Indie: Una escena inexistente

Indie: Una escena inexistente

Esta semana fue, como se dice coloquialmente, una semana mierdera; regresé a la escuela, eso no es lo gacho, sino el hecho del titipuchal de tarea que dejan los profesores. Pero bueno, sobreviví a mi primera semana de sexto semestre y bien, y como pretexto de que somos bien "radicales" (esto debería escribirlo con K: Radikales) unos amigos y yo fuimos al Tianguis Cultural del Chopo a checar nada más.

Soy estudiante, soy pobre por defecto, pero llevaba mis ahorritos para comprar cualquier cosa que se ofreciera: adquirí un saco, unos discos y unos acetatos de U2, esas fueron mis principales compras. Imaginen, iba con una compañera de la escuela que es “dark” (o gótica, ese asunto me confunde bastante) y pues era como niña en confitería.

Entonces la abrumadora realidad me golpeó de frente.

Al “niño indie” no le gusta que le digan “niño indie”, porque después de todo ¿qué es el indie? o sea, si nos ponemos minuciosos, el indie podría ser desde los tres burdos acordes de Yeah Yeah Yeah’s hasta la complejidad de bandas de nueve miembros como Godspeed You! Black Emperor, y todo lo que está en medio.

No me voy a poner a explicar qué es "indie", qué es "indie" para mi, origen de la palabra y todas esas cosas, muy probablemente ya lo sepan y ya habrá ocasión de eso.

Caminando entre la gente, los estoperoles, el terciopelo negro, los cuadros blanco y negro, el polvo y la música me di cuenta, no sé sin con tristeza, que no hay una “pertenencia indie”, por absurdo que suene, ya ni hablar de una “correspondencia indie”.

No sé si me explico. No es un afán de “pertenecer”, no es una necesidad de “ser parte de...”, es más bien el instinto juvenil, ingenuo e idealista de “compartir”. Cuando un tipo en la sala de chat de “indie” del SoulSeek te alega que no le digas “indie kid” es porque algo se gestó... a ninguna tribu urbana le gusta ser etiquetada tan tajantemente.

“tú eres metalero, tú eres gótico, tú eres punk, tú eres skato, tú eres progre... y ¿tú?”

“traigo mi saco, mis lentes de pasta negra y me late un chingo Neutral Milk Hotel... soy un niño indie”

Aquí entramos en las cuestiones estéticas. Mientras recorría los puestos del lugar guiada por la música de Clap Your Hands Say Yeah! hacía el único stand que vendía discos medianamente “indies” observé a detalle a los góticos soportando y aguantando el calor ataviados de terciopelo negro y rojo, maquillados y hablando entre ellos y sólo ellos, ahí estaban también los punks de verdad que repartían panfletos para hacer reflexionar a la gente respecto a la privatización del agua, llenos de picos y estoperoles, con la svástica nazi tachada y sus ideales cosidos a sus chalecos y sudaderas, más allá estaba el negrito en el arroz, pero al fin, en bola igual, los skatos con sus mochilitas de Elmo, sus cuadros blanco y negro, sus pantalones a media nalga y su pendejez común (no es mala onda, me encanta tirarle a los skatos) y así podías identificar a todos. Y yo, el único encuentro que tuve con personas remotamente parecidas a mi fue al momento de pelearnos un disco de Morrissey (por el precio, no por la rareza). Nada más...

No había una identificación, mucho menos una identidad. ¿Cuál es la estética indie? si es que existe. ¿La que The Killers vende? ¿o la que Wilco nos regala? porque, si nos ponemos a pensar, de hecho podría existir actualmente la “vestimenta indie”. Qué me dicen de Pitchfork, todos odiamos Pitchfork pero bien que ahí estamos leyendo, y sea como sea, en una casi guía de lo que "indie" es. Incluso podríamos decir que existe una vertiente del cine moderno que podríamos denominar "indie" (y no me refiero al cine independiente en general, sino a esas historias que tienen una forma de narrarse similar, un cuidado de la imagen similar y todo eso)

He mencionado ya que en Estados Unidos los “indie kids” no quieren ser llamados así, pero existen, sino el término, la etiqueta, o como quieran llamarlo, nunca hubiera nacido. Tal vez la pertenencia del "indie kid" es la no pertenencia. Me pregunto si en México existen “niños indie”. El próximo concierto de Mogwai podría ser la prueba de fuego. ¿La noche de los indies tristes?

Por lo pronto y como sea, en México, el “indie” es una escena inexistente.

Mogwai - Mr. Beast

Mogwai - Mr. Beast

Pero por supuesto, si has estado pendiente de este blog con facilidad puedes notar que el (les guste o no, así se llama) post-rock es mi género favorito o algo así y este es uno de los lanzamientos dentro de este estilo más fuertes del año.

A veces siento que la crítica es demasiado dura con estos oriundos de Glasgow y es que ellos tienen parte de la culpa por haber lanzado como debut "Young Team", un trabajo impecable y que, para muchos, no han podido superar, ni siquiera con este "Señor Bestia"

Tal vez no, no han superado su debut pero "Mr. Beast" presenta las ideas de "Happy Songs for Happy People" -uno de esos discos de odialo o ámalo- más condensadas, más concentradas y más sólidas, esa ya, de entrada, es una gran ventaja. Las guitarras cuasi doom ahí siguen, el piano siniestro ahí sigue y los escoceses siguen tristes y enojados.

El disco goza de grandes, grandísimos momentos como en la portentosa "Glasgow Mega-Snake" que merece mención especial por ser considera por más de uno como, desde ya, una de sus mejores canciones dentro de su extenso repertorio, "Travel is Dangerous" sigue esa línea de guitarras graves y ruidosas que construyen paredes de sonido, en ésta última encontramos los característicos canticos de la banda, sombríos y casi irreconocibles; sin embargo "Death Folk 95" puede llegar a recordarnos a Tortoise, Fly Pan Am o Do Make Say Think, pues tiene un tinte jazzero sin llegar a ser jazz propiamente.

La abridora "Auto Rock" es, sin embargo delicada, pausada, muy en la vena de "I Know You Are But What Am I"; aquí hay de todo. "Acid Food" recuerda las flaquezas de "Come On Die Young" pero sigue siendo un track digno. El single elegido: "Friend of the Night" funciona muy bien como eso, pues es accesible dentro de lo que cabe pero no pierde la escencia de la banda, contiene arrehlos de piano bastante acertados.

Todo acaba con "We're No Here", nuevamente con esas guitarras metálicas y con los muros sónicos, no sólo propios de esta banda, sino del estilo por completo.

El disco está lleno de enormes composiciones y de otras que no anidarán en nuestra memoria, sin embargo, es un trabajo sólido, que demuestra evolución.

No me hagan caso, yo adoré "Happy Songs for Happy People" y considero que "Come On Die Young" está subestimado, pero la mayoría piensa diametralmente opuesto a mi, así que escucha el álbum (lanzado en México por Noiselab) y juzga por ti mismo.

P. D.: si van a ir al concierto de este próximo 17, por allá nos estaremos viendo.
P. D. 2: como notarán, no hago reseñas de discos hasta que éstos son lanzados oficialmente, por cuestiones éticas or something.


Página oficial: Mogwai official site
My Space: Mogwai @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Mogwai - Mr. Beast

Sín Título

Recuerdan los ensayos que he puesto aquí? eran parte de mi tarea escolar como bien lo explicaba en su momento, y como proyecto final para esa asignatura un grupo de amigos y yo hicimos 2 cortometrajes, en uno yo casi no metí mano, pero el que a continuación presento fue escrito y dirigido por mi, no somos expertos pero no voy a negar que si me interesa esa onda del cine... así que si un día me hago famosa haciendo películas esto va a valer oro! (aunque previamente ya había hecho un video chafísima para la canción "I Luv The Valley Oh!" de Xiu Xiu)

Se supone que teníamos que representar círculos del Infierno de Dante, este corresponde al Limbo. Hubo incluso una exposición de todos los cortos acá en Toluca, hasta eso todos estaban bastante bien. Respecto a este, se nos perdieron detalles, lo grabamos con 2 pesos y todo eso, pero quedé bastante conforme con el resultado final.

Los créditos están ahí incluídos... aquí pongo el texto que acompañó a éste cortometraje de la autoría de... pues yo mera y por supuesto el link para que vean este intento de cortometraje.

...

Sín Título <--- CLICK para ver el cortometraje .

El lugar tan blanco que se asemeja a la nada

El lugar al que asisten los no bautizados cuando su vida acaba, el lugar en donde la infinita tristeza impera, un lugar que no es brutal como el infierno propio, pero que castiga. El Limbo de Dante es ese lugar neutral, no has obrado mal pero no fuiste reconocido ante los ojos de Dios, ese fue tu único error y caes en el Limbo como caer en medio de un puñado de nada que huele a tristeza.

Cómo acercarse tanto a algo que es inalcanzable, de tal modo que se pueda ver claramente ese paraje desolador con claridad, sólo amalgamando elementos prácticos y cotidianos, y de pronto te encuentras rodeado, envuelto y sofocado por blancura y tristeza, de pronto puedes estar en el Limbo, como espectador inerte, como testigo ajeno.

Tomamos prestado al niño como símbolo de inocencia, un símbolo que cualquiera puede entender y pese a su universalidad, sigue desprendiendo poderosas emociones: la mirada de un niño, tan cristalina como agua contenida en una pila bautismal, la sonrisa de un niño, tan radiante y luminosa que nos ciega en belleza. El niño es inocencia por defecto.

