Ash Cities

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The Black Heart Procession - The Spell

The Black Heart Procession - The Spell

Si este fuera un blog como cualquier otro, muy probablemente estarías leyendo algo referente a Tool o Secret Machines, pero como no lo es, he aquí algo sobre The Black Heart Procession.

Conocí a esta agrupación de San Diego gracias a que se encuentran de gira con A Silver Mt. Zion... o como quiera que se llamen ahora. Al comenzar a investigar descubrí que en menos de una semana su nuevo disco, "The Spell" será lanzado; pero yo ya lo escuché...

El trabajo se mueve a través de diversos estilos, puede crear texturas dignas del post-rock, la voz por momentos suena gótica y tiene destellos de emo, folk, indie rock, cabaret y algunos otros. "Tangled", el primer corte es hipnótica, hermética, parece un vals enfermo, de guitarra limpia y arreglos de piano. El corte homónimo es una gema obscura y nebulosa, encierra perfectamente tan acertado título para una canción y un trabajo así, la melodía parece una marcha fúnebre y la voz canta bajo pero directo, como un quejido profundo y quedo.

"The Letter" es una pieza desoladora en escala de grises, otro pequeño vals triste y que se rompe en pedazos, con tintes de folk europeo mientras la voz parece contarnos una historia de final trágico, una historia que facilmente podemos a doptar como propia.

Posiblemente la canción que más remite a sus influencias obscuras es "Return to Burn", que es también, si quitamos por completo la voz, la pieza más post-rocker del trabajo. "GPS" es la que mayormente presenta una estructura de rock convencional, y para contrastar, "The Waiter #5" es fantasmal y tenebrosa.

El corte final, "To Bring You Back" posee un sentimiento folk marcado, pero la agrupación no olvida la obscuridad que a lo largo de 11 canciones ha reinado sin dejar entrar, en ningún momento, un tenue rayo de luz.

Es un trabajo obscuro, sombrío, hermético y al mismo tiempo encantador.


mp3: Not Just Words

Página oficial: The Black Heart Procession official site
My Space: The Black Heart Procession @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: The Spell

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The Evpatoria Report - Golevka

The Evpatoria Report - Golevka

Disco del año pasado, aun así, no puedo dejar de escucharlo y de hablar de él.

Agrupación instrumental de 5 miembros originaria de Suiza, este, su álbum debut, fue recibido con nada más que alabanzas por parte de la crítica especializada en este tipo de música; es que sólo se pueden decir alabanzas sobre este trabajo.

De modo tranquilo, reinado por un bello y calmado violin, "Prognoz" abre con sus 14 minutos exactos de duración, una bella melodía de post-rock convencional, llena de texturas que 2 guitarras van tejiendo, con un clímax arrebatador que se construye a base de distonción.

Posteriormente "Taijin Kyofusho" comienza con sampleos de voces desencantadas y sombrías mientras el bajo se desliza en sus cuerdas y la guitarra acompaña con ármonicos, el violin entra justo cuando esas voces se han ido y la canción comienza mesiendose hasta que la batería pausada y triste aparece junto con destellos de aquellas voces que son el difuso murmullo urbano.

"Cosmic Call" es precisamente eso, un llamado cósmico, un viaje a las estrellas sin retorno, de intermitencia constante, de violin que viene y va y que termina como naufragio estelar varado en la estrella más fría y solitaria.

Uno de los tracks más breves es "C. C. S. Logbook" con 8:34 minutos de duración, una melodía más apegada al género canción, sus arreglos de órgano suenan casi a catedral gótica, una reinada por obscuridad y silencio sepulcral.

Una frecuencia ondulante presenta "Optimal Region Selector", después nos damos cuenta que ese sonido que parece vibrar se va transformando en una melodía acompañada por un incesante teclado, y cuando por fin todos los instrumentos intervienen, la melodía ha cobrado forma por fin... sin embargo aquella frecuencia sigue constante.

Y todo termina con "Dipole Experiment", que comienza discreta, con arreglos de sintetizador que anuncian que algo está por venir... crecen y crecen junto con el violin, el sintetizador asemeja voces provenientes de un siniestro coro de encapuchados hasta que deciden esfumarse y dar paso a susurros como latigazos y una distorción de guitarra en frecuncias bajas mientras el teclado asemeja el latir de un corazón, después, más de la mitad después, la canción cobra forma como una pieza soberbia y épica que dan fin a tan asombroso trabajo.

Tratar de elegir una canción favorita en éste álbum es como tratar inutilmente de coser con hilo y aguja las estrellas que caen. Me fascina cuando escucho trabajos como éste, saber que aun, dentro de todo y todos, hay este tipo de belleza que quita el aliento y oprime el pecho, que conmueve hasta las lágrimas, que mata por su deslumbrante peculiaridad.


mp3: Prognoz

Página oficial: The Evpatoria Report (site officiel)
My Space: The Evpatoria Report @ My Space
Cómpralo en su Sitio Oficial: Golevka (*no surten a Latinoamérica, pero siempre se puede mandar un e-mail)

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Calexico - Garden Ruin

Calexico - Gargen Ruin

Tras el breve break que este blog tuvo *coff*NintendoDS*coff*, regresamos a lo que nos tiene aquí escribiendo tonterías.

Calexico es, para mi, una de las bandas más originales e invetivas tal vez no sólo de los 90 y 00, sino también de la historia. Son 2 músicos de jazz que se juntan y deciden crear música con ritmos latinos predominando el mariachi, no todos los días nos encontramos con algo así.

Tras el magnífico "Feast of Wire" las espectativas eran altas, y tal vez no sean cubiertas satisfactoriamente con este "Garden Ruin", sigue siendo un trabajo lleno de melancolía campirana, punteos country, cadencia latina, pero es más normal, suena más a folk tranquilo y relajante que a la mezcolanza que los oriundos de Arizona nos habían acostumbrado.

Los han acusado de sonar demasiado pop, demasiado accesible, lo cual no es, de ningun modo, algo malo, pero tratandose de una banda tan original algo que suena a los demás es casi imperdonable. No hace mucho, canciones como "Bisbee Blue" eran impensables para la agrupación, pero al mismo tiempo demuestran que son capaces de crear bellas y juguetonas melodías que coquetean con el pop.

Es un disco excelente desde donde se le vea, pero no tan arriesgado, algunos de mis momentos favoritos: "Cruel", "Panic Open String", "Letter to Bowie Knife" (de lo más rocker del grupo), "Roka" (la que más no remite al antiguo Calexico), "Nom de Plume" y "All Systems Red" (con una inclución poco común en la banda de distorción de guitarra).


Página oficial: Casa de Calexico
My Space: Calexico @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Garden Ruin

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Islands - Return to the Sea

Islands - Return to the Sea

Recuerdo que cuando recién comenzaba a utilizar el SoulSeek un tipo en el chat me recomendó a The Unicorns, y bajé unas rolas, no demasiadas, pero me agradaron bastante, después, con el tiempo, olvidé conseguir más canciones o material del grupo. Después los Unicorns deciden separarse pero Nick Diamond (vocalista) y J'aime Tambeur (baterista) forman esta nueva agrupación, y es con este Regreso al Mar que se dan a conocer.

Montreal, y Canadá en general, sigue sorprendiendo dando al mundo un puñado de bandas que si bien no hacen nada nuevo o no marcarán la música a futuro, son un respiro ante el sofocante y aburrido panorama de la música actual; no en vano, éste trabajo cuenta con colaboraciones de miembros de The Arcade Fire, Wolf Parade y Beck (bueno, él es angelino).

"Return to the Sea" abre con la juguetona y divertida, "Swans (life after death)", una pieza de más de 9 minutos que arriesga todo y atrapa al escucha de inmediato con sus arreglos originales casi infantiles, una melodía inciciva y coros pegajosos. "Humans" tiene una instrumentación digna de Tom Waits, una canción cargada del sonido circence irónico y divertido.

"Don't Call Me Whitney, Bobby" tiene una vena country brillante y movida, pero no es hasta "Rough Gem" que podemos entender la magnitud del álbum, la sifisticación que posee, una melodía que podría sacarle una sonrisa incluso al más amargado de los hombres, contagiosa y feliz... es que en realidad no hay otra palabra para describirla.

La instrumental "Tsuxiit" remite a los Super Furry Animals más psicodélicos mientras "Where There's A Will There's A Whalebone" con sus sintetizadores es hipnótica y construye ambientes surrealistas. "Jogging Gorgeous Summer" es de tintes tropicales, "Volcanoes" comienza como el más bizarro country para transformarse en una melodía dulce y amigable y terminar en una explosión de color y sonido. "If", su arreglo de trompeta y su ritmo calmo se encarga de conducirnos hasta "Ones", el corte final que, después de tan agitado, pero para nada aburrido, viaje, no puede decepcionar, y no lo hace, la canción menos convencional en medio del no convencionalismo, después encontramos "Bucky Little Wing" un track escondido, de pianito y coros conjuntos).

