en el camino, fuera de eso, el show fue emotivo y frenético. Stuart Braithwaite se comunicaba con el público en torpe pero bien intencionado español y en su inglés natal, todos bebían cerveza, todos sobre el escenario y algunos abajo de él. Fue un concierto lleno de momentos memorables, pero “Ratts of the Capital”, “Glasgow Mega-Snake” y el final, cuando a Stuart Braithwaite se le reventaron tres cuerdas de la guitarra y el siguió tocando fueron posiblemente mis favoritos.



P.D.: agradezco a Alejandro por haberme acompañado y por la foto...

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Placebo - Meds

Antes de comenzar, quiero decir, no sé si estoy decepcionada, bueno, como sea... más de uno malentendió mi entry anterior, tal vez no soy tan clara y tan buena con la palabra escrita como yo pensaba... *sigh*

Placebo - Meds

Placebo me produce emociones encontradas. De entrada, a veces sus canciones me suenan igual, pero luego disfruto mucho sus trabajos discográficos, tal vez es por esta polaridad que podríamos decir que su recopilación de singles es mi álbum favorito de estos británicos.

Evolución parece ser una palabra inexistente en el vocabulario de Molko y cia., no quiero decir que sus discos suenen igual exactamente, pero sí muy similar, una formula probada y comprobada, y está bien ya que hablamos de un plano -casi- meramente comercial, y para ser rock comercial, es una muy buena opción.

"Meds" cuenta con 2 invitdos de lujo, VV de los Kills en el corte abridor que le da nombre al álbum y Micheal Stipe en "Broken Promise", en donde cabe destacar la armonía vocal conseguida, ya que ambos cantantes poseen tesituras bastante disparadas, pero la ventaja es que ambos son dueños de registros considerablemente amplios.

"Follow the Cops Back Home" es una de esas canciones tranquilas que a Placebo les sale tan bien, mi track predilecto del plato. El sencillo elegido "Song to Say Goodbye" es una canción totalmente Placebo, pegajosa, que funciona para su cometido. ¿Pero qué es eso en "Blind"? reminicencias de Depeche Mode, los de Placebo no niegan la cruz de su parroquia y eso me agrada.

El momento de debilidad posiblemente lo da "Pierrot the Clown", el eslabón débil de la cadena.

Para cerrar, me pregunto si esto es un tributo a la vieja banda Dream City Film Club, el último corte se titula "In the Cold Light of the Morning", una canción sombría, pausada y que nos recuerda que, ante todo, los de Placebo tienen una vena obscura aun latiendo.

Un buen intento por parte de este grupo que goza de gran aceptación a nivel mundial, no es el mejor disco del año ni mucho menos, pero se disfruta, que al final, es lo más importante.


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Indie: Una escena inexistente

Indie: Una escena inexistente

Esta semana fue, como se dice coloquialmente, una semana mierdera; regresé a la escuela, eso no es lo gacho, sino el hecho del titipuchal de tarea que dejan los profesores. Pero bueno, sobreviví a mi primera semana de sexto semestre y bien, y como pretexto de que somos bien "radicales" (esto debería escribirlo con K: Radikales) unos amigos y yo fuimos al Tianguis Cultural del Chopo a checar nada más.

Soy estudiante, soy pobre por defecto, pero llevaba mis ahorritos para comprar cualquier cosa que se ofreciera: adquirí un saco, unos discos y unos acetatos de U2, esas fueron mis principales compras. Imaginen, iba con una compañera de la escuela que es “dark” (o gótica, ese asunto me confunde bastante) y pues era como niña en confitería.

Entonces la abrumadora realidad me golpeó de frente.

Al “niño indie” no le gusta que le digan “niño indie”, porque después de todo ¿qué es el indie? o sea, si nos ponemos minuciosos, el indie podría ser desde los tres burdos acordes de Yeah Yeah Yeah’s hasta la complejidad de bandas de nueve miembros como Godspeed You! Black Emperor, y todo lo que está en medio.

No me voy a poner a explicar qué es "indie", qué es "indie" para mi, origen de la palabra y todas esas cosas, muy probablemente ya lo sepan y ya habrá ocasión de eso.

Caminando entre la gente, los estoperoles, el terciopelo negro, los cuadros blanco y negro, el polvo y la música me di cuenta, no sé sin con tristeza, que no hay una “pertenencia indie”, por absurdo que suene, ya ni hablar de una “correspondencia indie”.

No sé si me explico. No es un afán de “pertenecer”, no es una necesidad de “ser parte de...”, es más bien el instinto juvenil, ingenuo e idealista de “compartir”. Cuando un tipo en la sala de chat de “indie” del SoulSeek te alega que no le digas “indie kid” es porque algo se gestó... a ninguna tribu urbana le gusta ser etiquetada tan tajantemente.

“tú eres metalero, tú eres gótico, tú eres punk, tú eres skato, tú eres progre... y ¿tú?”

“traigo mi saco, mis lentes de pasta negra y me late un chingo Neutral Milk Hotel... soy un niño indie”

Aquí entramos en las cuestiones estéticas. Mientras recorría los puestos del lugar guiada por la música de Clap Your Hands Say Yeah! hacía el único stand que vendía discos medianamente “indies” observé a detalle a los góticos soportando y aguantando el calor ataviados de terciopelo negro y rojo, maquillados y hablando entre ellos y sólo ellos, ahí estaban también los punks de verdad que repartían panfletos para hacer reflexionar a la gente respecto a la privatización del agua, llenos de picos y estoperoles, con la svástica nazi tachada y sus ideales cosidos a sus chalecos y sudaderas, más allá estaba el negrito en el arroz, pero al fin, en bola igual, los skatos con sus mochilitas de Elmo, sus cuadros blanco y negro, sus pantalones a media nalga y su pendejez común (no es mala onda, me encanta tirarle a los skatos) y así podías identificar a todos. Y yo, el único encuentro que tuve con personas remotamente parecidas a mi fue al momento de pelearnos un disco de Morrissey (por el precio, no por la rareza). Nada más...

No había una identificación, mucho menos una identidad. ¿Cuál es la estética indie? si es que existe. ¿La que The Killers vende? ¿o la que Wilco nos regala? porque, si nos ponemos a pensar, de hecho podría existir actualmente la “vestimenta indie”. Qué me dicen de Pitchfork, todos odiamos Pitchfork pero bien que ahí estamos leyendo, y sea como sea, en una casi guía de lo que "indie" es. Incluso podríamos decir que existe una vertiente del cine moderno que podríamos denominar "indie" (y no me refiero al cine independiente en general, sino a esas historias que tienen una forma de narrarse similar, un cuidado de la imagen similar y todo eso)

He mencionado ya que en Estados Unidos los “indie kids” no quieren ser llamados así, pero existen, sino el término, la etiqueta, o como quieran llamarlo, nunca hubiera nacido. Tal vez la pertenencia del "indie kid" es la no pertenencia. Me pregunto si en México existen “niños indie”. El próximo concierto de Mogwai podría ser la prueba de fuego. ¿La noche de los indies tristes?

Por lo pronto y como sea, en México, el “indie” es una escena inexistente.