Un cielo sin nubes, opalino y simple, juega el papel de ambiente blanco, neutro, estático, en donde uno puede pasar el resto de su vida sin mirar más allá de ese cielo y desquebrajarse en tristeza.

Los árboles carcomidos por el tiempo, el valle solitario y que pertenece al olvido, la hierba reseca que sirve de cama a un inocente, sirve de lecho para el que se marcha, todo, conjunto, es más bien un paisaje poco alentador, poco entusiasta, poco feliz.

El arma blanca es primitiva, simple, no se necesita ser un genio para usarla, no se necesita más que la fuerza intrínseca humana, no se necesita más que un arranque para poder manchar su hoja. Sin embargo, la sangre no brota ni se desparrama, ni siquiera hay indicios de que hubo un crimen imperdonable, porque la sangre salpicaría nuestra neutralidad, tornándola carmesí cuando debe mantenerse entera y eternamente blanca.

El hombre sin rostro es cualquier hombre, cualquiera que cae en la tentación y en pecado, cualquiera de nosotros es vulnerable a entrar y nunca poder salir. El hombre que lo hace y, aunque después se arrepienta, no puede borrar huellas que ya marcó. En un desesperado, mas mesurado, movimiento se atreve a cubrir su horrorosa acción para no ver más el rostro, inocente y falto de vida, de la víctima de su naturaleza, la naturaleza humana.

Un simple manto blanco, viejo y común, tapa de momento la crueldad que ante los ojos del hombre aparece, la tapa ante sus ojos pero no logra sacar la imagen de su cabeza. Un simple manto, uno que vestimos cuando nos bañan en agua ante Cristo crucificado y su eterna imagen martirizada, ese manto, el que se viste en el bautizo, tapa o quiere tapar, el pecado original, el hombre, imitando lo básico, intenta tapar su propio pecado con una tela de blancura nívea.

Sin embargo, el cuerpo yace, sin vida, sin moverse, la luz se ha escapado de sus ojos, el hombre contempla un bulto blanco que no se va como si con sólo desearlo fuera a obedecerlo.

Y el blanco permanece. El blanco en el cielo, el blanco en el manto del niño, el blanco en el arma, el blanco ante nosotros. Todo es tristemente blanco.

Imagina pasear en medio de las almas albergadas y cansadas en el Limbo, tan abrumadoramente estático, tan inmensamente deprecado, sin nada por qué esperar ni ningún lugar al cual acudir, simplemente se es y se está, nada más, los huesos se congelan de tristeza y te desesperas al no poder llorar mientras miras aquel lugar tan blanco que se asemeja a la nada.

Mientras un vals distorsionado y enfermo sin idioma se mece, se expande y se erige soberbio, con voces irreconocibles, con compases pausados, con el alma congelada. La melodía de la muerte es la muerte blanca, la del sin sentido, la del idioma sin traducción, la de la inocencia aniquilada, la de monjes islandeses que dan el llamado para que acudamos, sombríos y cansados, a su iglesia de hielo, la de la Rosa de la Victoria (Sigur Rós), la de la letanía glaciar y blanca, la del cielo color ostión, la que enmarca lo imperdonable, y que es brutalmente hermosa en su melancolía.

Un título para el que no puede tener título, que debe mantenerse anónimo para conservar su neutralidad. “Sin Título” es el título, que nos llega por antonomasia.

.

Dreamend - Maybe We're Making God Sad and Lonely

Dreamend - Maybe We're Making God Sad and Lonely

Al parecer olvidé por unos días que tenía blog, pero ya regresé y qué mejor que con uno de mis discos favoritos de estos últimos días, siguiendo esa línea de bandas no tan reconocidas que, según yo, merecen ser escuchadas.

Dreamend, originarios de Chicago, es, para no perder la costumbre de este blog, una banda de post-rock que, sin embargo, conserva una vena latente de ese género que dio paso al actual post-rock: el "shoegaze"

He estado escuchando material de sus anteriores trabajos y con alegría escucho que han evolucionado, solían ser más ambientales y ahora arriesgan más con las características guitarras distorcionadas pero no perdiendo ese sonido dreamy que tan bien les sale.

"A Place in Thy Memory" podría recordarnos en momentos a Explosions in the Sky, tiene mucho de los texanos, sobre todo la primera parte de la canción, pero encontramos en sonido de la banda mejor representado en la siguiente canción "In her little bed we lay her", más ambiental, con voces sampleadas y llena de texturas, con menos guitarra.

Mucho más melódico, más rockero, incluso incluye voces femeninas, es el siguiente corte "Can't Take You (DIF)", que se aleja de los ambientes y decide regresarnos en el tiempo y recordarnos a Slowdive. "Iceland", sin embargo, es mi canción predilecta del álbum, regresa a los ambientes y texturas, pero conserva esa vena shoegazer, voces fantasmales arrullan mientras de pronto un paro musical nos hace despertar de ese ensueño.

"Mary Cogswell & Fred Vaillancourt" es un track de menos de 2 minutos con guitarras repetitivas y con la presencia de sampleos nuevamente, no es, ni de lejos, la mejor canción contenida en este trabajo. Para cerrar, "New Zealand" se presenta con sus 10:02 minutos de duración, una pieza tan larga siempre presenta evoluciones interesantes, y así es, comienza tímida y discreta con un punteo suave de guitarra para ir creciendo y cerrar magicamente éste trabajo.

Un disco hermoso, lleno de paisajes, con un título absolutamente post-rocker, al igual que la música contenida en él.


mp3: "Can't Take You (DIF)"

Página oficial: ..........DREAMEND..........
My Space: Dreamend @ My Space
Cómpralo en graveface.com: Dreamend - Maybe We're Making God Sad and Lonely

U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006

U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006 (parte 1 de 2)

¿Por qué el título de esa forma? ¿por qué poner en la misma altura a los texanos y a los irlandeses? Porque estamos frente a la mejor banda del mundo y frente a una de las grandes bandas jóvenes, sólo por eso.

Los Secret Machines son simplemente mágicos en vivo, sus texturas se aprecian mejor en directo. Abrieron con la genial “Nowhere Again”, y siguió el nuevo single “Alone, Jealous, & Stoned”, mucha gente estaba desesperada por ver a U2, los abucheos fueron los menos, creo que pude notar un cierto impacto en más de uno que pedía banditas de a 3 pesos como The Killers o Keane para abrir y Secret Machines pateó su trasero con su rock que se desliza de la psicodélia al progresivo, mucho más complejo que las bandas antes mencionadas.

Cuando cerraron con “First Wave Intact” hubo un paro tanto en música como en luces, eso es de grandes, ese paro necesitó horas y horas de ensayo. Una gran banda que tocó con todo, el baterista es un virtuoso, el sintetizador da texturas bellas y únicas y el guitarrista, pese a que no quiso arriesgarse mucho, genial.

Después se esfumaron del escenario y tras otros largos momentos de espera, sonó “Wake Up” de The Arcade Fire, estaba a punto de salir U2.

U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006 (parte 2 de 2)

Llegamos a las inmediaciones del Estadio Azteca el 14 de febrero como a las ocho de la mañana y ya nos tocó brazalete amarillo. Teníamos un pequeño problema... que involucraba brazaletes amarillos y boletos... es demasiado complicado de explicar pero lo resolvimos de forma casi espontánea. Otro problema que surgió fue conseguir hospedaje, porque queríamos retirarnos a descansar algunas horas y los únicos hoteles en la calzada de Tlalpan eran, pues... de esos de 4 horas, así que fuimos a parar a un hotel cinco estrellas que tuve que pagar con tarjeta de crédito para no quedarme sin dinero.

Estuvimos yendo y viniendo del hotel al Azteca para descansar pero estar al pendiente de todo lo que pasaba o si salía algún imprevisto. Conocimos mucha gente, estuvo divertida la velada, una chica con la que compartí sleeping fue la que posteriormente se subió al escenario con Bono. Intercambiamos direcciones de correo electrónico y platicamos de todo, faltaba un largo día.

Esa noche U2 demostró una vez más porque es una gran banda más allá de lo musical, a aquellos que moríamos de inanición en la fila esperando por el día siguiente nos tocó recibir pizza gratis por parte de la banda mientras escuchábamos el soundcheck.

Ya el 15 de Febrero, a las 6 de la mañana se pidió que todos estuvieran en su lugar listos y sin casas de campaña o cobijas, aunque no se respetó sino hasta las 11, en la madrugada hacía un frío congelante y a medio día un calor insoportable, pero aguantábamos y soportábamos, sabíamos que la hora estaba próxima.

Se anunció en periódicos y medios que empezaríamos a entrar a las 4 de la tarde, en el lugar se nos informó que la entrada sería a las 3, pero finalmente comenzamos a entrar poquito después de las 2. Y ahora sí... ¡a correr!. Dicen que una chica se cayó y los de seguridad comenzaron a pedir que no corriéramos pero nadie los peló. Conseguimos excelente lugar a escasos 2 ó 3 metros de la rampa izquierda, a unos 8 ó 10 metros del escenario, en primera fila, sin cabezas y cuerpos que nos taparan. Pero aun faltaban muchas horas.

En las bocinas sonó hasta el cansancio Bloc Party y The White Stripes, me gustan ambas bandas pero parecía que era lo único que tenían disponible, además el disco de Bloc Party estaba rayado, jaja.