Es un trabajo redondo reinado por pop inteligente, divertido, adictivo, de arreglos precisos y originales, letras extrañas, irónicas y sardónicas. Una joya.


mp3: Rough Gem

Página oficial: Islands are forever
My Space: Islands @ My Space
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Mono - You Are There

Mono - You Are There

Según la crítica, la banda japonesa Mono (no confundir con los ingleses del mismo nombre) no ha logrado sacar un disco realmente bueno, sus trabajos obtienen siempre 3 estrellitas (de 5), un 6 (del 0 al 10), o menos, pero para los fans del género al que Mono pertenece, es una banda fundamental.

Como fan de dicho género que soy, Mono, de hecho, sí me fascina, "Walking Clouds And Deep Red Sky, Flag Fluttered and The Sun Shined" (2003, así o más post-rocker el título?) es mi trabajo favorito del cuarteto, fue producido por el famoso Steve Albini, y en esta nueva producción regresan con él para presentar mounstroso post-rock de paredes soberbias e impenetrables de sonido y distorción.

Podría ser tachado de redundante, pero es más bien insicivo, de extremos, algo bastante clásico en la agrupación, sus canciones tienden a durar más de 10 minutos o menos de 4 y de sutileza y poder entrelazados.

La abridora "The Flames Beyond the Cold Mountain" es un viaje que se transporta sobre una poderosa y distocionada guitarra que a la mitad construlle una muralla con texturas palpables, "A Heart Has Asked for the Pleasure" es de esas composiciones cortas que sirven más bien de puente, para dar paso a "Yearning" que es más bien tierna y delicada, cálida y luminosa, pero crece hasta llegar al clímax teatral.

"Are You There?" es más melancólica, de túneles sónicos, otra composición con todas las características que la banda ha presentado a lo largo de su carrera, "The Remains of the Day" es otra melodía corta, de piano, ambientes y texturas. Para cerrar, "Moonlight" comienza con punteos discretos para ir creciendo y construirse en sí misma, tomando como cimiento una batería monumental.

Y através de seis composiciones el trabajo se mueve de extremo a extreno con un danzar suave pero trepidante. No es una evolución, no es el disco del año, sólo es Mono haciendo lo que mejor saben hacer.


mp3: The Flames Beyond The Cold Mountain

Página oficial: :: mono-44 :: MONO official website
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Yeah Yeah Yeah's - Show Your Bones

Yeah Yeah Yeah's - Show Your Bones

Este disco ya tiene sus semanitas de que salió, y muchas más de haber sido liberado en estos menesteres cibernéticos, pero nunca es tarde.

No es como si los Yeah Yeah Yeah's fueran la mejor banda del mundo, pero debo de admitir que "Fever to Tell" es un disco que hasta la fecha me sigue gustando y mucho, tal vez porque es como música naive o algo así, lo directo y crudo que es me parecen cualidades adecuadas para lo que los neoyorquinos tratan de decir.

Así que mis expectativas eran medianamente altas para este trabajo, y pues con todo el dolor de mi corazón el trabajo no las cubrió.

Insisto, YYYs no es la banda que vino a cambiar el panorama musical, pero me gustan (aun) y son muy buenos en vivo, tomando en cuenta eso de antemano, se sabe a lo que nos enfrentamos.

"Show Your Bones" sacrifica toda la ferocidad por rendirse a los encantos de la melodía, no digo que esto sea malo; tengo entendido que Zinner estuvo trabajando con Bright Eyes, puede que ahí radique parte de este fenómeno. Disfruto a Karen cantando con docilidad, pero me quedo con aquella que gritaba desenfrenada.

"Gold Lion" es buena presentación, "Way Out" es mi favorita, "Phenomena" incluye elementos bastante nuevos considerando la banda de la cual estamos hablando, "Warrior" es la más delicada de todas las composiciones, e incluyen temas que sí nos recuerda que, después de todo, son una banda que suena a garage rudo y directo.

El síndrome del "segundo álbum" se repite. Podría ser, para mi, la decepción del año, pero no es del todo malo, sólo... no es tan bueno como debiera ser.


Página oficial: Yeah Yeah Yeah's official site
My Space: Yeah Yeah Yeah's @ My Space
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Band of Horses - Everything All The Time

Band of Horses - Everything All The Time

Me atrevería a decir que uno de los 3 mejores discos de la primera mitad del año, aunque claro, faltan 2 meses para que el primer semestre acabe.

Esta banda de caballos surge de las cenizas de Carissa's Wierd, banda que nunca conocí, pero los miembros de la extinta banda son amigos de Iron & Wine, del cual se nota una influencia en este nuevo proyecto, y además, comparten casa disquera (la Sub Pop, porsupuesto)

Es como los My Morning Jacket del "Z" sin los sintetizadores, es como Wilco sin Jim O'Rourke, es como Okkervil River sin tanto ambient, en pocas palabras, es una banda de alt-country, uno de los géneros que mejores bandas ha dado últimamente y que tan olvidado está por muchos.

El álbum da comienzo con la, muy originalmente, titulada "The First Song", bella canción de punteos country y voces casi fantasmales, que comienza sin dar tiempo de reaccionar, "Wicked Gil", el track que le continua es una mis favoritas, movida, de arreglos bellos y luminosa. "The Funeral", contrastando, es más obscura, más melancólica, comienza pausada para dar paso al quejido doloroso con guitarras rockeras sin perder la escencia country.

"Part One" es casi folky, de batería pausada y voces al unísono, una en primer plano y la otra de acompañamiento. "The Great Salt Lake" es otra de mis predilectas, es de esas piezas épicas y llenas de luminosidad. "St. Augustine", melodía de guitarra acustica y voces en conjunto, se encarga de cerrar este maravilloso (y breve) álbum en donde las 10 canciones son joyas por si solas y hacen un todo perfecto.

Un trabajo hermoso lleno de sensibilidad, melodía, melancolía y una genialidad deslumbrante, altamente recomendable para quienes gozan de las letras y el pesimismo de Jeff Tweedy o Ryan Adams.


mp3: The Funeral

Página oficial: Horses Official Band Site
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V/A - Ride Your Poni

Antes de comenzar, un breve anuncio: si no puedes esperar cada mes para leerme (uy si) en cierta publicación menstrual... sí, menstrual, ahora lo puedes hacer cada domingo en el Sol del Toluca en la sección "Somos Artistas Nice" (con mi nombre real y no mi nombre cuasi real Gabriela Clayton, si adivinas quién soy te regalo un cd mix hecho por mi (aplica sólo a Toluca)), ahí mis desvaries de todo tipo... ahora sí, a lo que nos trunje chencha.

V/A - Ride Your Poni

Uds. conocen a los chicos de Sonidos en el Aire, gracias a ellos llegué a la página de Poni Republic una disquera que pone a dispocición su extenso y variado (e internacional!) catálogo para bajarlo gratuitamente de internet, así que decidí bajar este compendio.

La cosa empieza con sus propuestas electrónicas, de las cuales no soy fan, ni de estos proyectos ni de muchos otros, sin embargo suenan bien y divertidos o sutiles: About, Nuuro.

Azult Siete apuesta por algo más orgánico y folky, "The Sky..." es una relajante melodía de punteos de guitarra acústica, .tape., la banda que sigue es más ambiental, no menos interesante, mintras que mi gran descubrimiento es la banda llamada Musika 77 (si mal no recuerdo, banda de algun país nórdico), "Llanvair Llew" es una de las canciones más hermosas que he escuchado ultimamente, de voz quebrada, arreglos soberbios y discretos y una melodía tierna, bella, luminosa y melancólica.

Todosantos regresa un poco a la vena electrónica de loops, junto con Piscis y Yamamoto, que van por el mismo rumbo, es un trío de canciones juguetonas electrónicas. Hace mucho que quería escuchar a Sappho, por fin se me hizo, es medio post-rocky sin serlo propiamentes, algo de ambient, bastante dreamy.

Hi! Lucy es otra de las bandas que me fascinaron, igualmente poseen secuencias post-rockers, bastante en la vena de Explosions in the Sky pero al mismo tiempo de 1 Mile North. Pepito posiblemente tiene el nombre más divertido jamás visto, su música es de tintes electrónicos, un pop de loops y sintetizadores, otra de mis favoritas.

Y luego boom! Maniqui Lazer raya en el punk glam más ácido y divertido, alucinante, psicodélico (pero no, no con marihuana, sino en ácidos) y relajiento, otra joya.

Reflectionstack, American Chamber Music, Executioner of the Heart y Boy Omega son el último combo, cerrando de forma tranquila, dream pop de ese que te hace sonreír.

Es una gran forma de descubrir nuevos sonidos, interesantes y variados, disfruté mucho escuchando este álbum, aunque no todas las propuestas me hayan incitado a seguirles la pista, pero se disfruta por su eclecticidad y variedad.