Una lluvia amenazaba al concierto, las nubes eran enormes y cubrían el Azteca, comenzó la fina llovizna pero que por fortuna sólo fue eso. Con rapidez los del staff taparon el equipo y así se mantuvo incluso durante la presentación de los Secret Machines, pero no pasó a mayores.

Tras la presentación de los texanos quedaba cada vez menos tiempo de espera, la música ahora fue más variada, desde The Cure a los Beatles, Dallas Schoo probando guitarras y paseándose por el círculo del escenario, regaló una púa de guitarra a un niño que estaba en el lugar.

“Wake Up” sonó... y Dallas aun estaba en el escenario, lo cual fue muy extraño, pero se retiró y finalmente la banda salió.

Yo ya los había visto en Madrid en Agosto pasado, fue mágico, pero nada se compara con lo que viví esa noche del 15 de Febrero, la primera sorpresa fue que abrieron con “City of Blinding Lights” para después explotar con “Vertigo”. Por desgracia no hubo canciones de “Boy”, pero en lugar de eso tuvimos “Mysterious Ways” que fue la primera vez que la chava que conocí en la fila subió con Bono al escenario (la segunda fue en “With or Without You”), su novio que la acompañaba ha de estar feliz (“¡mi novia le gustó a Bono!”). En una de las primeras canciones a Edge le falló la guitarra, una Les Paul blanca, en menos de 5 segundos Dallas Schoo le proporcionó otra idéntica pero que tenía un “2” pintado atrás, o sea, la de repuesto.

Cuando Edge comenzó a desfilar por la rampa que teníamos al frente, nosotros gritábamos como locos, no fue mi imaginación, estoy segura que nos sonrió más de una vez. Igualmente Adam se paró en frente de nosotros en varias ocasiones y pude mandarle un beso, sonrió al instante, nunca voy a olvidar su expresión.

Una de las más emotivas, por obvias razones, fue “Sometimes...” en donde Bono alcanza una de sus notas más altas y en donde podemos sentir algo profundo que emana de su voz. Siguió “Love and Peace or Else”, nunca había apreciado la línea de bajo en esta canción hasta que pude ver a Adam puntear el bajo y el sonido atronador salió de las bocinas, fue impactante.

En “Beautiful Day” Bono cambió la letra para referirse a la tierra que pisaba y cantó parte del “Cielito Lindo”, su chamarra no llevaba la bandera de USA en el forro, llevaba los colores verde, blanco y rojo. Se esforzó por hablar español, y lo hizo bien.

“México es el país del futuro y U2 es la banda del futuro”

Esperemos que sea presagio de dos cosas, que México se fortalezca como país y que tengamos U2 para rato.

Vino el combo de canciones combativas y de lucha: “Sunday Bloody Sunday”, “Bullet the Blue Sky” y la hermosa “Miss Sarajevo” que vuelve a tener sentido con estos tiempos que vivimos, la banda no toma partido, simplemente pide paz. Los derechos humanos se leyeron en español, al contrario de lo que viví en España.

Yo tenía una experiencia previa de este tour, así que me llevé una gran sorpresa cuando las banderas de Latinoamérica comenzaron a desfilar en la pantalla gigante cuando comenzó “Streets” en lugar de las de África, como normalmente era. Igualmente los mensajes en “The Fly” esta vez venían en inglés, español y portugués.

Hubo dos momentos en que Bono casi azota, al principio de “Streets” cuando comienza a correr, eso pasó justo en frente de mi y al apagarse las luces antes de “Yahweh” dio unos pasos para atrás y tropezó con el pedestal del micrófono, fue gracioso.

Muchas canciones desde ahora tomaron un nuevo contexto para mi, pero nada como “Zoo Station”, ya me gustaba, pero Edge se paró frente a nosotros y no podía evitar sonreír, sus ojos son más bellos de lo que yo hubiera imaginado y de lo que las fotos que a lo largo de mi vida como fan he visto.

Otra grata sorpresa fue escuchar “40” como canción final, una de las canciones más queridas por los fans, Larry fue el último en salir, fue el único que no se paró por el lado en que yo estaba pero igualmente lo pude apreciar bien.

Y se terminó... ellos se notaban felices, satisfechos, agradecidos, Bono se disculpó por haber tardado tanto en regresar, nosotros respondimos con euforia y pasión. U2 me recordó por qué son mi banda favorita e incendió el escenario con fuego irlandés.

Sólo le envidio a los fans de Monterrey “Bad” y a los del 16 de febrero “Fast Cars”, pero esa noche no la cambio por nada, la mejor noche de mi vida.

//Setlist:

City of Blinding Lights
Vertigo
Elevation
Mysterious Ways
Until the End of the World
New Year’s Day
Still Haven’t Found What I'm Looking For
Beautiful Day
Original of the Species
Sometimes You Can't Make it On Your Own
Love and Peace or Else
Sunday Bloody Sunday
Bullet The Blue Sky
Miss Sarajevo

Pride (in the Name of Love)
Where the Streets Have No Name
One

Zoo Station
The Fly
With or Without You

All Because of You
Yahweh
40

the High Fidelity entry # 3

aprovechando la gloriosa fecha que se acerca (U2 en el Azteca) pongo esta lista con mis 5 canciones favoritas de los irlandeses (sin ningún orden específico) , bueno, son sólo 5 de un extenso repertorio.

1. Gone [Pop, 1997]: Se trata de una canción guiada totalmente por la guitarra, es un rock de guitarras, pero recordemos lo que fue Pop, la gran última experimentación electrónica de la banda, así que la guitarra está plagada de efectos, la canción entera está llena de sonidos electrónicos. Posiblemente una de las letras más bizarras de Bono, pero cuando te sientes en ese mood que no sabes ni quien eres, es perfecta... porque estás arriba con el sol y no vas a bajar.

2. Wire [The Unforgettable Fire, 1984]: Con pocas canciones me siento tan identificada (una cosa es que me gusten y otra es que me sienta identificada), se supone que la letra habla de un adicto a la heroína, por fortuna yo no sufro de tal adicción, pero una tristeza así de grande como la que describe es perfecta en mi. Bono desgarra la voz, juega con ella haciendo vocalizaciones únicas, la melodía es arrojada, rápida y fugaz. Qué bello día para echar a perder nuestras vidas.

3. Love is Blindness [Achtung Baby!, 1991]: Esta canción en especial me gusta en vivo, cobra nueva vida, se acentúa la deprecación en ella, se vuelve más sombría al ser tocada ante miles de fans. Unos dicen que habla sobre atentados, los más intimistas creemos que es simplemente un himno a corazón herido y destrozado. Un órgano simple comienza... Edge es capaz de crear atmósferas, dibujar paisajes de devastadora belleza, hacer que la guitarra diga más que las palabras, mientras Bono es pausado, austero y mientras ruega; la sección rítmica insuperable, lenta y obscura. Es una idea peligrosa... que casi, casi tiene sentido.

4. Tomorrow [October, 1981]: Cuando la madre del post-adolescente Bono murió se sintió despojado de algo enorme, y escribió esta canción (entre muchas otras). La espiritualidad que reina a lo largo de su segundo LP se ve entristecida, es una plegaria dolorosa. Comienza misteriosa, con elementos celtas y después explota, haciendo de la plegaria un grito desesperado, describiendo no sólo paisajes, sino las tinieblas que reinaban en su alma. Pregunta con inocencia cruel... regresarás mañana?

5. Sometimes You Can't Make It On Your Own [How To Dismantle An Atomi Bomb, 2004]: Ya hablamos de lo fuerte que fue para Bono perder a su madre, ahora, en esta canción, toca el caso de su padre, que murió de cáncer durante la Elevation Tour. Ni con su madre ni con su padre Bono hablaba mucho, por eso cuando murieron se dió cuenta de que los había perdido para siempre y que nunca más tendría la posibilidad de hablar con ellos. Una de las cosas que más me gustan, a la vez me ponen la piel de gallina, es Bono hablando de su padre, con esa melancolía recordando anécdotas de su old man, Bob Hewson era un tenor de la clase obrera de Dublín, amaba la ópera y por eso Bono canta una de esas notas altas en esta canción, se eleva al cielo y tal ve ahora Bob si lo escucha. Tú eres la razón por la que canto, tú eres la razón por la cual la ópera está en mi, Bono clama desde el fondo de su pecho, y de su alma.

.

Bright Red Paper - Bright Red Paper

Bright Red Paper - Bright Red Paper

Para no reseñar discos obvios, seguiré poniendo esas bandas desconocidas que merecen ser escuchadas (claro, eso es sólo mi opinión).

Hoy, desde Oregon, llega Bright Red Paper, banda instrumental de post-rock que lanzó su disco homónimo por su cuenta y es posible comprarlo sólo en su página oficial y en CD Baby por un precio que es casi un regalo.

Cuando uno lee que es otra banda de post-rock pues ya sólo queda esperar clones de Mogwai, Explosions in the Sky o Godspeed You! Black Emperor; la bella sorpresa con Bright Red Paper es que tienen sonido propio, único y, clásico en este género, hermoso.

Es el resultado de mezclar músicos tan dispares como ex-integrantes de bandas de rock, surf, jazz y un cellista con preparación académica; cabe destacar el trabajo que el bajista realiza, simplemente soberbio, dando un toque funky a la música, sumado a eso están las percusiones casi tribales que por momentos destellan aquí y allá.

Tienen dejos de Rachel's y A Silver Mt. Zion, pero estremecen por voz propia. El gran problema del álbum es que está bien producido pero hasta ahí, causa de su total independencia, pero a veces la producción no termina de cuajar y los instrumentos suenan sobrepuestos, no siempre y no demasiado, eso se puede mejorar contando con un mayor presupuesto, por supuesto.

El álbum abre sin dar tiempo a reaccionar con "Dis for Dead Sea", el cello de pronto remite a oriente y el bajeo es único, aunque discreto. La línea de bajo del siguiente track es más gorda y más marcada, "A World Collapsed" mantiene ese protagonismo del cello pero el bajo evoluciona de forma casi jazzera. Ambas composiciones mantienen armonías hermosas y ambientales, cambian y se transforman en si mismas, logran su clímax teatral y se desvanecen.

La siguiente canción, "C Sharp Minor", es la más corta y tranquila del plato, aunque más trágica, y la cumbre coronada por el cello es indescriptiblemente hermosa. En "Typewriter" todo comienza en calma, pero es aquí donde nos damos cuenta de la capacidad del bajista, y de como logra meter elementos tan funk, como lo es el slap y el contratiempo, a una melodía hermosa en donde el cello nunca pierde protagonismo. "Western Waves Crashing" se encarga de cerrar un viaje tan hermoso e intenso, posiblemente la pieza menos lograda, aunque bella igualmente, su defecto es que afloja a la mitad de sus casi 9 minutos de duración, pero retoma el camino hacía el final y cierra de forma perfecta, es la única con voces, aunque breves, incluídas.

Bright Red Paper brilla con la misma intensidad que el rojo del papel que les da nombre, se arriesgan a fusionar ritmos logrando que el género tome nuevos bríos. Un viaje hermoso.


mp3: "Dis for Dead Sea"

Sitio oficial: Bright Red Paper -- the official website
Cómpralo en su Sitio Oficial: Bright Red Paper - Bright Red Paper
My Space Bright Red Paper: Bright Red Paper @ My Space

Genghis Tron - Cloak of Love

Genghis Tron - Cloak of Love

Aun reseñando trabajos del 2004, pero oh!, no me siento capaz de reseñar algo tan grande como Belle & Sebastian o Cat Power.

Te gusta el grind? pero también te apasiona la música electrónica? pues por fin tenemos todo en uno: Genghis Tron, que con este EP llegan intempestivamente con su mezcla original y adictiva.

Los clásicos riffs y vocalizaciones del grind, con toda su brutalidad y ruido sin sentido aparente se mezclan con sintentizadores que parecen venidos del espacio exterior. Canciones breves y ruidosas, pesadas y desordenadas son enriquecidas por sonidos electrónicos haciendo de éste trabajo sencillamente único.

Un amigo mio, un metalhead, se rió mucho cuando le dije que era un EP y que era grind, me dijo que si el disco duraba qué? 15 minutos? y bueno, no estaba muy alejado de la realidad, a penas si logra rebasar los 12 minutos, pero son más que suficiente para destrozar tus oídos atronadoramente con guitarras duras y musculosas, batería de doble bombo incansable, un bajo más plagado de slap bien ejecutado, voces irreconocibles y un sintetizador que logra dar atmósferas inconcebibles para este género.

El disco abre con "Rock Candy" que es la canción más eclectica y de los cambios más abruptos, tal vez la menos lograda del brevísimo EP, aunque adictiva por igual, los dejos del sonido synth son más obvios en esta composición. Continua la que comienza de forma totalmente electrónica "Arms", en donde una parte synth comienza, luego una parte grind y así consecutivamente hasta terminar fusionandose.

Sin embargo "Ride the Steambolt" es la canción que da fe del enorme poder de la banda, con machacantes riffs que te taladran y el sintetizador creando sonidos tenebrosos; es violenta, contiene ese elemento primario del metal más brutal.

"Laser Bitch" comienza con un sintetizador retro, ochentero, la voz esta vez no es gutural, está procesada y suena electrónic, con sólo 2 líneas de letra, es la que da nombre al disco ("i'm your lambskin cloak of love, baby try me on") y luego boom! de nuevo está el grind atascado y headbanger. Para cerrar está "Sing Disorder"que es la más ortodoxamente grind de todas, pero no olvida el sintetizador que sigue envolviendo a la música en atmósferas.

Es un trabajo difícil de escuchar, pero vale mucho la pena, si pueden darle una checada, con los oídos dispuestos y la mente muy abierta, no se van a arrepentir.

Parafraseando a Tiny Mix Tapes: los metalheads ya encontraron a su Postal Service, ja!


Cómpralo en Amazon.com: Genghis Tron - Cloak of Love
Página oficial: genghistron.com

Indie en Guadalajara

El fin de semana pasado fui a la hermana república de Guanatos (no sé porque le digan así, y como dice Ferenc, el amigo que me sirvió de guía "de seguro es por una pendejada") y bueno, recorrí los lugares históricos, visité el pequeño tianguis cultural tipo Chopo (ojalá hubiera uno en Toluca) y etc., etc. Pero en la noche nos dirigimos a una tocada que se realizaba en la Arena Coliseo, lugar destinado para la Lucha Libre, decidí ir porque tocaba Sad Breakfast, una banda que se me hace más o menos decente.

Bueno, para empezar, el lugar NO es para conciertos, ni en el Palacio de los Rebotes el audio es tan malo, pero hey! ecualicen bien y neta, se escucha bien donde sea, ecualicen los agudos y todo se arregla un poco, pero no, el audio fue el mismo desde que llegué hasta que nos hartamos (Ferenc y yo) y decidimos dejar el lugar.

Me tocaron un par de bandas desconocidas.

La primera no recuerdo como se llamaba, era emo o algo muy parecido. Los cuates ya se creían rockstars, el vocalista era poco menos que el frontman que México espera, pero hay un problema: hay que aprender a tocar primero. No pido virtuosismo, pero las canciones caían en los lugares comunes, una banda del montón, así cómo vamos a tener buen rock algún día si sólo se dedican a copiar lo que está de moda, en este caso cosas como My Chemical Romance, Simple Plan, etc. (no estoy metiendo a estas bandas en un mismo saco, me gusta la primera y detesto a la segunda).

Pasaron sin pena ni gloria.

Siguió, si mal no recuerdo, un grupo llamado Roghe o algo así (supongo que querían llamarse Rogue y el nombre ya estaba ocupado o no supieron como escribirlo, puedo creer cualquier cosa), con ellos iba programador con su lap top, la cosa prometía. Otra gran y absoluta decepción, más de lo mismo, en lugar de aprovechar las texturas y atmósferas que una lap puede crear, el ruidero de su pseudo-emo-punk-avant-garde-howdoyoudo tapaba el sonido de dicho instrumento (porque estaba siendo usado como instrumento) y cuando lograba oirse no salía de los clichés medio synth-pop. No prendían a público aunque los bañaran con gasolina y luego les aventaran un cerillo.

Luego vino un grupo de Nu Metal, no recuerdo si ellos eran Ídem, o Ídem es la banda que vendrá a continuación. La cosa era risible, lo mejor era que ellos se lo tomaban muy en serio. Ah! eso sí, con DJ y toda la cosa, aunque el cuate no salía del scratch básico y meter el sonido de la consola era casi con calzador, salía sobrando. El bajista, eso sí, un cabrón para el slap; wey, no traten de tapar la falta de talento con un chingo de tapping y slap, eso dejénselo a Les Claypool o Flea, en donde el slap va con la música pues es funky, no a unos pseudo-metaleros. Hay una cierta fijación por el slap en más de una persona, por eso me sacaron de una banda: por no querer hacer slap, pero no puedo visualizar a Carlos D., mi máxima influencia como bajista, atascando el sonido limpio y sombrío de Interpol con el pinche slap. Hay momentos y lugares, el slap no oculta la falta de talento.

Después vino otra banda, no sé si estos eran Ídem. La cosa era de lo más bizarro, eran mejores músicos, eso sí, pero el vocalista era un clon bizarro de Bunbury que a su vez es un clon bizarro de Jim Morrison, los dos guitarristas parecían que en cualquier momento tocarían un cover de Mayhem o Burzum, el bajista era digno de una banda de happy punk, el tecladista parecía regresado de los 80, en donde tocaba en una banda tipo Vilma Palma e Vampiros, pero eso sí, debo reconocerlo, su baterista era extremadamente cabrón, lástima que su talento esté desperdiciado en una banda así. No estoy a favor de que la imagen de una banda se anteponga a la música, pero siempre es bueno ofrecer algo visualmente bueno, no un montón de músicos cada quien en su onda, unificar la imagen aunque sea. La música: aburrida y predecible, dejos del rock de los 70, como Led Zeppelin meets The Doors, algo así.

Por fin Sad Breakfast, me lleva... sólo tocaron 4 rolas ¿me reventé a todas esas bandas mediocres por 4 pinches rolas? y lo peor de todo, el audio seguía del asco. Luego tocarían dos bandas más: Rohan y otra que no recuerdo su nombre. Yo ya no estaba para aguantar más y decidimos dejar el lugar.

Y luego dicen que por qué no me gusta el indie en español, pues por chingaderas como esta.