Sitio Oficial: Poni Republic
My Space: Poni Republic @ My Space
Descarga el álbum (.zip): Ride Your Poni

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Neko Case - Fox Confessor Brings the Flood

Neko Case - Fox Confessor Brings the Flood

Realmente creo que nadie me lee últimamente, así que podría escribir cualquier estupidez y nadie se daría cuenta, como... había una vez un barco chiquito, o algo así y no pasaría absolutamente nada, sin embargo, lo que más me gusta en el mundo es hablar y/o escribir sobre música, así que seguiré con mis monólogos.

La hermosa voz de Neko Case canta canciones de corazones rotos, amistades perdidas, espiritualidad y todo, con un toque irónico. Considerado ya, uno de los mejores discos del año (algo prematuro para decir eso), este trabajo a sido recibido con aplausos y excelente críticas.

Pero lo que menos importan a veces son las críticas, el disco es bueno por si sólo, son doce composiciones escritas (o co-escritas) y producidas por la propia Case, de sutileza y elegancia únicas, letras tiernas y divertidas y arreglos precisos.

Existen aquí bellezas tales como "Maybe Sparrow", "Margaret vs. Pauline" o la obscura y encantadora "The Needle Has Landed", sin embargo, y para mi, "Hold On, Hold On" ya está en mi lista como una de las mejores canciones del año, se trata de Case cantando con un timbre de voz entre Madonna y un Bono joven (el Bono de War, no sé por qué esta canción me remite a "Surrender").

Es folk relajado y delicado, de toques del más fino pop y el más inteligente rock. Una verdadera joya de la primera mitad de este 2006.


Página oficial: Official site of Neko Case
My Space: Neko Case @ My Space
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Catedral Azul

"Blue Cathedral" es un álbum de 2004 de los Comets on Fire, pero ahora es también mi Live Journal. Hace mucho que quería intentar entrarle al LJ porque se ve interesante, y bueno, WilliamSaints (del foro HL) me decía que por qué no hablaba de cosas más personales aquí? uds. saben que tengo la extraña política de no convertir esto en un "querido diario" así que abrí el LJ para cosas más personales, aunque sin llegar al grado de "querido diario", ahí subiré dibujos y otras cosas que no vayan con Ash Cities, pero aquí seguiremos con las reviews musicales y todo eso.

Así que visiten Blue Cathedral de vez en cuando:

My LiveJournal <-- Click!

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Tal como usted (nunca) lo vio en La Mosca

A continuación una serie de reviews que envié para la revista mexicana La Mosca pero que no fueron publicadas por equis o ye razón, cuentan con la limitante de espacio, aunque suelo ser más concreta, al mismo tiempo más severa cuando escribo para dicha revista, me pueden seguir leyendo ahí como Gabriela Clayton y Clementine Kruczynski, y próximamente en otro medio impreso que me ha invitado a participar... aun no les doy el nombre pero es 99% seguro.

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Broken Social Scene

“Broken Social Scene”

Es cierto que “You Forgot It In People” es unos de los mejores discos de ésta década y también es cierto que Broken Social Scene es un colectivo totalmente poblado de talento. En su nuevo LP, el tercero en su carrera (sin contar “Bee Hives” que es de remixes) regresan con el mismo sonido: irónico, experimental y de arreglos originalísimos, pero ante todo rockero. No en vano son todo un fenómeno en su natal Canadá y sus canciones pueden ser catalogadas como épicas, tal como lo es “It’s All Gonna Break”, la canción que cierra el álbum. Queda claro que Broken Social Scene está conformado por quince hombres y mujeres extremadamente talentosos.

Página oficial: Arts&Crafts: Broken Social Scene
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Hot Hot Heat

"Elevator"

Los canadienses de Hot Hot Heat están de regreso, tenían una gran tarea, superar Make Up The Breakdown, el cual fue bien recibido y les abrió muchas puertas. En Elevator no escuchamos nada que en Make Up The Breakdown no hayamos escuchado, se siente un estancamiento creativo, tal vez este sea un trabajo más rockero y menos bailable, pero aún así, no nos ofrece algo nuevo, algo que se esperaba de esta banda. Ciertamente es un buen intento, es agradable, tiene algunas composiciones divertidas, pero sigue siendo un trabajo que sólo cumple, sin sorprendernos.

Página oficial: Hot Hot Heat official site
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The Bravery

"The Bravery"

Por si no estabas harto del rock que recicla una y otra vez el pasado con resultados nefastos, The Bravery llega para que estés seguro, el rock pasa por una crisis. Se trata de un regreso a los 80, que pretende ser divertido y bailable pero sólo logra ser aburrido y predecible. Hay que avisarle a los muchachos de The Bravery que la ola retro fue el año pasado, que este año queremos rock que nos sorprenda, no un puñado de canciones seguras y planas. Está bien tener influencias.... pero The Bravery se pasa.

Página oficial: The Bravery official site
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Athlete

“Tourist”

Debería existir una ley que prohibiera que discos como estos se produjeran, es decir, cuántas veces hemos escuchado a esta misma banda? Con diferentes nombres, con diferentes alineaciones, con letras, ligeramente, diferentes, pero con las mismas canciones, los mismos arreglos, la misma temática... el mismo pianito. Sí, Athlete es una de esas bandas en busca del trono que alguna vez le perteneció a Coldplay y que ahora pertenece a Keane, una de esas bandas que entre sus integrantes tiene al carismático vocalista, una de esas bandas aptas para niñas que lloran porque su novio las dejó o para niños que se lamentan porque la chica de sus sueños no les hace caso. En serio, traté de escuchar este disco sin prejuicios, pero a la tercera canción te cansas y no puedes evitar las comparaciones, pese a tener sus momentos en los que parece que todo irá mejor se queda tan sólo como un álbum tibio y plano.

Página oficial: Athlete official site
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Show mágico, tétrico, musical

Antes de dar comienzo, respecto a mi entry (sobre todo a algunas respuestas) de "indie blah blah blah" y lo vivido en este concierto, confirmo muchas teorías antropológicas personales
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Show mágico, tétrico, musical

Mogwai en vivo, 17 de marzo, 2006

La noche era perfecta, fresca y las estrellas se atrevían a asomarse por entre el smog, el centro histórico de la Ciudad de México se vio invadido, al menos en la intersección de Carranza y Bolívar, por los niños indie que iban a presenciar lo que muchos sólo habían soñado y creyeron imposible, la agrupación Mogwai, originaria de Escocia, se presentaría por primera –y tal vez única- ocasión en nuestro país para promocionar “Mr. Beast”, su más reciente álbum y el primero editado en México. Los encargados de abrir el show fueron lo que, según un conocido, son una copia de los propios Mogwai: Austin Tv, recibieron más abucheos de lo que yo hubiera imaginado, pero salieron airosos con el apoyo de algunos miembros de la concurrencia que parecían muy entusiasmados por el set de los disfrazados de conejito. Los empujones dieron comienzo casi al instante que la banda abridora dejó el escenario y los técnicos comenzaron a cambiar el equipo. Soportando empujones y el calor, todos esperamos pacientemente hasta que unos minutos pasados de las 10 de la noche John Cummings (guitarra), Dominic Aitchison (bajo), Stuart Braithwaite (guitarra), Barry Burns (teclados, guitarra) y Martin Bulloch (batería) pisaron el escenario, con colitas de conejo en solidaridad con la banda telonera, ante una reducida concurrencia pero que atiborraba el recinto, conocido como ex-Nafinsa. El ataque sonoro comenzó, los paisajes de Mogwai se dibujaban ante nuestros ojos y oídos, las paredes de distorsión se erigían ante nosotros, no había carismático vocalista frente a la banda, sólo cinco músicos de técnica impecable aplastándonos con su poderosa, pero bella música. Ahí estaban los contados fans de la banda así como los pseudo intelectuales, periodistas y otros seres que se negaron a asistir a los conciertos de U2 o Rolling Stones porque eran eventos demasiado “fresas”, y yo desde mi lugar me preguntaba si sabían siquiera quiénes eran los músicos frente a ellos. El recorrido fue variado, haciendo paradas en la mayor parte de su discografía, haciendo falta cortes de “Come On Die Young” (un grito insistente que tocaran “Cody” no fue tomado en cuenta por la banda), y accidentado, un par de problemas técnicos fueron baches en el camino, fuera de eso, el show fue emotivo y frenético. Stuart Braithwaite se comunicaba con el público en torpe pero bien intencionado español y en su inglés natal, todos bebían cerveza, todos sobre el escenario y algunos abajo de él. Fue un concierto lleno de momentos memorables, pero “Ratts of the Capital”, “Glasgow Mega-Snake” y el final, cuando a Stuart Braithwaite se le reventaron tres cuerdas de la guitarra y el siguió tocando fueron posiblemente mis favoritos.



P.D.: agradezco a Alejandro por haberme acompañado y por la foto...

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Placebo - Meds

Antes de comenzar, quiero decir, no sé si estoy decepcionada, bueno, como sea... más de uno malentendió mi entry anterior, tal vez no soy tan clara y tan buena con la palabra escrita como yo pensaba... *sigh*

Placebo - Meds

Placebo me produce emociones encontradas. De entrada, a veces sus canciones me suenan igual, pero luego disfruto mucho sus trabajos discográficos, tal vez es por esta polaridad que podríamos decir que su recopilación de singles es mi álbum favorito de estos británicos.

Evolución parece ser una palabra inexistente en el vocabulario de Molko y cia., no quiero decir que sus discos suenen igual exactamente, pero sí muy similar, una formula probada y comprobada, y está bien ya que hablamos de un plano -casi- meramente comercial, y para ser rock comercial, es una muy buena opción.

"Meds" cuenta con 2 invitdos de lujo, VV de los Kills en el corte abridor que le da nombre al álbum y Micheal Stipe en "Broken Promise", en donde cabe destacar la armonía vocal conseguida, ya que ambos cantantes poseen tesituras bastante disparadas, pero la ventaja es que ambos son dueños de registros considerablemente amplios.

"Follow the Cops Back Home" es una de esas canciones tranquilas que a Placebo les sale tan bien, mi track predilecto del plato. El sencillo elegido "Song to Say Goodbye" es una canción totalmente Placebo, pegajosa, que funciona para su cometido. ¿Pero qué es eso en "Blind"? reminicencias de Depeche Mode, los de Placebo no niegan la cruz de su parroquia y eso me agrada.

El momento de debilidad posiblemente lo da "Pierrot the Clown", el eslabón débil de la cadena.

Para cerrar, me pregunto si esto es un tributo a la vieja banda Dream City Film Club, el último corte se titula "In the Cold Light of the Morning", una canción sombría, pausada y que nos recuerda que, ante todo, los de Placebo tienen una vena obscura aun latiendo.

Un buen intento por parte de este grupo que goza de gran aceptación a nivel mundial, no es el mejor disco del año ni mucho menos, pero se disfruta, que al final, es lo más importante.


Página oficial: PlaceboWorld
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Indie: Una escena inexistente

Indie: Una escena inexistente

Esta semana fue, como se dice coloquialmente, una semana mierdera; regresé a la escuela, eso no es lo gacho, sino el hecho del titipuchal de tarea que dejan los profesores. Pero bueno, sobreviví a mi primera semana de sexto semestre y bien, y como pretexto de que somos bien "radicales" (esto debería escribirlo con K: Radikales) unos amigos y yo fuimos al Tianguis Cultural del Chopo a checar nada más.

Soy estudiante, soy pobre por defecto, pero llevaba mis ahorritos para comprar cualquier cosa que se ofreciera: adquirí un saco, unos discos y unos acetatos de U2, esas fueron mis principales compras. Imaginen, iba con una compañera de la escuela que es “dark” (o gótica, ese asunto me confunde bastante) y pues era como niña en confitería.

Entonces la abrumadora realidad me golpeó de frente.

Al “niño indie” no le gusta que le digan “niño indie”, porque después de todo ¿qué es el indie? o sea, si nos ponemos minuciosos, el indie podría ser desde los tres burdos acordes de Yeah Yeah Yeah’s hasta la complejidad de bandas de nueve miembros como Godspeed You! Black Emperor, y todo lo que está en medio.

No me voy a poner a explicar qué es "indie", qué es "indie" para mi, origen de la palabra y todas esas cosas, muy probablemente ya lo sepan y ya habrá ocasión de eso.

Caminando entre la gente, los estoperoles, el terciopelo negro, los cuadros blanco y negro, el polvo y la música me di cuenta, no sé sin con tristeza, que no hay una “pertenencia indie”, por absurdo que suene, ya ni hablar de una “correspondencia indie”.

No sé si me explico. No es un afán de “pertenecer”, no es una necesidad de “ser parte de...”, es más bien el instinto juvenil, ingenuo e idealista de “compartir”. Cuando un tipo en la sala de chat de “indie” del SoulSeek te alega que no le digas “indie kid” es porque algo se gestó... a ninguna tribu urbana le gusta ser etiquetada tan tajantemente.

“tú eres metalero, tú eres gótico, tú eres punk, tú eres skato, tú eres progre... y ¿tú?”

“traigo mi saco, mis lentes de pasta negra y me late un chingo Neutral Milk Hotel... soy un niño indie”

Aquí entramos en las cuestiones estéticas. Mientras recorría los puestos del lugar guiada por la música de Clap Your Hands Say Yeah! hacía el único stand que vendía discos medianamente “indies” observé a detalle a los góticos soportando y aguantando el calor ataviados de terciopelo negro y rojo, maquillados y hablando entre ellos y sólo ellos, ahí estaban también los punks de verdad que repartían panfletos para hacer reflexionar a la gente respecto a la privatización del agua, llenos de picos y estoperoles, con la svástica nazi tachada y sus ideales cosidos a sus chalecos y sudaderas, más allá estaba el negrito en el arroz, pero al fin, en bola igual, los skatos con sus mochilitas de Elmo, sus cuadros blanco y negro, sus pantalones a media nalga y su pendejez común (no es mala onda, me encanta tirarle a los skatos) y así podías identificar a todos. Y yo, el único encuentro que tuve con personas remotamente parecidas a mi fue al momento de pelearnos un disco de Morrissey (por el precio, no por la rareza). Nada más...

No había una identificación, mucho menos una identidad. ¿Cuál es la estética indie? si es que existe. ¿La que The Killers vende? ¿o la que Wilco nos regala? porque, si nos ponemos a pensar, de hecho podría existir actualmente la “vestimenta indie”. Qué me dicen de Pitchfork, todos odiamos Pitchfork pero bien que ahí estamos leyendo, y sea como sea, en una casi guía de lo que "indie" es. Incluso podríamos decir que existe una vertiente del cine moderno que podríamos denominar "indie" (y no me refiero al cine independiente en general, sino a esas historias que tienen una forma de narrarse similar, un cuidado de la imagen similar y todo eso)

He mencionado ya que en Estados Unidos los “indie kids” no quieren ser llamados así, pero existen, sino el término, la etiqueta, o como quieran llamarlo, nunca hubiera nacido. Tal vez la pertenencia del "indie kid" es la no pertenencia. Me pregunto si en México existen “niños indie”. El próximo concierto de Mogwai podría ser la prueba de fuego. ¿La noche de los indies tristes?

Por lo pronto y como sea, en México, el “indie” es una escena inexistente.

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Mogwai - Mr. Beast

Mogwai - Mr. Beast

Pero por supuesto, si has estado pendiente de este blog con facilidad puedes notar que el (les guste o no, así se llama) post-rock es mi género favorito o algo así y este es uno de los lanzamientos dentro de este estilo más fuertes del año.

A veces siento que la crítica es demasiado dura con estos oriundos de Glasgow y es que ellos tienen parte de la culpa por haber lanzado como debut "Young Team", un trabajo impecable y que, para muchos, no han podido superar, ni siquiera con este "Señor Bestia"

Tal vez no, no han superado su debut pero "Mr. Beast" presenta las ideas de "Happy Songs for Happy People" -uno de esos discos de odialo o ámalo- más condensadas, más concentradas y más sólidas, esa ya, de entrada, es una gran ventaja. Las guitarras cuasi doom ahí siguen, el piano siniestro ahí sigue y los escoceses siguen tristes y enojados.

El disco goza de grandes, grandísimos momentos como en la portentosa "Glasgow Mega-Snake" que merece mención especial por ser considera por más de uno como, desde ya, una de sus mejores canciones dentro de su extenso repertorio, "Travel is Dangerous" sigue esa línea de guitarras graves y ruidosas que construyen paredes de sonido, en ésta última encontramos los característicos canticos de la banda, sombríos y casi irreconocibles; sin embargo "Death Folk 95" puede llegar a recordarnos a Tortoise, Fly Pan Am o Do Make Say Think, pues tiene un tinte jazzero sin llegar a ser jazz propiamente.

La abridora "Auto Rock" es, sin embargo delicada, pausada, muy en la vena de "I Know You Are But What Am I"; aquí hay de todo. "Acid Food" recuerda las flaquezas de "Come On Die Young" pero sigue siendo un track digno. El single elegido: "Friend of the Night" funciona muy bien como eso, pues es accesible dentro de lo que cabe pero no pierde la escencia de la banda, contiene arrehlos de piano bastante acertados.

Todo acaba con "We're No Here", nuevamente con esas guitarras metálicas y con los muros sónicos, no sólo propios de esta banda, sino del estilo por completo.

El disco está lleno de enormes composiciones y de otras que no anidarán en nuestra memoria, sin embargo, es un trabajo sólido, que demuestra evolución.

No me hagan caso, yo adoré "Happy Songs for Happy People" y considero que "Come On Die Young" está subestimado, pero la mayoría piensa diametralmente opuesto a mi, así que escucha el álbum (lanzado en México por Noiselab) y juzga por ti mismo.

P. D.: si van a ir al concierto de este próximo 17, por allá nos estaremos viendo.
P. D. 2: como notarán, no hago reseñas de discos hasta que éstos son lanzados oficialmente, por cuestiones éticas or something.