Mi buen amigo Ferenc, sin embargo, me comentaba que no siempre es así, que hay cosas interesantes como Maniqui Laser (por ahí estaba el vocalista por cierto) o una banda que es puro desmadre llamada Monje vs. Tigre, como me describió ambas cosas, tengo ganas de escucharlos en vivo, algún día tendré chance.

Han sido los 80 pesos peor gastados de mi vida.

Secret Machines en México

y por qué me emociono tanto? porque van a abrile a U2 y me fascinan los Secret Machines! (que bueno que no pusieron una banda mexicana, la mayoría apestan)

de U2.com:

31.01.2006
Secret Machines for Mexico

Got tickets for any of the three shows in Mexico next month ? Word reaches us that the very wonderful The Secret Machines will be playing support.

Originally from Dallas, the three members of The Secret Machines - brothers Brandon and Benjamin Curtis and friend Josh Garza - have been gaining massive critical acclaim in recent months. According to Rolling Stone, 'They take Pink Floyd psychedelia, Led Zeppelin stomp, and Who-inspired choruses and charge them full of big-rock beats, atmospheric keyboards and all kinds of electronic whooshes.'

They've already toured with Foo Fighters, Spiritualized and Oasis and last summer with the Kings Of Leon, no strangers to the Vertigo stage. 10 Silver Drops, their second album is set for an April release while its first single, 'Alone, Jealous and Stoned', was released a couple of weeks back.

If you don't know them yet, get a feel for them here http://www.thesecretmachines.com

60 canciones (pt. VI)

Por fin acabamos... las últimas 10 canciones (más 5, que son los comodines o canciones que se me olvidó meter cuando estaba haciendo el recuento y no podía dejar fuera)

Recuerden, las canciones pertenecen a sus autores y si quieren una o varias escribanme a eating.glass@gmail.com diciendome qué canciones necesitan

...

51. Three Days, Four Nights [Castanets]; “Cathedral” (2004)
La voz es tan desencantada, el punteo de guitarra preciso, y la batería descuidada. Una interpretación tan desoladora, es como estar en un cuarto oscuro y frío escuchando esta canción lenta, pausada y con dejos de country.

52. Tradewinds [Super Furry Animals]; “Rings Around the World (special edition)” (2001)
Sólo si eres poseedor de la edición especial de este disco puedes disfrutar de esta canción que abre el EP extra. La voz de Gruff Rhys como pocas veces, aterciopelada y a veces se quiebra, la melodía, con sus peculiares y característicos arreglos divertidos, es armoniosa, incluso de tendencia folk. Es mi canción favorita de esta, una de mis bandas favoritas.

53. Unmade Bed [Sonic Youth]; “Sonic Nurse” (2004)
Este es el Sonic Youth que a mi me tocó, el melódico, el nuevo, no por eso no aprecio sus trabajos clásicos. Sí, sigue el vicio como virtud, el feedback como máxima fuente de poder, pero logran convertir el caos en armonía, la distorsión en ambiente, esta canción es una de sus más melódicas, a la vez sensibles.

54. Unrecorded [M83]; “Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts” (2003)
Mágica, así de sencillo. Es una pared impenetrable de sonido, es noise electrónico, es viajar en un túnel lleno de colores, todos los colores están ahí, es increíble como una canción te puede hacer ver colores. No te da tiempo de hacer nada, es y te cautiva para después marcharse.

55. Vermillion [The Album Leaf]; “One Day I’ll Be On Time” (2001)
Todo es bermellón, el atardecer que cae sobre muebles de madera, iluminando la habitación, el té caliente que tomas en las noches de frío y el cálido sentimiento que te invade. Juega y se regocija, mientras el sol se oculta a discreción, mientras lo inanimado cobra vida.

56. Waiting for a Superman [The Flaming Lips]; “The Soft Bulletin” (1999)
Hablar de esta agrupación es referirse a palabras mayores, por ende, se habla de un catálogo basto y de calidad constante. Sin embargo, me quedo esperando por un superman, porque mezcla una melodía de delicado indie pop, una letra inteligente y uno de mis personajes favoritos salido de los comics.

57. We Looked Like Giants [Death Cab For Cutie]; “Transatlanticism” (2003)
Es absolutamente corta venas, una letra que cuenta una historia con lujo de detalle, la música roquera pero trágica, es el sueño emo. Cuando dos personas fueron poderosas causa de un amor juvenil y atolondrado, lucieron como gigantes.

58. Why I'm so Unhappy [Dntel]; “Life is Full of Possibilities” (2001)
Es tan misteriosa, perfecta para escucharse con la luz apagada. La voz femenina, sin embargo, da calidez, como si en medio del frío unos brazos sin rostro te acogieran para cubrirte y protegerte mientras le preguntas a ese ente salvador por qué eres tan infeliz.

59. Wonderwall (Oasis cover) [Ryan Adams]; “Love is Hell” (2004)
Otro cover, pero es que hay ocasiones que un músico toma una canción ajena y la hace propia de tal forma, éste es el caso, en donde la popular canción de Oasis toma otro camino, el de la melancolía, cuando Ryan Adams decidió arreglarla con sólo guitarra acústica, un teclado lejano, incursión del piano para el acento y su voz quebrada.

60. Your Ex-lover Is Dead [Stars]; “Set Yourself on Fire” (2004)
El pop el su más refinada expresión. Sensible, alegre, bailable, tierno y con cierta melancolía, eso es Stars. Esta composición abre su más reciente producción, con arreglos de cuerdas hermosos y luego viene el juego de voces siempre preciso, mientras un beat electrónico taladra con caprichosas formas. Una belleza.

Wild Cards

1. Four Hours in Washington [M. Ward]; “Transistor Radio” (2005)
2. Hurt (NIN cover) [Johnny Cash]; “American IV: The Man Comes Around” (2002)
3. Love Reign O’er Me [The Who]; “Quadrophenia” (1973)
4. Peces de Ciudad [Joaquín Sabina]; “Dímelo en la Calle” (2002)
5. Special Needs [Placebo]; “Sleeping With Ghosts” (2003)

60 canciones (pt. V)

seguimos con esto, la penúltima parada, si quieren una rola contáctenme por e-mail y con mucho gusto se las envio... qué bueno que tomé la desición de ya no subirlas antes de estas 10, la canción de "Sleep" dura más de 20 minutos. Las canciones pertenecen a sus autores.
...


41. Sad Pony Guerrilla Girl [Xiu Xiu]; “A Promise” (2003)
Todo lo que hace Xiu Xiu es genial. Qué canción tan bizarra, melodía bizarra, letra bizarra, interpretación bizarra, todo es bizarro. Una guitarra acústica que parece que está siento tocada a modo de percusión, con toques del infaltable sintetizador que hacen de esta canción como una cacería. Triste y asfixiante.

42. Sembrando Estrellas [Fobia]; “Rosa Venus” (2005)
La elección más polémica, pero bajo mi visión, éste es el mejor trabajo de Fobia hasta la fecha. Canción que parece hecha expresamente para el lucimiento de Iñaki y el teclado, pero no podemos dejar de lado la batería que suena sorprendente. Un viaje, sí, por una alfombra de estrellas rosas.

43. Shivers [The One AM Radio]; “A Name Writ in Water” (2004)
Un loop interrumpido por más loops, breve canción de arreglos de violín pasados por un sintetizador que se repite y se interrumpe incansablemente, hermosa y triste, sintetizada, sin embargo, no suena maquinizada.

44. Show Must Go On [Queen]; “Innuendo” (1991)
El contexto, todo está en el contexto, Mercury ya se sabía enfermo de SIDA y escribe esta desgarradora canción de su realidad. Su maquillaje se cae a pedazos y nada puede hacer pero tiene que mantener su sonrisa, pues el show debe continuar. Estremecedora, y su voz, nunca mermada por nada, como un fuego que no se extingue.

45. Sirius [Pelican]; “The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw” (2005)
Seguimos con las elecciones difíciles, es que cada pieza compuesta por este grupo de doom es una verdadera obra de arte. Pesada y lenta, grave, es como una loza inmensa que cae en nuestras espaldas, pero melódica, delicada, armoniosa, que aligera un poco el peso.

46. Sleep [Godspeed You! Black Emperor]; “Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas To Haven” (2000)
Posiblemente la canción definitiva, aquella a la que considero mi canción favorita de todos los tiempos. Es devastadora al principio, cambia para decirte que aun hay luz y al final se deconstruye en si misma. Capas y capas de distorsión, paisajes desoladores, en donde perdemos la identidad, somos iguales, todos tristes y sin un puñado de esperanza, sin rostro y alzando nuestros puños flacuchos como antenas al cielo.

47. Some Red Handed Sleight Of Hand [Cursive]; “The Ugly Organ” (2003)
Contundente, breve, roquera, emo. Menos de dos minutos sirven para patear tantos traseros como es posible, mientras niños con tatuajes y piercings se cortan las venas, no con una navaja, sino con rasposos riffs cortesía de Cursive.

48. Sometimes [My Bloody Valentine]; “Loveless” (1991)
Cómo no rendirse a los encantos de esta canción, track de éste, prácticamente ignorado, disco genial. Sentó las bases para el post-rock, la distorsión es constante y es perfecta para escucharla mientras viajas en cualquier transporte colectivo, todos tan ajenos, todos tan indiferentes.

49. The Mystery of Love [Marianne Faithfull]; “Before the Poison” (2005)
Es misteriosa, es pausada, es tan cierta, a la vez triste. Uno no puede dejar de prestar atención a esto, una mujer, de edad avanzada, cantando con su voz apagada y cansada, acerca del misterio del amor, como si a sus años no lo hubiera descubierto aun, y se llama tonta, porque todos lo somos.