Página oficial: Mogwai official site
My Space: Mogwai @ My Space
Cómpralo en Amazon.com: Mogwai - Mr. Beast

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Sín Título

Recuerdan los ensayos que he puesto aquí? eran parte de mi tarea escolar como bien lo explicaba en su momento, y como proyecto final para esa asignatura un grupo de amigos y yo hicimos 2 cortometrajes, en uno yo casi no metí mano, pero el que a continuación presento fue escrito y dirigido por mi, no somos expertos pero no voy a negar que si me interesa esa onda del cine... así que si un día me hago famosa haciendo películas esto va a valer oro! (aunque previamente ya había hecho un video chafísima para la canción "I Luv The Valley Oh!" de Xiu Xiu)

Se supone que teníamos que representar círculos del Infierno de Dante, este corresponde al Limbo. Hubo incluso una exposición de todos los cortos acá en Toluca, hasta eso todos estaban bastante bien. Respecto a este, se nos perdieron detalles, lo grabamos con 2 pesos y todo eso, pero quedé bastante conforme con el resultado final.

Los créditos están ahí incluídos... aquí pongo el texto que acompañó a éste cortometraje de la autoría de... pues yo mera y por supuesto el link para que vean este intento de cortometraje.

...

Sín Título <--- CLICK para ver el cortometraje .

El lugar tan blanco que se asemeja a la nada

El lugar al que asisten los no bautizados cuando su vida acaba, el lugar en donde la infinita tristeza impera, un lugar que no es brutal como el infierno propio, pero que castiga. El Limbo de Dante es ese lugar neutral, no has obrado mal pero no fuiste reconocido ante los ojos de Dios, ese fue tu único error y caes en el Limbo como caer en medio de un puñado de nada que huele a tristeza.

Cómo acercarse tanto a algo que es inalcanzable, de tal modo que se pueda ver claramente ese paraje desolador con claridad, sólo amalgamando elementos prácticos y cotidianos, y de pronto te encuentras rodeado, envuelto y sofocado por blancura y tristeza, de pronto puedes estar en el Limbo, como espectador inerte, como testigo ajeno.

Tomamos prestado al niño como símbolo de inocencia, un símbolo que cualquiera puede entender y pese a su universalidad, sigue desprendiendo poderosas emociones: la mirada de un niño, tan cristalina como agua contenida en una pila bautismal, la sonrisa de un niño, tan radiante y luminosa que nos ciega en belleza. El niño es inocencia por defecto.

Un cielo sin nubes, opalino y simple, juega el papel de ambiente blanco, neutro, estático, en donde uno puede pasar el resto de su vida sin mirar más allá de ese cielo y desquebrajarse en tristeza.

Los árboles carcomidos por el tiempo, el valle solitario y que pertenece al olvido, la hierba reseca que sirve de cama a un inocente, sirve de lecho para el que se marcha, todo, conjunto, es más bien un paisaje poco alentador, poco entusiasta, poco feliz.

El arma blanca es primitiva, simple, no se necesita ser un genio para usarla, no se necesita más que la fuerza intrínseca humana, no se necesita más que un arranque para poder manchar su hoja. Sin embargo, la sangre no brota ni se desparrama, ni siquiera hay indicios de que hubo un crimen imperdonable, porque la sangre salpicaría nuestra neutralidad, tornándola carmesí cuando debe mantenerse entera y eternamente blanca.

El hombre sin rostro es cualquier hombre, cualquiera que cae en la tentación y en pecado, cualquiera de nosotros es vulnerable a entrar y nunca poder salir. El hombre que lo hace y, aunque después se arrepienta, no puede borrar huellas que ya marcó. En un desesperado, mas mesurado, movimiento se atreve a cubrir su horrorosa acción para no ver más el rostro, inocente y falto de vida, de la víctima de su naturaleza, la naturaleza humana.

Un simple manto blanco, viejo y común, tapa de momento la crueldad que ante los ojos del hombre aparece, la tapa ante sus ojos pero no logra sacar la imagen de su cabeza. Un simple manto, uno que vestimos cuando nos bañan en agua ante Cristo crucificado y su eterna imagen martirizada, ese manto, el que se viste en el bautizo, tapa o quiere tapar, el pecado original, el hombre, imitando lo básico, intenta tapar su propio pecado con una tela de blancura nívea.

Sin embargo, el cuerpo yace, sin vida, sin moverse, la luz se ha escapado de sus ojos, el hombre contempla un bulto blanco que no se va como si con sólo desearlo fuera a obedecerlo.

Y el blanco permanece. El blanco en el cielo, el blanco en el manto del niño, el blanco en el arma, el blanco ante nosotros. Todo es tristemente blanco.

Imagina pasear en medio de las almas albergadas y cansadas en el Limbo, tan abrumadoramente estático, tan inmensamente deprecado, sin nada por qué esperar ni ningún lugar al cual acudir, simplemente se es y se está, nada más, los huesos se congelan de tristeza y te desesperas al no poder llorar mientras miras aquel lugar tan blanco que se asemeja a la nada.

Mientras un vals distorsionado y enfermo sin idioma se mece, se expande y se erige soberbio, con voces irreconocibles, con compases pausados, con el alma congelada. La melodía de la muerte es la muerte blanca, la del sin sentido, la del idioma sin traducción, la de la inocencia aniquilada, la de monjes islandeses que dan el llamado para que acudamos, sombríos y cansados, a su iglesia de hielo, la de la Rosa de la Victoria (Sigur Rós), la de la letanía glaciar y blanca, la del cielo color ostión, la que enmarca lo imperdonable, y que es brutalmente hermosa en su melancolía.

Un título para el que no puede tener título, que debe mantenerse anónimo para conservar su neutralidad. “Sin Título” es el título, que nos llega por antonomasia.


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Dreamend - Maybe We're Making God Sad and Lonely

Dreamend - Maybe We're Making God Sad and Lonely

Al parecer olvidé por unos días que tenía blog, pero ya regresé y qué mejor que con uno de mis discos favoritos de estos últimos días, siguiendo esa línea de bandas no tan reconocidas que, según yo, merecen ser escuchadas.

Dreamend, originarios de Chicago, es, para no perder la costumbre de este blog, una banda de post-rock que, sin embargo, conserva una vena latente de ese género que dio paso al actual post-rock: el "shoegaze"

He estado escuchando material de sus anteriores trabajos y con alegría escucho que han evolucionado, solían ser más ambientales y ahora arriesgan más con las características guitarras distorcionadas pero no perdiendo ese sonido dreamy que tan bien les sale.

"A Place in Thy Memory" podría recordarnos en momentos a Explosions in the Sky, tiene mucho de los texanos, sobre todo la primera parte de la canción, pero encontramos en sonido de la banda mejor representado en la siguiente canción "In her little bed we lay her", más ambiental, con voces sampleadas y llena de texturas, con menos guitarra.

Mucho más melódico, más rockero, incluso incluye voces femeninas, es el siguiente corte "Can't Take You (DIF)", que se aleja de los ambientes y decide regresarnos en el tiempo y recordarnos a Slowdive. "Iceland", sin embargo, es mi canción predilecta del álbum, regresa a los ambientes y texturas, pero conserva esa vena shoegazer, voces fantasmales arrullan mientras de pronto un paro musical nos hace despertar de ese ensueño.

"Mary Cogswell & Fred Vaillancourt" es un track de menos de 2 minutos con guitarras repetitivas y con la presencia de sampleos nuevamente, no es, ni de lejos, la mejor canción contenida en este trabajo. Para cerrar, "New Zealand" se presenta con sus 10:02 minutos de duración, una pieza tan larga siempre presenta evoluciones interesantes, y así es, comienza tímida y discreta con un punteo suave de guitarra para ir creciendo y cerrar magicamente éste trabajo.

Un disco hermoso, lleno de paisajes, con un título absolutamente post-rocker, al igual que la música contenida en él.


mp3: "Can't Take You (DIF)"

Página oficial: ..........DREAMEND..........
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U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006

U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006 (parte 1 de 2)

¿Por qué el título de esa forma? ¿por qué poner en la misma altura a los texanos y a los irlandeses? Porque estamos frente a la mejor banda del mundo y frente a una de las grandes bandas jóvenes, sólo por eso.

Los Secret Machines son simplemente mágicos en vivo, sus texturas se aprecian mejor en directo. Abrieron con la genial “Nowhere Again”, y siguió el nuevo single “Alone, Jealous, & Stoned”, mucha gente estaba desesperada por ver a U2, los abucheos fueron los menos, creo que pude notar un cierto impacto en más de uno que pedía banditas de a 3 pesos como The Killers o Keane para abrir y Secret Machines pateó su trasero con su rock que se desliza de la psicodélia al progresivo, mucho más complejo que las bandas antes mencionadas.

Cuando cerraron con “First Wave Intact” hubo un paro tanto en música como en luces, eso es de grandes, ese paro necesitó horas y horas de ensayo. Una gran banda que tocó con todo, el baterista es un virtuoso, el sintetizador da texturas bellas y únicas y el guitarrista, pese a que no quiso arriesgarse mucho, genial.

Después se esfumaron del escenario y tras otros largos momentos de espera, sonó “Wake Up” de The Arcade Fire, estaba a punto de salir U2.

U2 y Secret Machines en México, 15//02//2006 (parte 2 de 2)

Llegamos a las inmediaciones del Estadio Azteca el 14 de febrero como a las ocho de la mañana y ya nos tocó brazalete amarillo. Teníamos un pequeño problema... que involucraba brazaletes amarillos y boletos... es demasiado complicado de explicar pero lo resolvimos de forma casi espontánea. Otro problema que surgió fue conseguir hospedaje, porque queríamos retirarnos a descansar algunas horas y los únicos hoteles en la calzada de Tlalpan eran, pues... de esos de 4 horas, así que fuimos a parar a un hotel cinco estrellas que tuve que pagar con tarjeta de crédito para no quedarme sin dinero.

Estuvimos yendo y viniendo del hotel al Azteca para descansar pero estar al pendiente de todo lo que pasaba o si salía algún imprevisto. Conocimos mucha gente, estuvo divertida la velada, una chica con la que compartí sleeping fue la que posteriormente se subió al escenario con Bono. Intercambiamos direcciones de correo electrónico y platicamos de todo, faltaba un largo día.

Esa noche U2 demostró una vez más porque es una gran banda más allá de lo musical, a aquellos que moríamos de inanición en la fila esperando por el día siguiente nos tocó recibir pizza gratis por parte de la banda mientras escuchábamos el soundcheck.

Ya el 15 de Febrero, a las 6 de la mañana se pidió que todos estuvieran en su lugar listos y sin casas de campaña o cobijas, aunque no se respetó sino hasta las 11, en la madrugada hacía un frío congelante y a medio día un calor insoportable, pero aguantábamos y soportábamos, sabíamos que la hora estaba próxima.

Se anunció en periódicos y medios que empezaríamos a entrar a las 4 de la tarde, en el lugar se nos informó que la entrada sería a las 3, pero finalmente comenzamos a entrar poquito después de las 2. Y ahora sí... ¡a correr!. Dicen que una chica se cayó y los de seguridad comenzaron a pedir que no corriéramos pero nadie los peló. Conseguimos excelente lugar a escasos 2 ó 3 metros de la rampa izquierda, a unos 8 ó 10 metros del escenario, en primera fila, sin cabezas y cuerpos que nos taparan. Pero aun faltaban muchas horas.

En las bocinas sonó hasta el cansancio Bloc Party y The White Stripes, me gustan ambas bandas pero parecía que era lo único que tenían disponible, además el disco de Bloc Party estaba rayado, jaja.

Una lluvia amenazaba al concierto, las nubes eran enormes y cubrían el Azteca, comenzó la fina llovizna pero que por fortuna sólo fue eso. Con rapidez los del staff taparon el equipo y así se mantuvo incluso durante la presentación de los Secret Machines, pero no pasó a mayores.

Tras la presentación de los texanos quedaba cada vez menos tiempo de espera, la música ahora fue más variada, desde The Cure a los Beatles, Dallas Schoo probando guitarras y paseándose por el círculo del escenario, regaló una púa de guitarra a un niño que estaba en el lugar.

“Wake Up” sonó... y Dallas aun estaba en el escenario, lo cual fue muy extraño, pero se retiró y finalmente la banda salió.

Yo ya los había visto en Madrid en Agosto pasado, fue mágico, pero nada se compara con lo que viví esa noche del 15 de Febrero, la primera sorpresa fue que abrieron con “City of Blinding Lights” para después explotar con “Vertigo”. Por desgracia no hubo canciones de “Boy”, pero en lugar de eso tuvimos “Mysterious Ways” que fue la primera vez que la chava que conocí en la fila subió con Bono al escenario (la segunda fue en “With or Without You”), su novio que la acompañaba ha de estar feliz (“¡mi novia le gustó a Bono!”). En una de las primeras canciones a Edge le falló la guitarra, una Les Paul blanca, en menos de 5 segundos Dallas Schoo le proporcionó otra idéntica pero que tenía un “2” pintado atrás, o sea, la de repuesto.

Cuando Edge comenzó a desfilar por la rampa que teníamos al frente, nosotros gritábamos como locos, no fue mi imaginación, estoy segura que nos sonrió más de una vez. Igualmente Adam se paró en frente de nosotros en varias ocasiones y pude mandarle un beso, sonrió al instante, nunca voy a olvidar su expresión.

Una de las más emotivas, por obvias razones, fue “Sometimes...” en donde Bono alcanza una de sus notas más altas y en donde podemos sentir algo profundo que emana de su voz. Siguió “Love and Peace or Else”, nunca había apreciado la línea de bajo en esta canción hasta que pude ver a Adam puntear el bajo y el sonido atronador salió de las bocinas, fue impactante.

En “Beautiful Day” Bono cambió la letra para referirse a la tierra que pisaba y cantó parte del “Cielito Lindo”, su chamarra no llevaba la bandera de USA en el forro, llevaba los colores verde, blanco y rojo. Se esforzó por hablar español, y lo hizo bien.

“México es el país del futuro y U2 es la banda del futuro”

Esperemos que sea presagio de dos cosas, que México se fortalezca como país y que tengamos U2 para rato.

Vino el combo de canciones combativas y de lucha: “Sunday Bloody Sunday”, “Bullet the Blue Sky” y la hermosa “Miss Sarajevo” que vuelve a tener sentido con estos tiempos que vivimos, la banda no toma partido, simplemente pide paz. Los derechos humanos se leyeron en español, al contrario de lo que viví en España.

Yo tenía una experiencia previa de este tour, así que me llevé una gran sorpresa cuando las banderas de Latinoamérica comenzaron a desfilar en la pantalla gigante cuando comenzó “Streets” en lugar de las de África, como normalmente era. Igualmente los mensajes en “The Fly” esta vez venían en inglés, español y portugués.

Hubo dos momentos en que Bono casi azota, al principio de “Streets” cuando comienza a correr, eso pasó justo en frente de mi y al apagarse las luces antes de “Yahweh” dio unos pasos para atrás y tropezó con el pedestal del micrófono, fue gracioso.

Muchas canciones desde ahora tomaron un nuevo contexto para mi, pero nada como “Zoo Station”, ya me gustaba, pero Edge se paró frente a nosotros y no podía evitar sonreír, sus ojos son más bellos de lo que yo hubiera imaginado y de lo que las fotos que a lo largo de mi vida como fan he visto.

Otra grata sorpresa fue escuchar “40” como canción final, una de las canciones más queridas por los fans, Larry fue el último en salir, fue el único que no se paró por el lado en que yo estaba pero igualmente lo pude apreciar bien.

Y se terminó... ellos se notaban felices, satisfechos, agradecidos, Bono se disculpó por haber tardado tanto en regresar, nosotros respondimos con euforia y pasión. U2 me recordó por qué son mi banda favorita e incendió el escenario con fuego irlandés.

Sólo le envidio a los fans de Monterrey “Bad” y a los del 16 de febrero “Fast Cars”, pero esa noche no la cambio por nada, la mejor noche de mi vida.

//Setlist:

City of Blinding Lights
Vertigo
Elevation
Mysterious Ways
Until the End of the World
New Year’s Day
Still Haven’t Found What I'm Looking For
Beautiful Day
Original of the Species
Sometimes You Can't Make it On Your Own
Love and Peace or Else
Sunday Bloody Sunday
Bullet The Blue Sky
Miss Sarajevo

Pride (in the Name of Love)
Where the Streets Have No Name
One

Zoo Station
The Fly
With or Without You

All Because of You
Yahweh
40

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the High Fidelity entry # 3

aprovechando la gloriosa fecha que se acerca (U2 en el Azteca) pongo esta lista con mis 5 canciones favoritas de los irlandeses (sin ningún orden específico) , bueno, son sólo 5 de un extenso repertorio.

1. Gone [Pop, 1997]: Se trata de una canción guiada totalmente por la guitarra, es un rock de guitarras, pero recordemos lo que fue Pop, la gran última experimentación electrónica de la banda, así que la guitarra está plagada de efectos, la canción entera está llena de sonidos electrónicos. Posiblemente una de las letras más bizarras de Bono, pero cuando te sientes en ese mood que no sabes ni quien eres, es perfecta... porque estás arriba con el sol y no vas a bajar.

2. Wire [The Unforgettable Fire, 1984]: Con pocas canciones me siento tan identificada (una cosa es que me gusten y otra es que me sienta identificada), se supone que la letra habla de un adicto a la heroína, por fortuna yo no sufro de tal adicción, pero una tristeza así de grande como la que describe es perfecta en mi. Bono desgarra la voz, juega con ella haciendo vocalizaciones únicas, la melodía es arrojada, rápida y fugaz. Qué bello día para echar a perder nuestras vidas.