50. Thoughts of a Dying Atheist [Muse]; “Absolution” (2003)
Es como que el mejor título de una canción jamás inventado. La línea de bajo es repetitiva y marcada, la guitarra es delgada, muy fina y la voz de Bellamy corre y parece no cansarse. Está en el punto intermedio del brit-pop más ortodoxo y el rock más rasposo.

60 canciones (pt. IV)

ya no subiré las rolas! si quieren una, mándenme un e-mail y con gusto se las pasaré.
ya casi acabamos, hoy de la 31 a la 40!

31. Misread [Kings of Convenience]; “Riot on a Empty Street” (2004)
La armonía vocal es impecable, los arreglos tipo bossa nova dan un sentimiento de tranquilidad. Es eso, relajarse y escuchar esta canción que ronda los terrenos de la melancolía y los días soleados combinados. Te puedes sentar, contemplar el cielo mientras tomas limonada en un balcón.

32. Moses? I Amn't [Mogwai]; “Happy Songs for Happy People” (2003)
Un órgano casi religioso da la bienvenida en esta canción, cuando de pronto parece que una maquina capaz de sentir cae descompuesta y se rompe, mientras trata en vano de llorar y se da cuenta que no fue programada para eso, como si en cámara lenta se hiciera pedazos lentamente ante nuestros ojos.

33. Neighborhood #2 (Laika) [The Arcade Fire]; “Funeral” (2004)
En esta canción se demuestra todo el sentimiento primario del disco, una inmensa desesperación y agobio por la pérdida. Las voces se elevan como gritos de dolor mientras los instrumentos, que van de batería y guitarra a acordeones y violines, hacen una melodía original y única.

34. Ný Batterí [Sigur Rós]; “Ágætis Byrjun” (1999)
Los monjes islandeses dan el llamado para que asistamos su iglesia de hielo. El intro es una serie de sonidos irreconocibles, pero cuando el bajo irrumpe todo se torna cristalino y frío, como si los glaciares se estuvieran derritiendo bajo el sol, como si las flores abrieran sus capullos al saber que ha llegado la hora de nacer, como observar fuegos artificiales en una noche manchada de estrellas.

35. One Big Holiday [My Morning Jacket]; “It Still Moves” (2003)
Una de las grandes canciones de guitarra que conozco. Comienza discreta para después zarandearnos vertiginosamente, cual montaña rusa, por un viaje de country y rock del más alto nivel, subes y bajas pero nunca dejas de sentirte emocionado, más, conmocionado, para finalmente descender mareadote y atontado.

36. Pick Up the Phone [The Notwist]; “Neon Golden” (2003)
Por el amor de Dios, levanta el teléfono. Así más o menos es, pides que levante el teléfono porque tienes muchas cosas que decir, mientras guitarras y sintetizadores se entrelazan y convierten este melodía en el himno de la melancolía post-moderna, cualquier cosa que eso pueda significar.

37. Pink Bullets [The Shins]; “Chutes Too Narrow” (2003)
Otra canción que remite a soledad, la gran constante en este recuento. Tranquila melodía de alt-country con ese sentimiento desolador, como si estuvieras volando una cometa y por error soltaste la cuerda dejándola escapar de tus manos... y de tu vida para siempre, ahora cambia esa cometa por una persona, es lo mismo.

38. Poor Leno [Röyksopp]; “Melody A.M.” (2001)
Es una historia curiosa; hace muchísimo tiempo estaba enferma de gripa en la cama sin poder dormir, así que con la televisión encendida me dispuse a recorrer todos los canales para ver que encontraba que me hiciera sentir mejor. Nada. Finalmente caí en Mtv, era de madrugada así que las posibilidades de encontrar mejor música eran más esperanzadoras, y un peculiar video animado se presentaba ante mis ojos acompañado de una melodía de hermoso beat, resultó ser ésta canción, desde entonces me gusta mucho... porque me hizo sentir mejor.

39. Quetate Luna [Devendra Banhart]; “Cripple Crow” (2005)
Fue difícil elegir sólo una canción de éste cantautor, hay muchas que me gustan mucho. Ésta canción la elegí, particularmente, porque es una curiosa conversación con la luna, de cadencia latina, pero sobre todo eso, me recuerda a mi mamá y eso es más que suficiente.

40. Red [Elbow]; “Asleep in the Back” (2001)
Desde un inicio esta ha sido mi canción favorita de éste grupo. La voz de Guy Garvey es por demás estremecedora y de gran alcance, una melodía sencilla en apariencia del más fino brit-pop y una letra genial que describe a aquella persona que amas pero que no puedes alcanzar pues parece que corre mientras tú caminas.

60 canciones (pt. III)

seguimos con esto... estamos a la mitad! recuerden, las canciones pertenecen a sus autores y el documento al final es .rar
y bajen as rolas, sino no tiene caso seguir subiéndolas ¬¬'
...

21. L'America [Mono]; “Under the Pipal Tree” (2001)
Lenta y calmada, la guitarra se mece como si de un árbol ante el viento se tratara. Tranquilamente a orillas de un lago lanzando piedras o contemplando los caprichosos colores del atardecer. Es como la tristeza en la que te sientes cómodo, en la que te sientes feliz en la contradicción.

22. La Llorona [Popular mexicana]; Dominio público
Es interminable, pues se le agregan coplas cada vez que es interpretada. La Llorona, un ser de leyenda mexicana, de miedo, tenebrosa, sin embargo, esta canción se asemeja más a una triste canción de amor a ella, con todo el sabor de la región del istmo, quieres que te tape con su rebozo porque te mueres de frío, pues es una madre... sin hijos.

23. Last Night I Dreamt That Somebody Love Me [The Smiths]; “Strangeways, Here We Come” (1987)
Una de mis canciones favoritas de esta banda que es como mis Beatles personales. Un intro inusualmente largo con sampleos de revueltas londinenses, un piano pausado, como un vals que se distorsiona, y finalmente, la voz de Morrisey que se asemeja a una plegaria, en donde se desea que ese sueño donde fue amado sea verdad.

24. Lost Cause [Beck]; “Sea Change” (2002)
Alejado del usual estilo del Angelino, sin embargo, con una sensibilidad única. Dejando de lado los sonidos electrónicos para acompañarse de una guitarra acústica, ésta canción es como las tardes de invierno, el sol quema y brilla, pero el panorama sigue siendo gris.

25. Love Is [American Music Club]; “Love Songs for Patriots” (2004)
Directa y sin más. No podría estar más de acuerdo en una idea sobre el amor que esta, es una mentira en el cielo, una torpeza que lastima a ese que dijiste amar, y te duele, y pides perdón, pero ya está hecho, todo era mentira, el amor es una mentira.

26. Man is the Baby [Antony and the Johnsons]; “I Am A Bird Now” (2005)
Desgarradora canción que pide de rodillas perdón y busca desprenderse de la culpa. Lo vuelvo a repetir, te saca el corazón del pecho, ese trozo de ti sigue latiendo mientras lo estrujan hasta desaparecer. Te absorben el alma por la boca y es como si nunca más tuvieras la capacidad de sentirte feliz.

27. Maps [Yeah Yeah Yeah’s]; “Fever to Tell” (2003)
Toda una revelación. El disco es completamente alocado, pero esta canción es como una luz dorada en medio de caos. La guitarra incisiva y la batería rítmica son suficiente para acompañar a Karen O que por primera vez en el disco, se muestra dócil.

28. Me and Mia [Ted Leo and the Pharmacists]; “Shake the Sheets” (2004)
Despreocupada, roquera, pegajosa, no se puede pedir más. Tiene los elementos perfectos, ni uno más, ni uno menos, para hacerla la gran canción del indie rock. Uno no puede evitar mover los pies y agitar la cabeza con esta canción de tal simpleza, que asombra.

29. Melpomene [Kashmir]; “Zitilites” (2003)
La canción más “cursi” en este recuento, porque es verdad, es una canción cursi de amor no correspondido, de ese que te mata lentamente, que cala hondo pero, caray, como nos gusta. El imposible que mata por su brillo, que aniquila con su sonrisa, que está cada vez que cierras los ojos... y sólo ahí se encuentra.

30. Minas de Cobre [Calexico]; “The Black Light” (1998)
Este es un grupazo, por donde se le vea. Cuando escucho esta canción claramente me puedo sentir cabalgando tranquilamente en un viejo caballo, con el ambiente árido del desierto y pueblos fantasma a mi alrededor, mientras el tren pasa a lo lejos y se escucha su máquina de vapor, en donde bandidos y sheriffs se enfrentan a duelo y en donde impera la fiebre del oro.

DOWNLOAD HERE: 21 - 30 songs

60 canciones (pt. II)

en el post anterior se me olvidó decir: las canciones pertenecen a sus autores, si te gusta algo, trata de conseguir los discos

al final encuentras el link para descargar el archivo .rar

...

11. Dear Catastrophe Waitress [Belle & Sebastian]; “Dear Catastrophe Waitress” (2003)
Lo que más me gusta es lo divertida que es. Una vez leí que Belle & Sebastián es como Plaza Sésamo tocando rock, no podría estar más de acuerdo. Breve y tierna, con arreglos, ciertamente, de Plaza Sésamo, uno no puede evitar sonreír con esta y muchas otras composiciones de los oriundos de Glasgow.