3. Love is Blindness [Achtung Baby!, 1991]: Esta canción en especial me gusta en vivo, cobra nueva vida, se acentúa la deprecación en ella, se vuelve más sombría al ser tocada ante miles de fans. Unos dicen que habla sobre atentados, los más intimistas creemos que es simplemente un himno a corazón herido y destrozado. Un órgano simple comienza... Edge es capaz de crear atmósferas, dibujar paisajes de devastadora belleza, hacer que la guitarra diga más que las palabras, mientras Bono es pausado, austero y mientras ruega; la sección rítmica insuperable, lenta y obscura. Es una idea peligrosa... que casi, casi tiene sentido.

4. Tomorrow [October, 1981]: Cuando la madre del post-adolescente Bono murió se sintió despojado de algo enorme, y escribió esta canción (entre muchas otras). La espiritualidad que reina a lo largo de su segundo LP se ve entristecida, es una plegaria dolorosa. Comienza misteriosa, con elementos celtas y después explota, haciendo de la plegaria un grito desesperado, describiendo no sólo paisajes, sino las tinieblas que reinaban en su alma. Pregunta con inocencia cruel... regresarás mañana?

5. Sometimes You Can't Make It On Your Own [How To Dismantle An Atomi Bomb, 2004]: Ya hablamos de lo fuerte que fue para Bono perder a su madre, ahora, en esta canción, toca el caso de su padre, que murió de cáncer durante la Elevation Tour. Ni con su madre ni con su padre Bono hablaba mucho, por eso cuando murieron se dió cuenta de que los había perdido para siempre y que nunca más tendría la posibilidad de hablar con ellos. Una de las cosas que más me gustan, a la vez me ponen la piel de gallina, es Bono hablando de su padre, con esa melancolía recordando anécdotas de su old man, Bob Hewson era un tenor de la clase obrera de Dublín, amaba la ópera y por eso Bono canta una de esas notas altas en esta canción, se eleva al cielo y tal ve ahora Bob si lo escucha. Tú eres la razón por la que canto, tú eres la razón por la cual la ópera está en mi, Bono clama desde el fondo de su pecho, y de su alma.

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Bright Red Paper - Bright Red Paper

Bright Red Paper - Bright Red Paper

Para no reseñar discos obvios, seguiré poniendo esas bandas desconocidas que merecen ser escuchadas (claro, eso es sólo mi opinión).

Hoy, desde Oregon, llega Bright Red Paper, banda instrumental de post-rock que lanzó su disco homónimo por su cuenta y es posible comprarlo sólo en su página oficial y en CD Baby por un precio que es casi un regalo.

Cuando uno lee que es otra banda de post-rock pues ya sólo queda esperar clones de Mogwai, Explosions in the Sky o Godspeed You! Black Emperor; la bella sorpresa con Bright Red Paper es que tienen sonido propio, único y, clásico en este género, hermoso.

Es el resultado de mezclar músicos tan dispares como ex-integrantes de bandas de rock, surf, jazz y un cellista con preparación académica; cabe destacar el trabajo que el bajista realiza, simplemente soberbio, dando un toque funky a la música, sumado a eso están las percusiones casi tribales que por momentos destellan aquí y allá.

Tienen dejos de Rachel's y A Silver Mt. Zion, pero estremecen por voz propia. El gran problema del álbum es que está bien producido pero hasta ahí, causa de su total independencia, pero a veces la producción no termina de cuajar y los instrumentos suenan sobrepuestos, no siempre y no demasiado, eso se puede mejorar contando con un mayor presupuesto, por supuesto.

El álbum abre sin dar tiempo a reaccionar con "Dis for Dead Sea", el cello de pronto remite a oriente y el bajeo es único, aunque discreto. La línea de bajo del siguiente track es más gorda y más marcada, "A World Collapsed" mantiene ese protagonismo del cello pero el bajo evoluciona de forma casi jazzera. Ambas composiciones mantienen armonías hermosas y ambientales, cambian y se transforman en si mismas, logran su clímax teatral y se desvanecen.

La siguiente canción, "C Sharp Minor", es la más corta y tranquila del plato, aunque más trágica, y la cumbre coronada por el cello es indescriptiblemente hermosa. En "Typewriter" todo comienza en calma, pero es aquí donde nos damos cuenta de la capacidad del bajista, y de como logra meter elementos tan funk, como lo es el slap y el contratiempo, a una melodía hermosa en donde el cello nunca pierde protagonismo. "Western Waves Crashing" se encarga de cerrar un viaje tan hermoso e intenso, posiblemente la pieza menos lograda, aunque bella igualmente, su defecto es que afloja a la mitad de sus casi 9 minutos de duración, pero retoma el camino hacía el final y cierra de forma perfecta, es la única con voces, aunque breves, incluídas.

Bright Red Paper brilla con la misma intensidad que el rojo del papel que les da nombre, se arriesgan a fusionar ritmos logrando que el género tome nuevos bríos. Un viaje hermoso.


mp3: "Dis for Dead Sea"

Sitio oficial: Bright Red Paper -- the official website
Cómpralo en su Sitio Oficial: Bright Red Paper - Bright Red Paper
My Space Bright Red Paper: Bright Red Paper @ My Space

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Genghis Tron - Cloak of Love

Genghis Tron - Cloak of Love

Aun reseñando trabajos del 2004, pero oh!, no me siento capaz de reseñar algo tan grande como Belle & Sebastian o Cat Power.

Te gusta el grind? pero también te apasiona la música electrónica? pues por fin tenemos todo en uno: Genghis Tron, que con este EP llegan intempestivamente con su mezcla original y adictiva.

Los clásicos riffs y vocalizaciones del grind, con toda su brutalidad y ruido sin sentido aparente se mezclan con sintentizadores que parecen venidos del espacio exterior. Canciones breves y ruidosas, pesadas y desordenadas son enriquecidas por sonidos electrónicos haciendo de éste trabajo sencillamente único.

Un amigo mio, un metalhead, se rió mucho cuando le dije que era un EP y que era grind, me dijo que si el disco duraba qué? 15 minutos? y bueno, no estaba muy alejado de la realidad, a penas si logra rebasar los 12 minutos, pero son más que suficiente para destrozar tus oídos atronadoramente con guitarras duras y musculosas, batería de doble bombo incansable, un bajo más plagado de slap bien ejecutado, voces irreconocibles y un sintetizador que logra dar atmósferas inconcebibles para este género.

El disco abre con "Rock Candy" que es la canción más eclectica y de los cambios más abruptos, tal vez la menos lograda del brevísimo EP, aunque adictiva por igual, los dejos del sonido synth son más obvios en esta composición. Continua la que comienza de forma totalmente electrónica "Arms", en donde una parte synth comienza, luego una parte grind y así consecutivamente hasta terminar fusionandose.

Sin embargo "Ride the Steambolt" es la canción que da fe del enorme poder de la banda, con machacantes riffs que te taladran y el sintetizador creando sonidos tenebrosos; es violenta, contiene ese elemento primario del metal más brutal.

"Laser Bitch" comienza con un sintetizador retro, ochentero, la voz esta vez no es gutural, está procesada y suena electrónic, con sólo 2 líneas de letra, es la que da nombre al disco ("i'm your lambskin cloak of love, baby try me on") y luego boom! de nuevo está el grind atascado y headbanger. Para cerrar está "Sing Disorder"que es la más ortodoxamente grind de todas, pero no olvida el sintetizador que sigue envolviendo a la música en atmósferas.

Es un trabajo difícil de escuchar, pero vale mucho la pena, si pueden darle una checada, con los oídos dispuestos y la mente muy abierta, no se van a arrepentir.

Parafraseando a Tiny Mix Tapes: los metalheads ya encontraron a su Postal Service, ja!


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Página oficial:
genghistron.com

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Indie en Guadalajara

El fin de semana pasado fui a la hermana república de Guanatos (no sé porque le digan así, y como dice Ferenc, el amigo que me sirvió de guía "de seguro es por una pendejada") y bueno, recorrí los lugares históricos, visité el pequeño tianguis cultural tipo Chopo (ojalá hubiera uno en Toluca) y etc., etc. Pero en la noche nos dirigimos a una tocada que se realizaba en la Arena Coliseo, lugar destinado para la Lucha Libre, decidí ir porque tocaba Sad Breakfast, una banda que se me hace más o menos decente.

Bueno, para empezar, el lugar NO es para conciertos, ni en el Palacio de los Rebotes el audio es tan malo, pero hey! ecualicen bien y neta, se escucha bien donde sea, ecualicen los agudos y todo se arregla un poco, pero no, el audio fue el mismo desde que llegué hasta que nos hartamos (Ferenc y yo) y decidimos dejar el lugar.

Me tocaron un par de bandas desconocidas.

La primera no recuerdo como se llamaba, era emo o algo muy parecido. Los cuates ya se creían rockstars, el vocalista era poco menos que el frontman que México espera, pero hay un problema: hay que aprender a tocar primero. No pido virtuosismo, pero las canciones caían en los lugares comunes, una banda del montón, así cómo vamos a tener buen rock algún día si sólo se dedican a copiar lo que está de moda, en este caso cosas como My Chemical Romance, Simple Plan, etc. (no estoy metiendo a estas bandas en un mismo saco, me gusta la primera y detesto a la segunda).