12. Encantamiento Inútil [Café Tacuba]; “Cuatro Caminos” (2000)
No soy muy fan de Satelucos, pero esta canción es preciosa. Puedo estar equivocada, pero me parece que uno o varios de ellos estudió Diseño Gráfico, bueno, pues esta canción refleja su lado diseñador, las descripciones son tan... de Diseñador Gráfico. Los rasgueos de guitarra son como rasgueos al aire por el que viaja la voz de cómo quiera que se llame ahora.

13. Esperanza [Rachel’s]; “Systems/Layers” (2003)
Parece sacada del soundtrack de un Final Fantasy cualquiera, pero no, es una composición original de este grupo de post-rock. Épico es la palabra, como batalla de cruzados o como reunión en la mesa redonda, como viaje a Avalon o simplemente como vitazo al medioevo.

14. Frozen [Madonna]; “Ray of Light” (1998)
De pronto, un día, Madonna se hizo espiritual y ¡bam! lanza el mejor disco de su carrera hasta ese entonces, conteniendo no sólo clásicos instantáneos, sino un pop de calidad inmejorable. Esta canción es bella, brilla por su oscuridad, letra simple pero efectiva, esos dejos orientales la hacen irresistible. El video... una joya.

15. Glittering Blackness [Explosions in the Sky]; “How Strange, Innocence” (2000)
Explosions in The Sky tiene muchísimas canciones que valen la pena, esta fue otra decisión complicada. Cuando escucho esta canción es como escuchar en la lejanía los ecos de una feroz batalla, es como pararse en medio de un campo de guerra ahora desierto y contemplar los cadáveres pudriéndose al sol. Crece y crece, nunca deja de crecer.

16. Go with the Flow [Queens of the Stone Age]; “Songs for the Deaf” (2002)
Las afinaciones graves, ¡oh! las afinaciones son la clave de todo. La línea de bajo es marcada, gorda, la guitarra no se queda atrás y la batería sostiene todo el peso. Quisieras dejarte llevar y correr, tal vez, estamparte contra una pared y que la sangre fluya sin más.

17. Gone [U2]; “Pop” (1997)
La elección más difícil de todas, pero no puedo negar que esta es mi canción favorita de mi grupo favorito. La guitarra conduce la canción entera, hacen de este corte el más roquero del polémico “Pop”. La letra, como siempre, una obra de arte cortesía de Paul Hewson, la crisis de los 40 años, o la crisis de la raza humana, cualquiera le viene bien.

18. How To Disappear Completely [Radiohead]; “Kid A” (2000)
Seamos honestos, a todos nos gusta esta canción, es sencillo, incluso si no la conoces, ya te gusta, porque todos nos hemos sentido así al menos una vez en nuestras vidas, deseando no estar en ese lugar en ese momento, que eso no esté sucediendo, deseando desaparecer completamente y vagar, al menos por un instante, en el olvido.

19. I Swallowed Hard, Like I Understood [65daysofstatic]; “The Fall of Math” (2004)
Contundente, devastadora, agresiva y soberbia. Excelente muestra de lo que los ingleses de 65daysofstatic pueden hacer, guitarras a lá doom metal sin alejarse del post-rock, con ese teclado cuasi gótico y después hay toques de space rock, es como observar un duelo a muerte con espadas.

20. Jesus, Etc. [Wilco]; “Yankee Hotel Foxtrot” (2002)
La melancolía que Wilco imprime a sus canciones es como rasposa, mientras las letras de Jeff Tweedy son delicadas poesías tristes y estremecedoras. Una simple, hermosa canción de desamor, de desencuentro y despojo. Agridulce es la palabra que mejor la define, mientras los rascacielos parecen tambalearse y el amor es todo y lo único que tenemos.

DOWNLOAD HERE: 11 - 20 songs

60 canciones (pt. I)

Hoy comienzo un loco proyecto, algo así, hice el recuento de 60 canciones que me gustan, posiblemente mis favoritas de todos los tiempos (dejando ver que tan joven soy por las elecciones), no repetí ninguna banda, así que son 60 canciones de 60 bandas o músicos diferentes. Armé un archivo .rar para que descarguen las 10 primeras canciones, las iré colocando en estricto orden alfabético por título de canción, así que hoy las primeras 10 y en los próximos días apareceran las demás hasta llegar a 60.

...

1. A Boy Like Me [Patrick Wolf]; “Lycanthropy” (2004)
Del debut de éste joven cantautor. Letra irónica, instrumentación extraña e interesante, y la arrojada voz de Wolf escupiendo verdades una tras otra. Se desliza por el regocijo más bizarro y la desesperación más humana.

2. Alone in Kyoto [Air]; “Talkie Walkie” (2004)
Además de ser parte del soundtrack de una de mis películas favoritas, por si sola es una canción hermosa. Los franceses dieron un vuelco a su música y llegan a este grado de sensibilidad insospechado. Es como un día soleado en la playa pero inmensamente solo.

3. Bachelorette [Björk]; “Homogenic” (1997)
Fue difícil elegir sólo una canción de la perversa hada islandesa. La forma peculiar de cómo desgarra su voz es uno de sus sellos, y aquí está en todo su esplendor. La música es trágica, teatral, los arreglos de cuerdas te ponen la piel de gallina, mientras la poderosa voz de Björk nos relata sus historias surrealistas.

4. Bang Bang (My Baby Shot Me Down) [Nancy Sinatra]; “Kill Bill Vol. 1 soundtrack” (2003)
Uno de los mejores covers de todos los tiempos. El contexto que le dio Tarantino a esta canción, que en su tiempo fue del más simple y bobo pop, es impresionante. Los arreglos que le hicieron la hacen sonar como una vieja canción del oeste, y a fin de cuentas, la película es un homenaje a los westerns.

5. Breakaway Terminal Cable [Cerberus Shoal]; “Cerberus Shoal” (2004)
Uno de mis descubrimientos más recientes, pero esta banda ya es añeja. Me decidí por esta canción por los cambios bruscos que tiene, pese a durar más de 8 minutos, no es aburrida. Voces tipo emo, con vocalizaciones incomprensibles, algo de instrumentaciones post-rockeras, dejos de psicodélia y progresivo. Fantástica.

6. Buckbeak’s Flight [John Williams]; “Harry Potter and the Prisoner of Azkaban soundtrack” (2004)
Podrá o no gustarte Harry Potter, pero no se puede negar que John Williams es un maestro, y que ha sabido transportar la fantasía de las aventuras del joven mago a hermosa música. Esta canción es vasta como un paisaje, como el castillo de Hogwarts, como volar en el lomo del hipogrifo.

7. C'mere [Interpol]; “Antics” (2004)
Otra difícil elección, pues es una de mis bandas favoritas. Yo insisto que parte del encanto de esta banda es lo ingenuo de su música, sobre todo de sus letras, aquí está la prueba. Directa, dolida, triste, con la insuperable mas minimalista sección rítmica, Paul Banks está marcando un estilo de poesía lírica, sin complicaciones y sin rodeos.

8. Change (In the house of Flies) [Deftones]; “White Pony” (2000)
Alejada de los acostumbrados riffs secos y contundentes, esta canción es más melódica, pero no deja de sonar a los Deftones. Chino Moreno tiene una voz versátil, a la vez hermosa, cuando susurra lastima, cuando grita corrompe, aquí hace ambas, mientras la melodía se mantiene sombría y melancólica. Podrás creer que los Deftones es una basura por pertenecer al llamado ‘nu metal’, pero no, este disco y esta canción los sacan de ese estilo, los lleva a otra altura.

9. Cinder and Smoke [Iron & Wine]; “Our Endless Numbered Days” (2004)
Seguimos con las elecciones difíciles. Esta fue la primera canción que escuché de Sam Beam, todo me pareció tan espléndido. La simpleza de lo acústico, la letra descriptiva, la voz en tonos bajos; sigue siendo mi canción favorita de él, pese a que tiene montones más de gemas como ésta.

10. Comptine D'un Autre Été: L'aprés Midi [Yann Tiersen]; “Le Fabuleux Destin D'Amelie Poulin soundtrack” (2001)
Esta canción ha acompañado mi vida desde que la escuché en la película. Hermosa, melancólica, huele a Francia, en donde te cubres de la lluvia con un periódico del día anterior, corres por los charcos levantando agua y esperas a que la tempestad pase mientras observas caer las gotas como si el cielo no tuviera miedo de llorar.

DOWNLOAD HERE: 1 - 10 songs

The Strokes - First Impressions of Earth

The Strokes - First Impressions of Earth

Éste álbum es un trabajo que... todo mundo ya había escuchado a finales del año pasado! es la magia de la Internet.

No se qué tiene 'Juicebox' que la hace tan pegajosa, un gran single para comenzar el año (o terminar el 2005, ya ni sé). Pero luego queda ver al trabajo en conjunto, ¿son capaces de crear melodías tan frescas, guitarreras y valemadristas como 'Juicebox' más de una vez?.

Tengo un viejo conocido de estos menesteres cibernéticos que es de Utah, el tipo es muy conocedor de música y le entra a todo, me halaga que valore tanto mi opinión pues cada vez que es lanzado un trabajo relativamente "importante" me pregunta que me pareció. Lo hizo con este disco, yo no estaba segura de qué responder, pues la critica a sido bastante dura pero lo cierto es que... yo lo disfruto mucho! además de que soy la única persona, al parecer, que realmente gusta de 'Room on Fire'.

No tuve más remedio que responder con la verdad, y lo apreció, era la señal que necesitaba para darle una checada.

¿Qué ofrecen los Strokes a un sonido al que si se le agrega algo pierde encanto? es verdad, su gran "logro" fue rescatar el rock crudo y sin pulir, eso nos hizo voltear a ver a los neoyorquinos y pese a eso, 'First Impressions...' está más producido, suena -un poco- más limpio, más pulido, sin dejar de sonar retro y despreocupado.

Más allá del single tiene grandes momentos: 'Heart in a Cage', 'Vision of Division', 'Electricityscape', 'Ize of the World', por mencionar algunos. El disco es bueno! no seamos prejuiciosos.

A mi me gustan los Strokes porque... pues porque sí! así como son ellos, porque me vale madres!


Cómpralo en Amazon.com: The Strokes - First Impressions of Earth
Página oficial: The Strokes official Site

Super Furry Animals - Love Kraft

Super Furry Animals - Love Kraft

La primera review del año y lo sé! es un disco relativamente viejo, salió a mediados del año pasado, pero es un trabajo que no fue reseñado aquí, lo estoy escuchando y me doy cuenta cuan grandioso es!

Super Furry Animals es una banda que ha tenido que lidiar con el anonimato desde el principio, actualmente son un poco más conocidos, tras su lanzamiento transnacional con el psicodélico "Rings Around the World", lo fantástico de los Furry Animals es que ningun álbum nuevo que lanzan suena como el anterior, han sabido evolucionar y conservar su sello distintivo.

Tengo una historia curiosa con esta banda de Gales, podría ser considerada la primera banda 'indie' que escuché y con la cual empecé a escuchar pues... toda la música que escucho (exceptuando a U2, ese es otro cuento), tienen un lugar especial en mi corazón. Me cautivaron por la extraña, original y bien amalgamada mezcla que hacen: rock, psicodélia, dream pop, progresivo, brit pop, surf, folk, y sabrá Dios que más!

En "Love Kraft" encontramos un punto intermedio entre sus 2 trabajos anteriores, conserva la psicodélia de "Rings Around the World" que alcanzan un punto vertiginosamente divertido en cortes como la abridora 'Zoom!' y tiene ese destello de folk que reinó en "Phantom Power" que se escucha claramente en canciones como 'Ohio Heat'. Qué decir de 'Lazer Beam', 'Pscyclone!', 'Cloudberries' y en si todas las canciones... con esos títulos que podemos esperar? puro y absoluto poder súper pelúdo.

Los arreglos siguen siendo exquisitos, la grabación impecable, las composiciones hermosas o divertidas, muchas veces ambas cosas, Gruff Rhys conserva esa voz cálida y sigue escribiendo grandes canciones.

Ya son 10 años de los Super Furry Animals, y no los conoces? qué esperas! y si ya los conoces, nunca dejes de disfrutarlos.

Oh, sí, y que sigan trabajando con Peter Fowler, nadie podría plasmar la música de los SFA en imágenes mejor que él.

Cómpralo en Amazon.com: Super Furry Animals - Love Kraft

Página oficial: Super Furry dot Com

Peter Fowler site: Monsterism

nueva imagen

gracias a los que me enviaron un montón de links para buscar un nuevo template para este blog, por ahora estoy cómoda con este estilo invernal! ^^

¿Qué puedo hacer cuando un ave tiene que morir?

Para comenzar el año... pues otro ensayito, esta vez, sobre mi álbum favorio del año pasado, igual, fue un trabajo escolar.

¿Qué puedo hacer cuando un ave tiene que morir?

Eran los agitados ochenta y un muchacho que acababa de descubrir sus preferencias sexuales decide mudarse de la soleada California a la caótica Nueva York. Anthony (el único Anthony sin H), con conocimientos previos en piano y vocalización, forma diversas bandas en su nueva residencia neoyorquina, dedicarse a la música fue una decisión que tomó casi por instinto, “cuando vi a Boy George en televisión la primera vez me dije: con que eso hacemos cuando sabemos que somos así” declara Antony a la Pitchfork Media, el mismo reportero de Pitchfork dice “la primera vez que lo vi tocar estaba en un bar en Nueva York, él sólo frente al piano y entonando aquella melodía triste”, eso podría definir muy bien el propósito de la música del peculiar californiano.
Cuando el nuevo siglo comenzó, Antony por fin pudo concretar su deseo de tener una banda y forma Antony & the Johnsons. Sacan un par de EPs, luego un álbum homónimo, ya empezaban a trazar su sonido: blues y soul conducido por el piano y arreglos de cuerdas precisos –y preciosos-
Es hasta este año que el mundo voltea a mirar el inmenso potencial de la agrupación, y con razón, su nuevo álbum “I Am A Bird Now” (es fácil: el mejor disco del año) fue recibido de manera excelente.
“Soy un ave ahora” es un título perfecto para una obra que no es más que la declaración de libertad por parte de Antony, ese hombre delgado y de enmarañada cabellera negra. Pero es una libertad dolorosa, esa que se consigue sacrificando algo muy valioso.
El trabajo es por demás original, aunque es extraño decirlo, pues sólo retoma más que viejo soul y blues de principios del siglo pasado con algunos toques del más sensible rock.
Las letras son soberbias, tienen un sentimiento desprendido inmenso, poderoso, cautivador.
El trabajo abre esplendorosamente con “Hope There’s Someone”, una canción más bien de búsqueda, “espero que haya alguien que se preocupe por mi” canta Antony con su voz de multi-octavas, “alguien que me sostenga cuando esté cansado” es la última frase antes del clímax del piano y la culminación de la melodía.
La siguiente canción no es menos genial, “My Lady’s Story” es una trágica historia de amor, es de esas canciones que calan hondo pero que cómo nos gustan, “Cuando soy un perro lisiado, no tengo nada que dar” su voz fina entona en ésta canción.
“For Today I’m A Boy” es totalmente Antony, “Algún día creceré y seré una hermosa mujer, pero por hoy soy un niño”, ese deseo de libertad que impera en todo el disco, “un día creceré y sentiré el poder en mi”, cuando ‘poder’ puede ser sustituido por la palabra ‘libertad’.
Pero no es hasta “Man Is The Baby” que uno puede ser golpeado brutalmente con arrebatadora belleza. “Perdóname, déjame vivir, libera a mi espíritu...” es la frase que se repite mientras un cello nos saca las entrañas y las arroja contra la pared, obviamente es una pieza a un ser más allá de nuestro entendimiento, Antony pide perdón por ser como es y pide ser libre de hacer lo que quiera, “perdóname, déjame vivir, bendice mi destino” la frase cambia pero la plegaria es la misma.
El ídolo e inspiración de Antony presta su voz para “You Are My Sister”, Boy George canta a duo en ésta canción, perfecta para que ambos músicos la interpreten, “eres mi hermana cuando nacimos” es la primera frase y lo dice todo, “estaba aterrado de la noche, tú parecías moverte a través de los lugares que temí”, en donde el uno al otro se tienden la mano.
Rufus Wainwright, contemporáneo de Antony, canta “What Can I Do?”, breve melodía de piano solitario, “¿Qué puedo hacer cuando un ave tiene que morir? ¿qué puedo hacer cuando ella es demasiado débil para volar?”, en menos de 2 minutos todos los temores se descubren, “madre, ayúdame a vivir” ruega al final.
Contar con una leyenda como Lou Reed no es algo de lo cual cualquier agrupación se pueda jactar, Reed recita y toca la guitarra en “Fistful of Love”, es una canción con arreglos más bombásticos de saxofón, habla de ese amor violento –físicamente- que por más que quieras no puedes dejar a esa persona que te lastima tanto, resignado, Antony canta “Acepto y recolecto en mi cuerpo las memorias de tu devoción” como cicatrices de un amor podrido.
Otro contemporáneo de Antony canta en “Spiralling”, Devendra Banhart engalana esta melodía de desolador sentimiento, en donde esperas, esperas tanto que temes a la muerte y te congelas de frío. “Si pudiera, moriría, me congelo, es como nosotros, caigo en espiral”, te cansas, te aburres, pero no desesperas mientras esa otra persona llega.
“Free At Last” no es más que el breve puente que conduce a la última canción, en donde es sólo Antony declarando con alegría que es por fin libre, es libre hasta el penúltimo track del álbum y da paso a “Bird Gerhl” (“Bird Girl”), en donde Antony es libre por fin “Soy una mujer ave ahora, he conseguido mi corazón” canta en regocijo, “he buscado mis alas por algún tiempo, voy a nacer”, le han concedido la deseada libertar por fin, cuando se acepta, cuando deja de lado la culpa, por fin nacerá, por fin Antony es libre.
“I Am A Bird Now” tiene belleza desbordada que salta a la vista, por todas las razones concebibles e inconcebibles, pero está lejos de ser una vanguardia, pues como se ha mencionado, sólo retoma viejos sonidos, dice Brandi; hay que comprender a la obra dentro de su coherencia propia, y ésta obra debe ser vista así, como el trabajo de un hombre deseando la libertad absoluta y nada más.

***nota/petición: si les gusta hacer skins/templates para blogs, háganme uno, no sean ojeis, yo soy muy burra para eso T_T y quiero cambiarle la imagen a este blog. Por fa y gracias ^_^

.