Pasaron sin pena ni gloria.

Siguió, si mal no recuerdo, un grupo llamado Roghe o algo así (supongo que querían llamarse Rogue y el nombre ya estaba ocupado o no supieron como escribirlo, puedo creer cualquier cosa), con ellos iba programador con su lap top, la cosa prometía. Otra gran y absoluta decepción, más de lo mismo, en lugar de aprovechar las texturas y atmósferas que una lap puede crear, el ruidero de su pseudo-emo-punk-avant-garde-howdoyoudo tapaba el sonido de dicho instrumento (porque estaba siendo usado como instrumento) y cuando lograba oirse no salía de los clichés medio synth-pop. No prendían a público aunque los bañaran con gasolina y luego les aventaran un cerillo.

Luego vino un grupo de Nu Metal, no recuerdo si ellos eran Ídem, o Ídem es la banda que vendrá a continuación. La cosa era risible, lo mejor era que ellos se lo tomaban muy en serio. Ah! eso sí, con DJ y toda la cosa, aunque el cuate no salía del scratch básico y meter el sonido de la consola era casi con calzador, salía sobrando. El bajista, eso sí, un cabrón para el slap; wey, no traten de tapar la falta de talento con un chingo de tapping y slap, eso dejénselo a Les Claypool o Flea, en donde el slap va con la música pues es funky, no a unos pseudo-metaleros. Hay una cierta fijación por el slap en más de una persona, por eso me sacaron de una banda: por no querer hacer slap, pero no puedo visualizar a Carlos D., mi máxima influencia como bajista, atascando el sonido limpio y sombrío de Interpol con el pinche slap. Hay momentos y lugares, el slap no oculta la falta de talento.

Después vino otra banda, no sé si estos eran Ídem. La cosa era de lo más bizarro, eran mejores músicos, eso sí, pero el vocalista era un clon bizarro de Bunbury que a su vez es un clon bizarro de Jim Morrison, los dos guitarristas parecían que en cualquier momento tocarían un cover de Mayhem o Burzum, el bajista era digno de una banda de happy punk, el tecladista parecía regresado de los 80, en donde tocaba en una banda tipo Vilma Palma e Vampiros, pero eso sí, debo reconocerlo, su baterista era extremadamente cabrón, lástima que su talento esté desperdiciado en una banda así. No estoy a favor de que la imagen de una banda se anteponga a la música, pero siempre es bueno ofrecer algo visualmente bueno, no un montón de músicos cada quien en su onda, unificar la imagen aunque sea. La música: aburrida y predecible, dejos del rock de los 70, como Led Zeppelin meets The Doors, algo así.

Por fin Sad Breakfast, me lleva... sólo tocaron 4 rolas ¿me reventé a todas esas bandas mediocres por 4 pinches rolas? y lo peor de todo, el audio seguía del asco. Luego tocarían dos bandas más: Rohan y otra que no recuerdo su nombre. Yo ya no estaba para aguantar más y decidimos dejar el lugar.

Y luego dicen que por qué no me gusta el indie en español, pues por chingaderas como esta.

Mi buen amigo Ferenc, sin embargo, me comentaba que no siempre es así, que hay cosas interesantes como Maniqui Laser (por ahí estaba el vocalista por cierto) o una banda que es puro desmadre llamada Monje vs. Tigre, como me describió ambas cosas, tengo ganas de escucharlos en vivo, algún día tendré chance.

Han sido los 80 pesos peor gastados de mi vida.

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Secret Machines en México

y por qué me emociono tanto? porque van a abrile a U2 y me fascinan los Secret Machines! (que bueno que no pusieron una banda mexicana, la mayoría apestan)

de U2.com:

31.01.2006
Secret Machines for Mexico

Got tickets for any of the three shows in Mexico next month ? Word reaches us that the very wonderful The Secret Machines will be playing support.

Originally from Dallas, the three members of The Secret Machines - brothers Brandon and Benjamin Curtis and friend Josh Garza - have been gaining massive critical acclaim in recent months. According to Rolling Stone, 'They take Pink Floyd psychedelia, Led Zeppelin stomp, and Who-inspired choruses and charge them full of big-rock beats, atmospheric keyboards and all kinds of electronic whooshes.'

They've already toured with Foo Fighters, Spiritualized and Oasis and last summer with the Kings Of Leon, no strangers to the Vertigo stage. 10 Silver Drops, their second album is set for an April release while its first single, 'Alone, Jealous and Stoned', was released a couple of weeks back.

If you don't know them yet, get a feel for them here http://www.thesecretmachines.com


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60 canciones (pt. VI)

Por fin acabamos... las últimas 10 canciones (más 5, que son los comodines o canciones que se me olvidó meter cuando estaba haciendo el recuento y no podía dejar fuera)
Recuerden, las canciones pertenecen a sus autores y si quieren una o varias escribanme a eating.glass@gmail.com diciendome qué canciones necesitan
...

51. Three Days, Four Nights [Castanets]; “Cathedral” (2004)
La voz es tan desencantada, el punteo de guitarra preciso, y la batería descuidada. Una interpretación tan desoladora, es como estar en un cuarto oscuro y frío escuchando esta canción lenta, pausada y con dejos de country.

52. Tradewinds [Super Furry Animals]; “Rings Around the World (special edition)” (2001)
Sólo si eres poseedor de la edición especial de este disco puedes disfrutar de esta canción que abre el EP extra. La voz de Gruff Rhys como pocas veces, aterciopelada y a veces se quiebra, la melodía, con sus peculiares y característicos arreglos divertidos, es armoniosa, incluso de tendencia folk. Es mi canción favorita de esta, una de mis bandas favoritas.

53. Unmade Bed [Sonic Youth]; “Sonic Nurse” (2004)
Este es el Sonic Youth que a mi me tocó, el melódico, el nuevo, no por eso no aprecio sus trabajos clásicos. Sí, sigue el vicio como virtud, el feedback como máxima fuente de poder, pero logran convertir el caos en armonía, la distorsión en ambiente, esta canción es una de sus más melódicas, a la vez sensibles.

54. Unrecorded [M83]; “Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts” (2003)
Mágica, así de sencillo. Es una pared impenetrable de sonido, es noise electrónico, es viajar en un túnel lleno de colores, todos los colores están ahí, es increíble como una canción te puede hacer ver colores. No te da tiempo de hacer nada, es y te cautiva para después marcharse.

55. Vermillion [The Album Leaf]; “One Day I’ll Be On Time” (2001)
Todo es bermellón, el atardecer que cae sobre muebles de madera, iluminando la habitación, el té caliente que tomas en las noches de frío y el cálido sentimiento que te invade. Juega y se regocija, mientras el sol se oculta a discreción, mientras lo inanimado cobra vida.

56. Waiting for a Superman [The Flaming Lips]; “The Soft Bulletin” (1999)
Hablar de esta agrupación es referirse a palabras mayores, por ende, se habla de un catálogo basto y de calidad constante. Sin embargo, me quedo esperando por un superman, porque mezcla una melodía de delicado indie pop, una letra inteligente y uno de mis personajes favoritos salido de los comics.

57. We Looked Like Giants [Death Cab For Cutie]; “Transatlanticism” (2003)
Es absolutamente corta venas, una letra que cuenta una historia con lujo de detalle, la música roquera pero trágica, es el sueño emo. Cuando dos personas fueron poderosas causa de un amor juvenil y atolondrado, lucieron como gigantes.

58. Why I'm so Unhappy [Dntel]; “Life is Full of Possibilities” (2001)
Es tan misteriosa, perfecta para escucharse con la luz apagada. La voz femenina, sin embargo, da calidez, como si en medio del frío unos brazos sin rostro te acogieran para cubrirte y protegerte mientras le preguntas a ese ente salvador por qué eres tan infeliz.

59. Wonderwall (Oasis cover) [Ryan Adams]; “Love is Hell” (2004)
Otro cover, pero es que hay ocasiones que un músico toma una canción ajena y la hace propia de tal forma, éste es el caso, en donde la popular canción de Oasis toma otro camino, el de la melancolía, cuando Ryan Adams decidió arreglarla con sólo guitarra acústica, un teclado lejano, incursión del piano para el acento y su voz quebrada.

60. Your Ex-lover Is Dead [Stars]; “Set Yourself on Fire” (2004)
El pop el su más refinada expresión. Sensible, alegre, bailable, tierno y con cierta melancolía, eso es Stars. Esta composición abre su más reciente producción, con arreglos de cuerdas hermosos y luego viene el juego de voces siempre preciso, mientras un beat electrónico taladra con caprichosas formas. Una belleza.

Wild Cards

1. Four Hours in Washington [M. Ward]; “Transistor Radio” (2005)
2. Hurt (NIN cover) [Johnny Cash]; “American IV: The Man Comes Around” (2002)
3. Love Reign O’er Me [The Who]; “Quadrophenia” (1973)
4. Peces de Ciudad [Joaquín Sabina]; “Dímelo en la Calle” (2002)
5. Special Needs [Placebo]; “Sleeping With Ghosts” (2003)